30 de noviembre

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18 de mayo

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Walter Benjamin (2011). La obra de arte en la era de su reproducción técnica. El cuenco de plata. Buenos Aires


El autor plantea que el aura en las obras de arte, es determinada por la autenticidad que las hace únicas en su existencia.  Es decir que la pérdida del aura también es entendida por el acercamiento entre la realidad y las masas mediante cualquier técnica o procedimiento de reproducción masiva, haciendo que la obra de arte pierda dicha originalidad. Este sentido de lejanía, cercanía y proximidad también hace referencia a que las más antiguas obras artísticas surgieron al servicio de un ritual y estrechamente relacionado con lo religioso. La unicidad en las obras de arte es el aura y su inserción se ha marcado por un contexto de tradición el cual permite encontrar su aura en expresiones de culto.


Benjamin, analiza también las características anteriormente mencionadas a partir de la fotografía y el cine e involucra los condicionamientos sociales en los cuales se pierde el aura considerando que la reproducción masiva logra una cercanía a lo que realmente ha sucedido a través de un acontecimiento reflejado en la imagen y que permita su contemplación. Sin embargo, indica que cuando la producción artística no se puede juzgar en parámetros de autenticidad, se revoluciona la función social de arte que ya no se fundamenta en el ritual sino en una praxis política.


Con los fundamentos de la reproducción técnica del arte desde el siglo XIX, el autor plantea que ya no eran manejados por un siglo XX en el cual empezó el surgimiento del cine pues a su vez, se debatía el interrogante de si la fotografía era o no arte sin contemplar que la fotografía modificó el carácter del arte. Esto también se involucra con el trabajo del actor de cine y teatro y las diferencias que tiene representar un personaje frente a un público o frente a una cámara y a su vez todos los componentes necesarios e incorporados para representar un suceso.


Bourdieu Pierre (1995). Las reglas del arte. Anagrama. Barcelona


A partir de la lectura de La educación sentimental de Flaubert, el autor plantea un análisis sociológico del mismo mundo social en el que fue escrita dicha obra involucrando también una génesis del campo literario para conducir la comprensión de la obra de Flaubert que a su vez contribuye a tener una visión del mundo, sus reglas y el espacio social en el que se desenvuelve él mismo y su obra.


En la primera parte de su libro denominada "Los tres estados del campo", se destaca un abordaje hacia la invención estética pura que en términos literarios como en la novela de Flaubert, el valor estético es reconocido por la naturaleza de los ambientes sociales que allí se representan en vez de la forma tal vez vulgar de representarlos. En este sentido, el realismo es una revolución parcial y como propone el autor fallida, en la que no se cuestiona la confusión entre el valor social o moral y el valor estético. Así entonces, a lo que la estética oficial hace excluyente, se le transforma o se plantea desde el punto de vista del Arte puro, según Flaubert. Ésta revolución estética que muestra Bourdieu entre la división del vínculo ético y estético a través de la escritura, se pone a la par con el estilo de vida de los artistas mostrando que se generó una estética a medias entendida como sus relaciones entre el arte, la moral y la realidad, estigmatizados o juzgados por los partidarios del arte social. 


En la tercera parte, se presenta "La génesis histórica de la estética pura". El autor, a partir del análisis de Harold Osborne que caracteriza a la actitud estética por la atención al objeto, es separado de su entorno ignorando lo analítico y discursivo. En este sentido se resume "El análisis de la esencia y la ilusión de lo absoluto" que vincula la experiencia subjetiva de la obra de arte en tanto experiencia estética que se registra ingenuamente. Así pues, para hablar de las categorías de la percepción artística en un sentido histórico, que involucra la valoración de la obra de arte, en términos de gustos Bourdieu refiere que "no hay nada escrito" (p.435) porque los individuos ocupan diferentes lugares en un espacio social generando diversidad de significados y valores que involucran épocas y sentidos diferentes a lo largo de un contexto histórico e incluso la posición social de los usuarios para caracterizar por ejemplo obras de arte u objetos cotidianos que tras las revoluciones artísticas condensan los ideales éticos y estéticos.

Bajtín, Mijaíl (1998) Estética de la creación Verbal. Siglo XXI Editores, México.

