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La importancia de la visita a un museo.

Reflexión Académica en Diseño y Comunicación Nº VI

Reflexión Académica en Diseño y Comunicación Nº VI [ISSN: 1668-1673]

XIII Jornadas de Reflexión Académica en Diseño y Comunicación. Febrero 2005. Buenos Aires. Argentina:"Formación de Profesionales Reflexivos en Diseño y Comunicación"

Año VI, Vol. 6, Febrero 2005, Buenos Aires, Argentina | 288 páginas

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Orellana, Juan [ver currículum del autor, docente de la Facultad de Diseño y Comunicación]

El museo es un institución donde la sociedad guarda,
conserva, expone, muestra los objetos valiosos para la
humanidad. Tanto obras de arte, documentos históricos, El
hombre, la naturaleza, la técnica y la ciencia.
La finalidad última es conservar, guardar, proteger, restaurar,
todos aquellos objetos que hacen a la vida del hombre.
El museo ofrece un servicio a la sociedad, en el caso
específico de obras de arte, elige y selecciona aquellas que
tienen valor estético y artístico que representan al Hombre
en sus distintos períodos históricos.
Los dispone y expone para la apreciación y valoración de
sucesivas generaciones.
Pablo Freire, pedagogo, trabajó sobre el concepto de
concienciación del Hombre objeto del mundo actual en el
Hombre sujeto: quiere decir como Hombre que aprende y
aprehende, y reflexiona sobre los valores, la permanencia lo
inmanente y lo trascendente de la obra de arte.
La experiencia-vivencia-museo, que propongo en el Taller I
de Reflexión Artística es un momento importante en el
proceso de aprendizaje, produce una concienciación que
permite a los alumnos: descubrir y encontrar contenidos que
se van materializando en el desarrollo de los diferentes
ejercicios durante lo cursado.


