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Arte, diseño y artesanía. La metáfora textil como signo de identidad.

Reflexión Académica en Diseño y Comunicación Nº VI

Reflexión Académica en Diseño y Comunicación Nº VI [ISSN: 1668-1673]

XIII Jornadas de Reflexión Académica en Diseño y Comunicación. Febrero 2005. Buenos Aires. Argentina:"Formación de Profesionales Reflexivos en Diseño y Comunicación"

Año VI, Vol. 6, Febrero 2005, Buenos Aires, Argentina | 288 páginas

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González Eliçabe, Ximena [ver currículum del autor, docente de la Facultad de Diseño y Comunicación]

El 13 de septiembre de 2004 tuvo lugar en nuestra Facultad
el encuentro de reflexión y debate Circuito Identidades
Latinas, en el que participamos diseñadores, docentes,
profesionales y estudiantes de diseño de instituciones
educativas de Argentina, Brasil, Chile, Colombia y Uruguay.
Este proyecto regional tuvo por objeto crear un espacio de
diálogo sobre las características del lenguaje de diseño con
identidad latinoamericana.
Mi ponencia, en la mesa de apertura de dicho evento fue
titulada como este artículo, y trata acerca de los siguientes
temas: identidad; orígenes de la artesanía - Occidente y
América; tipos de artesanía; pérdida de la identidad; rol del
diseñador - mediador; el textil, la indumentaria, lo social y
cultural; arte y metáfora.


Identidad

Este conjunto de rasgos caracterizan la sensibilidad ética y
estética propia de un pueblo. Reflejan al individuo inmerso
en la sociedad, afirman sus valores de pertenencia y su
«conciencia nacional». Conciencia de ser uno mismo,
diferente de los demás.
La identidad puede y debe ser una estrategia competitiva
para posicionarse en los mercados internacionales.


Origen. Occidente y América
La artesanía de nuestro país nutre sus raíces en una mezcla
cultural. Utiliza técnicas e iconografía de origen prehispánico;
está ligada a la tradición popular artesanal europea de
los siglos XI y XII muy difundida a través de las misiones
jesuíticas de los ríos Alto Paraná y Uruguay y los valles
andinos del Noroeste. Incorpora elementos de otras culturas
más lejanas, que influenciaron a Occidente, como la china o
la árabe.
Aquí conviven el telar europeo de 2 o 4 perchadas con el
telar indígena de cintura, o telar vertical mapuche; la rueca
para hilar con el uso y tortero o «pushka y mulluna» (del
quechua).
El sistema de los telares jesuitas innovaba el método
americano de realización de la tela para una mayor
producción, haciéndola de mayor extensión; la urdimbre de
varios metros se enrollaba sobre si misma en un extremo,
«en contraposición con el sistema aborigen, en el que cada
prenda era especialmente preparada para ser tejida por
unidad. «dice María Delia Millán de Palavichino
Así es que hoy en día prevalecen tejidos de procedencia
aldeana europea, como el barracán o el picote, hechos con
lana de ovejas introducidas por los españoles, junto con otros
realizados con técnicas y materiales puramente autóctonos.