La obra está compuesta por diferentes trabajos de M. Bajtín quien elaboró durante más de cincuenta años, un círculo de problemas científicos y filosóficos relacionados entre si. Una de sus posturas más sobresalientes se encuentra relacionada con la comprensión estética. 


La primera parte se denomina "Actitud y personaje en la actividad estética" que refiere la variedad de posturas, manifestaciones o reacciones del hombre-protagonista frente a una obra realizada por su autor. En este sentido, Bajtín la considera estética específicamente, porque recoge una valoración cognoscitiva y totalidad única. El comienzo de una actividad estética, es la vivencia como primer momento; es decir la que permite hacer una conexión con si mismo mediante una contemplación de lo observado, recreando una estructuración y conclusión del material, la vivencia del momento extrapuesto y lo que comunica. 


Teniendo en cuenta lo anterior, elabora también un punto de vista hacia la fundamentación del hombre interior; abordando la totalidad interna del alma en relación con el fenómeno estético, definiendo al alma como una totalidad interior que ha sido dada, en proceso de formación en el tiempo. Dicha totalidad enmarcada en unos principios de ordenación, constitución y formación del alma dentro de un punto de vista artístico las define en actitud emocional y el problema de la muerte abordado desde adentro y desde afuera, en cuanto a la figuración del alma y la formación de la vida interior que no es indiferente a la forma. Por su parte, el cuerpo exterior es el cuerpo del otro y la valoración realizada por si mismo. Dicho cuerpo exterior se conforma en categorías cognoscitivas, éticas, estéticas mediante momentos visuales y táctiles representados en valores plásticos y pictóricos generando reacciones emocionales al cuerpo exterior del otro.



Arfuch, Leonor., Chávez, Norberto., Ledesma, María (2011). Diseño y Comunicación. Teorías y enfoques críticos. Paidós. Buenos Aires.


Los autores Arfuch, Chávez y Ledesma (2011) plantean una reflexión acerca del lugar que ocupa el diseño en la sociedad contemporánea, articulando sus aportes. Según Arfuch (2011) y remontándose a un abordaje histórico, lo que para algunos puede devenir desde las cuevas de Altamira, así como para otros desde las vanguardias artísticas o también desde la segunda posguerra, la revolución industrial y los medios de comunicación, la falta de teoría no puede definir las divergencias propias de su disciplina y las afines.


Arfuch (2011) elabora una mirada al diseño de hoy desde un abordaje histórico y propone que el año 1945 sea aceptado como referente arbitrario para intentar fundamentar delimitando un antes y un después "tanto del diseño como actividad como del pensamiento alrededor del diseño" (p. 16).  También en su apartado, hace mención del diseño y su configuración actual en el mundo, a partir de las transformaciones culturales que involucra a la tecnología y su trascendencia en la comunicación. Esta comunicación como función del diseño gráfico incorpora el entorno social, caracterizando el lugar comunicacional del diseño y los discursos que le rodean. Los nuevos horizontes señalan que la imagen empresarial empezó a trazar el camino de la simbolización de los objetos y el desarrollo tecnológico un determinante para la imagen y las representaciones virtuales y analógicas de la realidad.


Chávez (2011) por su parte, vislumbra dos vertientes en la práctica del diseño gráfico: por un lado como arte aplicada y por otro como técnica de comunicación. Indica a su vez, que la escasa actividad teórica hace que perdure bajo la misma etiqueta la heterogeneidad de las prácticas del diseño gráfico y sus procesos, que se ven reflejados en tres aspectos: "la enseñanza, la práctica profesional y la demanda social de sus servicios" (Chávez, 2011, p.91). Los conceptos de artes aplicadas y diseño, los presenta como dos modelos de producción gráfica por su tradición histórica y el vínculo sociocultural en el que se inscriben.


Finalmente, Ledesema (2011) presenta en su apartado: "El diseño en la trama de la cultura: desafíos contemporáneos" muestra un análisis del diseño gráfico actual relacionado con la cultura contemporánea que involucra la óptica del consumo teniendo en cuenta que el mercado compite entre productos y símbolos. Esta manera de pensar el diseño excede según la autora, una simple "analítica formal de incumbencias, tendencias y estilos" (p.139), pues refiere que existe una extensa problemática que involucra al diseño desde mínimas relaciones interpersonales hasta los sucesos de la comunicación satelital. En esta línea plantea el desarrollo de una propuesta teórica con una mirada semiótica y a su vez, pensándolo desde la heterogeneidad incorporando la poética social de Bajtin. En definitiva, la autora incorpora una articulación entre la "encrucijada" de saberes del diseño y su relación con la teoría e investigación y su contexto sociocultural.

