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Experiencias en la dinámica áulica y procesos creativos en el Taller de Moda I

Cárdenas, Andrea [ver currículum del autor, docente de la Facultad de Diseño y Comunicación]

Reflexión Académica en Diseño y Comunicación NºXIX

Reflexión Académica en Diseño y Comunicación NºXIX

ISSN: 1668-1673

XX Jornadas de Reflexión Académica en Diseño y Comunicación Facultad de Diseño y Comunicación. Universidad de Palermo

Año XIII, Vol. 19, Agosto 2012, Buenos Aires, Argentina | 215 páginas

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Resumen:

Iniciado el cuatrimestre suelo pedir al grupo de estudiantes una devolución escrita sobre cómo se sienten con el trabajo en la clase, teniendo en cuenta el eje central de la materia, que es desarrollar la capacidad creativa, a través de la incorporación de herramientas y metodologías expresivas. Posibilitando crear productos de indumentaria a través de la representación de la figura humana (el figurín de moda), indagando en una imagen personal y expresiva.

Palabras clave: creatividad – herramientas – metodologías expresivas – estimular – exteriorizar – confianza.

Comentario de una de las estudiantes: 

“Cuando empecé con el primer trabajo no sabía qué hacer o mejor dicho cómo hacer para transmitir a través de un dibujo lo que yo quería. 

Nunca dibujé antes, sé que está a la vista, pero a medida que pasan las clases me siento mejor con lo que va saliendo. Es muchísimo esfuerzo para mí lograr que mis dibujos se parezcan a lo que observo, siento que mi mano todavía está muy dura para dibujar. Pero me ayuda muchísimo tu paciencia y dedicación para conmigo. Es como si fuera ciega, pero tus palabras me enseñan a ver lo que está a la vista y yo no sé descifrarlo, tal vez porque nunca presté atención. Considero que hubo un mínimo crecimiento en mí, y espero con esfuerzo, dedicación y paciencia lograr mejorar”. 

Es interesante partir de la reflexión escrita de esta estudiante sobre cómo se sentía con el trabajo en la clase. Se comienza a desmenuzar en sus dichos una serie de planteos prácticos y teóricos de que es dibujar o representar sobre el plano bidimensional, y los inconvenientes con los cuales se encuentra ella y otros muchos estudiantes cuando están ante ese vacío que es el papel en blanco, ante esos primeros comienzos en el hacer gráfico. 

La expresión al decir “…cómo hacer para transmitir a través de un dibujo” y “como transmitir si” … “Nunca dibujé antes”, es una condición paradojal. El desconocer el código del lenguaje plástico-visual parecería ser de suma importancia, pero esta supuesta falencia no debería ser un impedimento para que uno se pueda expresar. Aparecen aquí nuevas categorías de análisis: como la confianza, la autoestima, la aceptación de sus propias posibilidades y limitaciones técnicas, motrices, expresivas, conceptuales entre otras. Pero siempre debería primar el querer y poder. Es fundamental esa apertura de la “necesidad interior”, el motor que guía ese impulso gestor y creador de expresar lo que le es propio (elementos de su personalidad). 

En este mensaje clarificador de Wassily Kandinsky obtenemos otra de las tantas respuestas a las incógnitas que plantea la estudiante: 

“El artista se debe “educar” ahondar en su propia alma, cuidarla y desarrollarla para que su talento externo tenga algo que vestir y no sea como un guante perdido de una mano desconocida, un simulacro de mano, sin sentido y vacía. 

El artista debe tener algo que decir porque su deber no es dominar la forma sino adecuarla a un contenido.” 

Entra aquí la guía del docente en el territorio del conocimiento, en la exploración del territorio en conjunto; porque aunque el recorrido de exploración sea el viaje que el alumno eligió hacer libremente, y aunque toda enseñanza exitosa involucre una parte de la exploración, por ningún motivo se debe dejar al estudiante solo. El profesor debe elegir los caminos accesibles, acompañar el recorrido, compartir las dificultades, acomodar los imprevistos y en definitiva aprender juntos con el estudiante. El aprendizaje tendría que involucrar un “sacar lo que está adentro”, no un obligar a que entre el conocimiento”; que el profesor debe estimular a los estudiantes sobre sus propias habilidades e infundir, no sólo la capacidad, sino también la confianza, en definitiva la experiencia de la enseñanza debe transformarse en una experiencia creativa. 

El dibujar, todos sabemos requiere de una práctica, un hacer diría casi que cotidiano, es un crecimiento en continuo, pero a la vez estamos implicando otras funciones no sólo la motriz, la cognitiva y/o la senso-perceptiva:

 “…Es como si fuera ciega, pero tus palabras me enseñan a ver lo que está a la vista y yo no sé descifrarlo, tal vez porque nunca presté atención…” 

Aquí tenemos una de las claves por donde acceder al entendimiento y procesos de la representación gráfica y los conflictos que de ella se desprenden. 