Tipos de artesanía
Según el Simposio Internacional de Artesanías, organizado
por la UNESCO, en Manila, Filipinas en el año 1997, las
artesanías se dividen en tres tipos:
Artesanía indígena: expresión material de la cultura de
comunidades con unidad étnica y relativamente cerradas,
realizadas para satisfacer necesidades sociales. Está integrada
a la vida diaria de esa comunidad.
Artesanía tradicional - Arte Popular: es la producción de
objetos resultantes de la fusión de las culturas (en el caso de
nuestro país, americana y europea, mayoritariamente),
elaboradas por el pueblo en forma anónima con dominio
completo del material, con elementos predominantes propios
de la región, transmitida de generación en generación.
Constituye expresión fundamental de su cultura y es factor
de identidad de la comunidad.
Artesanía contemporánea: producción de objetos útiles y
estéticos desde el marco de los oficios.
El Diseño Industrial: es un objeto bi o tridimensional (textil
e indumentaria), un proyecto, plan o concepción original.
Es funcional, y de producción seriada.
La artesanía y el diseño están hechos para su uso o consumo,
para satisfacer necesidades puntuales (físicas, culturales,
sociales, espirituales). El arte, en cambio, no pretende
agradar a nadie, es expresión, es pensamiento visual, no está
hecho para consumirse, más allá de su función social.
La intervención del «mercado» modifica el alcance y la
calidad de los productos o de las obras.
En nuestro país no hay tradición de mercado, como en Bolivia
o México por ejemplo, los artesanos son generalmente
personas sencillas, de pueblo, que realizan sus obras cuando
tienen necesidad de su utilización, tal vez para trocarlas y
rara vez para comercializarlas.
«El tejido tiene capacidades maravillosas para comprender
una cultura» según Ruth Corcuera. Está hecho para alguien
con rostro, para un ser querido o respetado, para los dioses,
para los antepasados, para honrar la tradición, el amor a la
tierra.
En las culturas precolombinas, el arte no puede ser separado
de lo ritual, es religioso, anónimo y comunitario. Los
sacrificios de ropa u ofrendas de objetos textiles eran un
rasgo común en la religión de las culturas andinas.
En la América Precolombina, como en Egipto, existían cánones
precisos de representación y un conocimiento especializado
de las técnicas; a esto se suma la interpretación personal,
creativa y expresiva de cada artista. Los encargados de
vivenciar el rito y transmitir el conocimiento contenido en las
imágenes, la danza y la tradición oral, eran los chamanes.
La idea del arte, tal como la concebimos hoy en día proviene
del Renacimiento, donde se empieza a destacar la figura de
los artistas que firman sus obras, más allá de quien pagara
el encargo.
En la Edad Media los artesanos comienzan a firmar sus
trabajos, para diferenciarse de su competencia, resguardarse
de las malas imitaciones, y es allí donde surgen las primeras
marcas.
En la actualidad, el diseño o la artesanía pueden ser anónimos
o firmados, dependiendo de la elección de su autor y de su
deseo de trascendencia.


Pérdida de la identidad
La imitación de modas y costumbres ajenas, la introducción
de materiales foráneos, el afán por lo novedoso y masivo, el
desconocimiento o poca valoración de lo propio, hace
desaparecer lo auténtico.
Un triste ejemplo de esto es el uso del polar (género de
poliester imitación Polartec®) para ponchos y chales en la
Puna. La gorra de baseball (cap) en lugar del característico
sombrero de ala ancha de fieltro, mucho más elegante y
funcional, ya que evita a quien lo lleva, la exposición a la
intensa radiación solar.
La copia barata, industrial, anónima y seriada, en oposición
a la obra artesanal auténtica, «…nunca podrá satisfacer
además de una necesidad de orden práctico, una necesidad
espiritual de arte y belleza...» según Elektra Mompardé de
Gutiérrez.
La identidad agrega al producto valor de mercado, social y
cultural.


Necesidades del sector
A continuación se señalan algunas de las necesidades que, a
mi criterio, tiene el sector artesanías, a las cuales como
diseñadores podemos aportar soluciones.
• Identificación de los productos existentes de acuerdo a su
potencial de mercado.
• Detectar a los maestros artesanos
• Rescatar y documentar técnicas e iconografía.
• Capacitación en Diseño y comercialización
• Normalización, estandarización de medidas y control de
calidad
• Sistema de catalogación de productos
• Investigación de materiales y estudios de sustentabilidad
de los mismos.
• Desarrollo de nuevos productos de diseño con manofactura
artesanal.