La historia de los museos
El actual término museo es derivación de la palabra griega
museion, que era el nombre de un templo de Atenas dedicado
a las Musas. En el siglo –III , la misma palabra se utilizo
para designar un conjunto de edificios construidos por
Ptolomeo Filadelfo en un palacio de Alejandría.
Se trataba de un complejo que comprende la famosa
biblioteca, un anfiteatro, un observatorio, salas de trabajo y
de estudio, un jardín botánico y una colección zoológica.
Sabemos, por otra parte, que ya en el siglo -V se daba el
nombre de pinacoteca a un ala de los Propileos de la
Acrópolis de Atenas, y Pausanías cuanta que en ellas se
guardaban pinturas de Polignoto y de otros artistas.
Los romanos desarrollan la costumbre del coleccionismo de
obras de arte que entre el – 212 y – 146 llenaron los templos
de Roma de obras de arte griegas.
Durante la Edad Media, algunos templos famosos
acumularon conjunto de objetos artísticos, como San Marcos
en Venecia, y Saint- Denis, cerca de París, mientras que
determinados reyes, amantes de la cultura, creaban sus
propias colecciones. El emperador Bizantino Constantino VII,
era un auténtico arqueólogo y coleccionista de objetos de
arte, que a veces mostraba a sus invitados durante los
banquetes. Carlomagno reunió un tesoro fabuloso que
abundaban obras de arte romano antiguo al que se añadieron
el tesoro de los hunos, capturados por el duque de Friul el
botín ganado a los musulmanes por Alfonso II «El Casto»
con motivo de la toma de Lisboa, y los regalos de Oriente
que le envió el califa Harun- al- RAchid.
La pasión por el coleccionismo de obras de arte aumentó en
el Renacimiento. Es famosa la colección que reunieron los
Medicci en Florencia, para el cuidado de la cual Lorenzo
«El Magnífico» nombró al escultor Donatello. Otras familias
florentinas poseían verdaderos museos privados, como los
Strozzi, los Quaratesi y los Rucellai. En diversos palacios
de príncipes italianos había estancias dedicadas a guardar
colecciones de obra de arte antiguas que se hicieron famosas,
como la de los Gonzaga en Mantua, de los Montelfeltro en
Urbino, y de los Este en Ferrara y de los Visconti en Milàn.
En 1471 el Papa Sixto IV fundó un anticuarium abierto al
público en el Capitolio de Roma.
Durante los siglos XVI y XVII las colecciones reales no
dejaron de aumentar en importancia. Fernando de Habsburgo
reunió en su castillo más de mil cuadros, una biblioteca de
cuatro mil volúmenes y grandes cantidades de medallas de
bronce, cerámicas y tapices. Todo eso fue trasladado a Viena
para fundar el museo Por el archiduque Leopoldo Guillermo.
Tesoros que fueron instalados en el palacio de Velvedere de
Viena y abiertos al público en 1783 por orden del Emperador
José II.
Los reyes españoles Felipe III y Felipe IV enriquecieron la
colección formada por Felipe II mediante compras realizadas
en Flandes, Nápoles y Milán, a través de sus virreyes o
agentes especialmente encargados de este trabajo. Así, por
ejemplo, sabemos que Velásquez fue enviado a Italia en 1649
para comprar obras de arte. Todo ello fue la base de actual
Museo del Prado, cuyo edificio se construyó en 1785, y cuyas
colecciones dejaron de ser propiedad real y pasaron a ser
propiedad nacional en 1868.
Las colecciones de los reyes de Francia fueron nacionalizadas
en 1793 por un decreto del gobierno revolucionario.
Instaladas en el palacio del Louvre, fueron abiertos al público
bajo el nombre «Museo de la República». Estas series se
enriquecieron rápidamente gracias a la política de Napoleón
que, en sus tratados de paz, obligaba a los vencidos a entregar
grandes cantidades de obras de arte.
En 1873- 1847 se construyó el edificio del British Museum,
(Museo Británico), en Londres, cuya arquitectura está
inspirada en los Propileos de Atenas. Hacia 1830, Luis II de
Baviera hizo construir la Gliptoteca de Munich. En 1843 se
instaló en el antiguo palacio de Cluny en parís, una gran
colección de arte medieval. Y en 1852 se abrió al público el
último de los grandes museos de Europa: el Ermitage de
San Petersburgo, hoy Leningrado, cuya fabulosa riquezas
ocupan actualmente un recorrido de mas de 14 km.
En la segunda mitad del siglo XIX se construyeron los
primeros museos en EE. UU. Como el de la Universidad de
Yale. Que tiene su origen en la colección privada de James
J. Jarves, legada en 1867. Pero la gran importancia de los
museos de Estados Unidos arranca de los extraordinarios
donativos de obra de obra realizadas a partir de 1900 por los
magnates de la industria y de las finanzas: Andrew Mellon,
Samuel Kress, Prierpont Morgan. De este modo es como se
construyeron la galería Nacional de Washigton de 1937, el
museo de la universidad de Harvard en 1928, así como los
museos de Atlanta, Denver, Houston, Cansas City, y New
Orleáns.
El Museo Nacional de Bellas Artes de la República
Argentina, el mayor acervo de nuestro país y uno de los
principales de América, fue creado el 16 de julio de 1895 y
abrió sus puertas el 25 de diciembre de 1896, bajo la
dirección del pintor y crítico del arte Eduardo Schiaffino, a
cuyas instancias había sido fundado por el gobierno del
Presidente José Evaristo Uriburu.
Quedaba satisfecha así una antigua aspiración, compartida
por autoridades, políticos, artistas y escritores, que nació
casi con la Argentina independiente. Fue Bernardino
Rivadavia, ministro de Gobierno de la Provincia de Buenos
Aires, quien instaló el Museo Público, a fines de 1823,
materializando así una iniciativa suya de 1812. Aunque
dedicado, en principio, a la Historia Natural (será la base
del Museo Argentino de Ciencias Naturales de hoy), era
deseo de Rivadavia constituirlo también en repositorio de
obras de arte.


