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El análisis de una pintura

Lo Russo, Alejo [ver currículum del autor, docente de la Facultad de Diseño y Comunicación]

Reflexión Académica en Diseño y Comunicación NºXIII

Reflexión Académica en Diseño y Comunicación NºXIII

ISSN: 1668-1673

XVIII Jornadas de Reflexión Académica en Diseño y Comunicación 2010.

Año XI, Vol. 13, Febrero 2010, Buenos Aires, Argentina. | 202 páginas

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Uno de los trabajos prácticos que se plantean en el Taller de Reflexión Artística I es el análisis de una obra plástica como ejercicio para agudizar la mirada reflexiva. El abordaje de una obra de arte en el nivel universitario es de por sí complejo debido al escaso acercamiento a los fenómenos artísticos en los diferentes niveles previos de la educación formal. El desafío que se les propone a los alumnos es importante, sin embargo, es fundamental este entrenamiento visual con el objetivo de agudizar la percepción visual así como para desarrollar la sensibilidad plástica. Si bien las diferencias entre el artista y el diseñador son amplias y exceden este artículo, el manejo de elementos plásticos en sus producciones es algo que tienen en común y es deseable entonces que el aprendiz de diseñador amplíe sus horizontes visuales aprendiendo a “leer” obras, de cualquier época, propiciando así un mejor manejo de los elementos del lenguaje visual involucrados en su práctica.

Presentamos aquí un estudio de caso en el que analizamos una obra teniendo en cuenta los aspectos básicos a tener en cuenta al momento de abordar el análisis, a saber, los aspectos técnicos, iconográficos, formales y la relación de la obra en un contexto histórico-social.

Estudio de caso: “Retrato de Margarita Gonzaga”; Autor: Frans Pourbus II (llamado “el joven”); Título: Retrato de Margarita Gonzaga; Técnica: Oleo sobre tela; Medidas: 96 x 72 cm.; Ubicación: Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires.

Esta obra puede inscribirse en la corriente estilística de los retratos impuestos por la poderosa corte española en el siglo XVI e inicios del XVII. Podemos ver un estilo formal, frío donde predomina la rigidez de la línea, la observación penetrante del detalle y la inmovilidad de la forma.

En la determinación de este estilo tuvo gran influencia el pintor flamenco Antonio Moro (1512-1576) que trabajó en las cortes de Carlos V y de Felipe II. Creó escuela en España y con él se formaron importantes artistas como Sánchez Coello. Frans Pourbus habría recibido la influencia de este estilo en la corte hispanizada de Bruselas cuando estuvo a su servicio entre 1596 y 1600.

En el año 1600 Pourbus entra al servicio del duque de Mantua Vicente Gonzaga, quien le encarga el retrato de sus hijas entre quien se encontraba el personaje de esta obra, la princesa Margarita Gonzaga quien contaba con doce años de edad a la fecha de realización del cuadro. En la obra la princesa está de pie, con el cuerpo girado de tres cuartos de perfil hacia su derecha y con la cabeza girada de manera que mira hacia el espectador. La figura está representada hasta un poco más abajo de la cintura. Su brazo izquierdo está apoyado sobre un parapeto que se encuentra delante de ella y el otro cae libremente.

La composición está regida por la verticalidad dada por el formato de la obra y por la postura de pie de la figura. Esta verticalidad se ve reforzada por las líneas del bordado del corsé.

La figura se encuentra en un espacio definido por el paño que pende detrás y el parapeto que se encuentra delante. Por detrás del paño percibimos un espacio indefinido y en penumbras. Está ricamente vestida con un traje brocado con motivos de pequeñas flores rojas y blancas dispuestas en bandas, y sobre éste lleva un corsé que afina su figura y se completa con hombreras y medias mangas ligeramente abiertas. El corsé, las medias mangas y la falda son de una tela color verde azulado con pequeñas flores rojas y azules y con bordados en hilos de oro. Tiene un cuello de gorguera abierta de encajes recamado en oro y perlas. En los puños repite similar detalle de encajes del cuello de gorguera.