Rol del diseñador – mediador
El diseñador tiene la capacidad de interpretar y transmitir.
Tiene un sentido práctico que lo acerca al artesano. La
experimentación y el desafío de innovar connotan la
metodología del artista, pero el diseñador no debe ser
hermético, debe comunicarlo masivamente.
Nuestro rol, el del diseñador, se hace vital, cuando ocurre la
pérdida de los maestros artesanos, pero es más eficiente aún
mientras se pueda establecer contacto con ellos y rescatar su
saber para formar a nuevas generaciones.
A través de esta labor, podremos lograr mayor calidad de
vida para los artesanos, garantizando, al mismo tiempo, la
autenticidad de su producción, y la sustentabilidad de las
regiones a las que pertenecen, muchas veces alejadas de los
grandes centros urbanos.
Brindarles herramientas para librarlos de los intermediarios
que los explotan, acotar la brecha tecnológica, y ofrecer al
mercado interno y externo productos de diseño innovadores,
con sello propio.


El textil, la indumentaria, lo social y cultural
La indumentaria se define como vestimenta de una persona
para adorno o abrigo de su cuerpo. El tejido es parte de
ambos, cuerpo y vestido.
Si bien el tejido es una cosa formada al entrelazar varios
elementos, esta definición parca no abarca la totalidad de
sus sentidos, que pueden ser muchos…el tejido celular del
que estamos hehos los seres vivos,…en la danza, cruzar y
descruzar brazos y pies con un orden determinado,…así como
destejer se aplica a cambiar de resolución en lo emprendido,
haciendo y deshaciendo una cosa.
El tejido se relaciona con los mitos de la creación, con el
deseo universal del hombre de encontrar un orden ideal y
absoluto.
Para David MacLagan «Se puede concebir el gesto inicial de la
creación como una señal que provoca una separación primordial,
formando una figura en medio del caos»… (líneas y planos de
color)…»Su formato arquetípico evoca una correspondencia
entre la creación del hombre y el proceso creativo humano».
Tanto en obras plásticas como las de Mark Rothko o Barney
Newman, como en los aperos mapuches, o en las mantas
santiagueñas, advertimos ese pensamiento concreto.
Dice el mito andino, «El hombre perfora el tejido de la Tierra
(Pacha) y nace al mundo»