Experiencias en los museos
Una visita al museo de Ciencias Naturales de la Plata
realizada por niños de escuela primaria en una jornada de
recreación es posible que produzca una vivencia que haga
reflexionar durante toda la existencia. Un niño cuando mira,
mira desde un lugar donde los preconceptos y conceptos no
son barreras para determinar pautas culturales o sociales,
el niño observa, contempla y absorbe esa experiencia como
algo nuevo, algo extraordinario en un lugar extraordinario.
Reflexionar sobre la visita a un museo para los alumnos
actuales no es sólo que trate de observar lo estético que
alberga el museo, los cultivos de los recuerdos plantean un
viaje extraordinario a través del tiempo en un solo lugar,
una mirada y un nuevo descubrimiento, algo que pensamos
ahora ya fue pensado, algo que descubrimos en la naturaleza
en forma casual o científicamente, se exhibe: esto fortalece
nuestras creencias.
Seguramente alguien en otro tiempo observó algo que aquí y
ahora nosotros observamos y que puede ser lo mismo pero de
otra forma. En el caso del área de las bellas artes ese instante
esta plasmado en los cuadros, gobelinos, tallas, relieves,
grabados, esculturas, dibujos, objetos, etc. Cultivos como el
de la representación de la figura humana desde los museos
originarios como las cuevas de Altamira y Lascaux hasta los
museos más importantes del mundo albergan esta trayectoria
de exquisitas representaciones, sus cuerpos, sus etilos, sus
indumentarias, la luz, la sombra, el entorno, las configuraciones
estéticas desarrolladas por las diferentes culturas.
En el museo se asiste a un espacio de descubrimiento permanente,
a un espacio donde el paso del tiempo se detiene en
cada uno de los objetos y nos arroja aquella obra desarrollada
y buscada como resultado de intensidades vividas por un
sujeto o por un movimiento. Nos encontramos con un cultivo
de la inspiración humana, sus necesidades, sus deseos, sus
ilusiones, sus fantasías. El artista ha plasmado árboles,
plumas, alas, hojas, flores, montañas, frutas, metales,
texturas, espacios nuevos, inventados o reales.
Paños, luces, y sombras el Hombre, la familia, la velocidad,
lo estático, una hazaña, un abrazo, un logro, una introspección,
un nacimiento, algo científico. El hombre busca, se
forma, se perfecciona, se proyecta, abre su mente y se
expresa, construye de sus experiencias el presente y en esta
acción proyecta el futuro que es mañana.
Reflexionar nos permite crecer, nos permite darnos cuenta
de los vínculos que se pueden lograr uniendo creativamente
los cultivos de la producción humana.
Una obra de Antonio Berni que se encontraba en el
M.A.L.B.A. llamó poderosamente la atención de los alumnos
que visitaron el museo, cuando leí porqué les había
impactado: dijeron que unía muchas cosa que habían visto
en los talleres y que unía lenguajes del arte y el diseño. La
obra es una escultura realizada con material de deshecho, es
la imagen de un dragón que se esta comiendo a Ramona y
quedan sus piernas fuera de su boca, el dragón es una forma
irregular y Ramona es un maniquí realista. La curiosidad
de los alumnos se centró en lo que había adentro del cuerpo
del dragón; ¿estaba el cuerpo entero de Ramona?, ¿qué ropa
usaba Ramona o solo era un fragmento?.
Descubrieron que el cuerpo de Ramona estaba entero y que
el dragón además de tener dos patas estaba construido por
dentro y por fuera con texturas.
Dice Paola Migliorisi: «ver una obra original no es lo mismo
que verla en un libro, vivenciar la experiencia de estar frente
a una obra de arte como El David de Miguel Angel en el
Museo del Calco me hizo recordar mi viaje a Florencia
cuando tuve la oportunidad de ver el original tallado en
mármol, la magnitud, la perfección de la anatomía, el pulido
de la superficie me hacen reflexionar de como un hombre es
capaz de producir esa belleza».
Otro comentario de los alumnos fue que visitar un museo es
entrar en un espacio diferente, la arquitectura, la luminosidad,
lo atrayente de la distribución de las obras.
MNBA- sobre Jesús Rafael Soto la obra «planos virtuales»
1965. Madera y Metal- 160x 160cm. Pamela Gonzáles
Cobreros nos dice: «esta obra me pareció original y me
impactó por que fue diferente a todo lo que había visto en
mi recorrido. Lo mas destacable es, sin duda, la interacción
que hay con el observador ya que depende del punto de vista