Sobre su manga izquierda cuelga una joya compuesta por piedras de corte cuadrado engarzadas en una pieza circular de oro y con perlas colgando. Alrededor del escote tiene piezas de joyería similares. Finalmente sobre el peinado tiene una diadema de oro con piedras y perlas, detrás de la diadema aparece un aigrette como remate.

Podemos ver la gran cantidad de perlas que lleva la princesa en diferentes partes de su indumentaria. Uno de los atributos de Santa Margarita de Antioquía, protectora de las parturientas, son las perlas que lleva generalmente formando un rosario. Por otro lado entre los griegos las perlas eran el emblema del amor y del matrimonio y en general de la fuerza generatriz. Esta simbología estaría en relación con la función de este tipo de cuadros que era la de posibilitar el conocimiento de la imagen de una persona a otra con el fin de promover el matrimonio entre ambas. De la misma manera, la riqueza de la vestimenta descripta simbolizaba la riqueza del personaje y por consiguiente su dote.

Vemos que el núcleo focal de la obra es el óvalo en el cual podemos inscribir el rostro de la figura. Este rostronúcleo está rodeado de elementos que refuerzan su importancia. Hacia la derecha se destacan las fuertes diagonales marcadas por el cuello de gorguera que se ve en todo su volumen. En el lado opuesto se encuentra el nudo del paño que pende detrás de la figura. Otros elementos que enmarcan y jerarquizan la zona del rostro son la diadema y el aigrette por arriba y el escote del vestido y las joyas por debajo.

La proporción anatómica también jerarquiza el rostro ya que la cabeza puede verse de dimensiones un tanto mayores a las normales en relación con el resto del cuerpo.

En esta obra podemos hablar de una luz focalizada en el rostro y en el paño que hace de fondo de la cabeza de la figura, y otra luz “fragmentada” que vemos en la infinidad de pequeños brillos en las perlas, piedras talladas y bordados dorados del vestido. De esta manera se genera un ritmo que contrasta con la inmovilidad de la figura.

Esta estabilidad de la figura está dada por la coincidencia de la figura con el eje central vertical de la composición así como por la forma de trapecio (forma estable) en la cual podemos inscribir la figura por debajo del cuello. Esta estabilidad e inmovilidad son contrastadas por el paño con pliegues detrás de la figura que agrega una idea de dinamismo a la composición.

Podemos ver que el color rojo del paño es cálido y se establecería una graduación de la temperatura de los colores que van de más cálidos a más fríos llevando la mirada hacia la zona del rostro. Del rojo del paño pasamos a un color menos cálido como el amarillo del cuello de gorguera y de allí al rosa y blanco fríos del rostro.

Por otro lado vemos el contraste del verde azulado del paño del vestido con el amarillo, más cálido de los bordados.

La obra está realizada con una pincelada no perceptible, perdida. La superficie es lisa. Se puede percibir un gran detallismo en las pequeñas pinceladas que configuran las piedras talladas, las pequeñas perlas o el cabello.

Referencias bibliográficas

- A.A.V.V. Donaciones recibidas Museo Nacional de Bellas Artes 1975-1979 (catálogo), Asociación Amigos del M.N.B.A, Buenos Aires.

- Benezit, E. (1924) Dictionnaire des peintres, sculpteurs, graveurs, dessinateurs. París.

- Hall, James. (1974) Diccionario de temas y símbolos artísticos. Madrid: Alianza.

- Navarro, Angel. (1994) La pintura holandesa y flamenca (del siglo XVI al XVII) en el Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires. Buenos Aires: Asociación Amigos del M.N.B.A,

Vocabulario relacionado al artículo:

análisis . arte . pintura .

El análisis de una pintura fue publicado de la página 84 a página86 en Reflexión Académica en Diseño y Comunicación NºXIII

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