ARNHEIM, Rudolf: La forma visual de la arquitectura, Editorial Gustavo Gili, Barcelona. 2001.
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RAS, Héctor Federico: Ensayo. Memorias sobre Morfología, Conducta y Estética. Serie Ediciones
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POKROPEK, Jorge; AMOROSO, Enrique y otros: Merodeando la forma, FADU-UBA, Buenos Aires. 2007.
ZATONYI, Marta: Diseño, Análisis y Teoría, CP67- Universidad de Palermo, Buenos Aires. 1993.

La lectura rápida de cualquier revista de actualidad nos revela la existencia de un mundo del lujo y de la sofisticación que es entregado a un público masivo que aspira integrarse a él. Este impulso inspiración al llega a través de los contenidos y de las páginas de publicidad. El ideal de esta vida ostentosa tiene su punto de lanza: la moda.

De ahí que sea legítimo interrogarse: ¿qué vinculación existe entre el dinero y la moda? ¿Qué nos revela el consumo? ¿Qué nos dice de quién compra y persigue objetos de moda? ¿Es nuestra época la única que ha consolidado esa alianza entre moda y consumo, o es posible encontrar momentos históricos de similar contextura? ¿Qué autores podrían colaborar con este proceso de indagación?

Focalizándose en los tres períodos (la Belle Époque, los años ’20 y en la época actual), este libro explora los principales acontecimientos para un estudio referente al consumo ostensible, siempre reconociendo que la moda es una de las expresiones culturales de una sociedad.

Se trata, pues, de ofrecer un aporte que facilite comprender el comportamiento de consumo de lujo en la sociedad, como así también el valor que tiene en el ámbito de la cultura y su grado de relevancia para un estudio de la comunicación social.

La idea de encarar este trabajo de investigación parte precisamente de una de las funciones primarias de la vestimenta que es la de cubrirse. Intenta iniciar un estudio respecto de la vestimenta como emergente cultural, a través del tiempo. Esta investigación, consiste en una observación con el fin de quitar lo que está cubierto para ver que es lo que hay detrás. Para ello recurre a estudios bibliográficos y a los medios de comunicación, ya que allí es donde esta manifestación se aparece como más evidente. En este último caso se circunscribe al universo de las revistas femeninas y de interés general, por ser ellas en las que más claramente se puede percibir esta expresión de la moda: son quienes sacan a la luz y reflejan, a modo de un espejo, nuestras costumbres. El tema de la vestimenta es de una gran complejidad. Abarca varios aspectos de la personalidad y de la vida. Se podría hablar de un carácter externo de la vestimenta (lo que se ve, lo más superficial, el mundo de las apariencias) y de uno interior (entendiendo por "interior": lo profundo, lo interior, lo más hondo). Nos vestimos para nosotros pero también para los demás. Nos vestimos por necesidad y también porque queremos decir algo. Según Umberto Eco el vestido es comunicación. La vestimenta también es expresión y posee sus propios códigos de acuerdo con cada cultura. Es decir, que la vestimenta funciona también como transmisor de ideologías. La investigación se encauza en las décadas del 40, del 70 y la que estamos recorriendo actualmente, intentando observar los principales acontecimientos que considera de gran importancia para un estudio referente a la mujer, y estimando que la vestimenta es una de las tantas expresiones culturales de una sociedad. Se trata de ofrecer un aporte que facilite comprender en este aspecto indicado "la vestimenta" el comportamiento de la mujer en la sociedad argentina.

Publicado en: Cuadernos del Centro de Estudios de Diseño y Comunicación Nº47 de la Universidad de Palermo. Año XIV, Vol. 47, Marzo 2014, Buenos Aires, Argentina | 199 páginas.
http://fido.palermo.edu/servicios_dyc/publicacionesdc/vista/detalle_articulo.php?id_libro=459&id_articulo=9318