El ver y la mirada, la organización de lo visible por la percepción, accediendo a través de la categoría humana de lo visual. Entran en juego la percepción del espacio y del tiempo. El concepto mismo de espacio es pues de origen táctil y kinésico tanto como visual y auditivo. Con la noción de mirada, se abandona la noción de lo puramente visual, la mirada es lo que define la intencionalidad y la finalidad de la visión. La psicología de la percepción visual hace hincapié en la importancia del estudio de la mirada, en algunas de sus manifestaciones, y en particular al problema de la selectividad de la mirada, por medio de la atención y la investigación visual. 

“…Es muchísimo esfuerzo para mí lograr que mis dibujos se parezcan a lo que observo, siento que mi mano todavía está muy dura para dibujar…”. 

La noción de analogía, es decir, el problema del parecido entre la imagen y la realidad desde el punto de vista del espectador- creador; no debería implicar un resultado, sino un proceso una producción que deben obtener en este caso los estudiantes. 

Cuando por razones expresivas “deformamos y estilizamos” el cuerpo y el rostro, etc, chocamos no sólo con la cuestión representativa sino también con la anatomía. La posibilidad de deformar, en apariencia arbitraria, pero en realidad rigurosamente determinable, es una fuente de infinitas creaciones puramente artísticas. 

Pero para ir logrando estos procesos es imprescindible la práctica, el permitirse errores y reconocerlos. Indagar en la observación, el trazo, el gesto, la impronta, la huella. 

En los lenguajes artísticos la teoría nunca debería ir por delante y arrastrar tras de sí a la praxis, sino que suceda lo contrario. En el arte prima la intuición, aunque la construcción general se puede lograr mediante la teoría pura, el elemento que constituye la verdadera esencia de la creación, nunca se crea ni se encuentra a través de lo puramente teórico, es la intuición quien da vida a la creación. 

La intuición es la percepción directa de la realidad sin que haya ninguna interferencia de los prejuicios y la ideología de la mente. Es un conocimiento que trasciende la lógica; sólo aquellos que son capaces de trascender las limitaciones de la lógica y el análisis son también capaces de responder creativamente a las situaciones nuevas y cambiantes que encuentran cada día. 

Al respecto es interesente rescatar esta anécdota sobre Leonardo Da Vinci y sus discípulos: éste inventó un sistema, o escala de cucharitas, con las que podía medir diferentes colores. Buscando una armonización mecánica de los mismos. Uno de sus alumnos intentó utilizar este recurso, y no teniendo éxito, preguntó a otro compañero cómo el maestro utilizaba la técnica. “El maestro nunca las emplea”, fue la respuesta. 

Las medidas y las balanzas no están en el afuera sino dentro de uno y constituyen lo que podríamos llamar su sentido del límite, su tacto artístico. 

“El buen dibujo es aquel que no puede alterarse en absoluto sin que se destruya su vida interior, independientemente de que el dibujo contradiga a la anatomía, a la botánica o a cualquier otra ciencia…. El artista no sólo puede sino debe utilizar las formas según sea necesario para sus fines.” W. Kandinsky

Referencias bibliográficas 

- Aumont, Jacques. (1992) La imagen. Barcelona: Paidós 

- Kandinsky, Wassily. (1996) De lo espiritual en el arte. Barcelona: Paidós

Abstract: Initiated the four-month period I am in the habit of asking for a written return to the group of students about how they feel with the work in the class, bearing in mind the backbone of the subject, which is to develop the creative capacity, through the incorporation of tools and expressive methodologies. Making possible to create products of apparel across the representation of the human figure (the fashionable fashion-plate), investigating in a personal and expressive image.

Key words: creativity – tools – expressive methodologies – stimulate – externalize – confidence

Resumo: Iniciado o quadrimestre costumo pedir ao grupo de estudantes uma devolução escrita sobre como se sentem com o trabalho em sala de aula, tendo em conta o eixo central da matéria, que é desenvolver a capacidade criativa, através da incorporação de ferramentas e metodologías expresivas. Permitindo criar produtos de indumentaria através da representação da figura humana (o figurino de moda), olhando numa imagem pessoal e expresiva.

Palavras chave: criatividade – ferramentas – metodologia expressiva – estimular – exteriorizar – confiança.

(*) Andrea Cárdenas. Licenciada en Artes Visuales (IUNA). Profesora Nacional de Grabado (Escuela Nacional de Bellas Artes). Profesora Nacional de Pintura (Escuela Nacional de Bellas Artes). Profesora de la Universidad de Palermo en el Departamento de Modas de la Facultad de Diseño y Comunicación.

Vocabulario relacionado al artículo:

creatividad . lenguaje gráfico . moda .

Experiencias en la dinámica áulica y procesos creativos en el Taller de Moda I fue publicado de la página 154 a página156 en Reflexión Académica en Diseño y Comunicación NºXIX

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