del mismo se produce una ilusión óptica que es lo que vuelve
interesante y enigmática a dicha obra.»
MNBA- sobre Ernesto de la Cárcova la obra « sin pan y sin
trabajo» 1894. Óleo sobre tela- 125, 5 x 216 cm. A Roberta
Hinrichsen Dockendorff me impactó, el tamaño de la obra,
los colores muy oscuros, muy tristes que expresan el dolor
de algo que pasó.»Lo que mas me impresionó fueron las
expresiones de las personas, sus gestos, posiciones, miradas;
cómo una pintura, un dibujo que es estático y sencillo, puede
tener tantos detalles mínimos que nos llevan a entender una
historia que fue captada en un momento y es que siento que
hay toda una película detrás de esa tela pintada, pero una
película verídica. Que sin mostrar directamente todo lo que
pasa, el espectador se puede ubicar en la época y en la
situación, hasta llegar a sentir lo que esas personas estaban
pasando».
C. C. Recoleta - Gargano «Figuras y Fantasmas» acrílico
sobre tela 2, 50 x 140 cm. Ariel Pablo Abramovici opina:
«las pinturas me asombraron, si las miraba de cerca veía
una mezcla de colores que se notan que salen del alma,
cuando uno toma distancia después de observar por un rato
noté que se iban formando personas, animales y paisajes de
modo fantasmal. Para mí el artista pinta centrando la
importancia en el diálogo entre los colores y el espacio, más
que en la perfección de la forma».
MNBA- la obra de Joaquín Torres García, la obra» Arte
Universal» 1943, óleo sobre tela 75 x 106 cm. Anabella
Staffolani elegí esta obra porque: «Me impactó la manera en
que están distribuidos los espacios, la concordancia que hay
entre las distintas figuras, los colores utilizados, las sombras
que se producen y que las figuras parecen pinturas rupestres
encuadradas en rectángulos».
MALBA- Antonio Berni «Manifestación» 1934, temple sobre
arpillera 180 x 249,5 cm. Sabrina Casale dice: «esta obra
me causó gran impacto por cómo está ilustrada, la forma en
que Berni captó la expresión de la gente, una fuerte
caracteriza-ción de los rostros de los manifestantes
transmiten la fuerza de la gente y sus sentimientos. Me gustó
mucho la técnica del temple por que no la conocía».
MNBA- Mario Gurfein, Mónica Diana Almassio se centró
en la serie «Ventanas, Puertas y Paisajes» realizadas en técnica
mixta sobre tela y materiales diversos. «Las obras de este
artista me transmitieron una aparente sencillez y un mundo
familiar como haber reconocido lugares pintados y de haber
estado allí, lugares con puertas abiertas donde se unen la luz
interior y la luz exterior, árboles de olivos perdidos en la
llanura, con una luz que iluminaba el horizonte, o la de esos
paredones a los que el pintor ha llamado «el Mundo» en las
que abrió puertas y ventanas con imágenes de gente borrosas
en ventanas inalcanzables con luz. Las esculturas de hombres
construidas con telas desgarradas que arman una trama y que
generan un espacio donde se dibujan otros espacios».
Lo que les impacta de los espacios dedicados a conservar obras
de arte son sitios estáticos y que el movimiento esta en las
obras de arte que producen en el espectador un viaje en el
tiempo y en la estética de la producción humana. Además
desde el origen del arte hasta la actualidad hay temas recurrentes
como lo es la figura humana sus acciones, su indumentaria
sus mascotas, la naturaleza, flores, árboles, bodegones
paisajes, etc.
Las palabras utilizadas por los alumnos en los diferentes
escritos fueron: asombro, descubrir, pasión, distribución,
técnica, aplicación, creatividad, equilibrio, simetría, color,
texturas, magnificencia, entre otras.
Esta práctica de recorrer un museo es necesaria porque es
vivencial, les da una experiencia nueva, pueden unir el pasado
con el presente y construir lo que vendrá, les enriquece su
cultura, ayuda ver inspiraciones de otros en las inspiraciones
actuales, los jóvenes toman contacto con imágenes y propuestas
relacionadas a su tiempo y a las culturas juveniles actuales,
los jóvenes se mueven en la cultura de la informática, de la
música, de los medios de comunicación. La experiencia en
los museos los hace descubrir otras miradas.



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  • La importancia de la visita a un museo. fue publicado de la página 172 a página174 en Reflexión Académica en Diseño y Comunicación Nº VI
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