Arte y metáfora
Con relación a las vanguardias, la moda sigue al arte, que
muchas veces se anticipa aún a la ciencia. El arte que sigue
a la moda no existe como tal. El arte busca inspiración en lo
auténtico y primal, en conceptos, en expresiones creativas
de raíz antropológica o social, que manifiestan la identidad
de los pueblos y la esencia más profunda del ser humano.
Por qué la fibra? Por qué el textil? Se pregunta Gracia Cutuli,
artista, investigadora y profesora, quien desde su Galería
del Sol, la primera en América especializada en arte textil,
fue una de las de las precursoras en nuestro país, en utilizar
la fibra como medio, y dice «…en la continuidad histórica y
tecnológica los textiles han expresado y simbolizado
intercambio ritual, poder político y social, así como valores
ideológicos y estéticos».
«Como sistema de conocimiento los textiles han jugado
siempre un papel significativo en la transmisión de cultura».
La obra de Gracia Cutuli se basa en una valorización del
lenguaje propio del textil, previo a la escritura. Resignifica
textos en contextos textiles, como un poema de Borges
entretejido con un poncho Aymara.
Nora Correas, destacada artista argentina, parte de una idea
del textil como patrón de su trabajo, que después desarrolla
en diversos materiales y espacios; como la serie de esculturas
de grandes dimensiones presentadas en Les Champs Elysés,
París 1999-2000 o la serie de las corazas «Capa, Cota, Casa,
Cosa».
Dice acerca de su obra: «Me interesa trabajar desde lo
pequeño, que se extiende sobre la superficie, se repite
rítmicamente». «... como una piedra que al caer al agua,
genera espacios cada vez mas grandes».
«La pérdida de la identidad representa un gran problema,
hay que aprender a mirar más cerca», respecto de la
desaparición paulatina de los textiles de valor antropológico
y a la búsqueda de nuestra identidad como argentinos.
Acerca de la artista colombiana Olga de Amaral dice Twylene
Moyer: «O.Amaral cree en el poder de la abstracción para
transmitir profundos significados.»
«… los tapices de esta artista trazan sus raíces etimológicas
por medio de las prácticas simbólicas de los Andes
precolombinos y el Occidente pre-renacentista…las distinciones
modernas entre abstracción y significado, arte y artesanía,
estilo y contenido, no querían decir nada…»
«…Hilo y oro -principales corrientes de significado- se
fusionan en su trabajo: uno apoya el tejido estructural, el
otro le da una trama metafórica de significación.
Construcción, superficie, material y significado se interpretan,
aparentemente sin costura y sólo pueden separarse
al desenmarañar todo el conjunto.»
La artista brasileña Lygia Clark se dedicó en un principio a
la abstracción geométrica, pero luego encaminó su búsqueda
más allá de la pintura de caballete.
Junto a Hélio Oiticica, se convierten, en miembros del movimiento
neo-concreto a comienzos de los años 60, y utilizan
una forma de expresión más libre y orgánica, como el Body
Art, el Happening, o las Performances.
Los Parangolés de Hélio Oiticica eran mantos o estandartes
inspirados en la cinta de Mohebius; construcciones tridimensionales
que combinaban diferentes tejidos y colores. Trajes
usados especialmente en el ritual de vestirse y danzar, que
convierten a los que los llevan en esculturas vivas. Parangolé
es un giro folklórico de Río de Janeiro que significa encuentro
divertido.
La obra «Objetos sensoriales» de Lygia Clark, se trata de
objetos efímeros manipulables, que para ella son «organismos
vivientes», que adquieren forma y sentido, cuando el cuerpo
del espectador entra en contacto con ellos.
En este tipo de acciones, el espectador es partícipe, se
involucra y altera su realidad. La indumentaria y la danza
son el «medio» por el cual, el participante experimenta ese
cambio.
En la danza, en la música, en el vestido, y en las manifestaciones
visuales encontramos indicios de pertenencia a
una sociedad entrelazada. Signos de identidad.
La metáfora, es un elemento cognitivo del que nos servimos
para construir versiones del mundo. Posee pluralidad de
sentidos; no denota literalmente, sugiere una comparación
(con el objeto: tejido; o concepto: tejer, urdir) que facilita su
comprensión.
Nuestras expresiones están teñidas de metáforas; podríamos
decir que «El lenguaje teje nociones y conceptos», referirnos
a «La trama narrativa del mito» o «El hilo conductor de la
historia»,»El tejido social», «Están urdiendo algo…hay que
atar cabos…van a desatar un escándalo»
Refiriéndose a la música de Bach un pianista decía, «…la
textura del contrapunto es como un tapiz. Cada nota, cada
combinación de cuerdas es una combinación de infinitos hilos
de colores»
En las coplas de nuestra región andina, desde Cuyo hasta el
Noroeste, la percepción de lo cotidiano impregna la metáfora
espontánea. Las copleras, generalmente pastoras, entonan
coplas en las que se aprecian «bordaduras» y quejidos
guturales en los finales de las frases, que ellas llaman cantar
alargado; «este falsete afloja la tensión que imprime en sus
cuerdas vocales para cantar registros sobreagudos», dice
Perez Bugallo. Del mismo modo como si estuvieran hilando
con su inseparable pushka, las cantoras-pastoras-hilanderas,
elevan sus voces «por lo grueso» o por lo «delgadito».


Conclusiones
Existe una retroalimentación entre arte, diseño y artesanía.
De modo que mientras en el ámbito del diseño se sigue
atentamente los estímulos del arte, la artesanía para sobrevivir
a la invasión de productos industriales debe adaptarse
y responder a criterios de diseño (estéticos, funcionales, de
calidad) trabajando de manera conjunta y simultáneamente
en productos tradicionales e innovadores. El círculo se completa
en tanto el arte, pone la mirada en las manifestaciones
auténticas del arte popular o ancestral.
La sensibilidad artística de un pueblo se pone de manifiesto
en los objetos que produce y utiliza. Los diseñadores tenemos
la responsabilidad social de preservar nuestra identidad y
transmitir sus valores a través de nuestra producción.



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  • Arte, diseño y artesanía. La metáfora textil como signo de identidad. fue publicado de la página 118 a página120 en Reflexión Académica en Diseño y Comunicación Nº VI
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