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¿El agotamiento de la modernidad en fotografía?

Chame, Andrea [ver currículum del autor, docente de la Facultad de Diseño y Comunicación]

Reflexión Académica en Diseño y Comunicación Nº IX

Reflexión Académica en Diseño y Comunicación Nº IX

ISSN: 1668-1673

XVI Jornadas de Reflexión Académica en Diseño y Comunicación 2008.

Año IX, Vol. 9, Febrero 2008, Buenos Aires, Argentina. | 211 páginas

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La fotografía en el S.XX

Desde sus inicios en el S.XIX, la fotografía siempre estuvo muy ligada a la pintura en una estrecha relación que fluctúa entre la inspiración y la competencia.

A partir de 1902, la fotografía comienza un camino propio independiente de la pintura, conocido como fotografía directa o pura, será Alfred Stieglitz quien lleve a la fotografía por este camino y quien abrirá las puertas de la modernidad en Nueva York.

La aparición de las vanguardias, con Man Ray o Laszlo Moholy-Nagy, marcará otro momento importante de la fotografía moderna, con ellos, el rol del artista va a modificarse pasando a ocupar el lugar de la expresión, es el artista quien se expresa a través de su obra.

En los años ’40 Nueva York va a convertirse en la nueva metrópoli del arte moderno y la fotografía ocupará un lugar en sus museos obteniendo el status de “arte”.

La década del ’50, estará marcada por el arte del comienzo nuevo y los artistas transformarán a los objetos de la vida cotidiana en objetos artísticos, habrá gran cantidad de imágenes criticando el mundo del consumo. Algunos pintores como Andy Warhol usaron la fotografía como una herramienta para lograr el concepto en su obra, a través de la alteración técnica y plástica.

En las décadas siguientes muchos pintores continuaron usando la fotografía, por ejemplo en los ’80, David Hockney, trabajó sobre la imagen fotográfica múltiple, inventando una especie de rompecabezas que mezcla varios puntos de vista, varias perspectivas que recuerdan al primer cubismo.

Todo esto nos ofrece varios puntos para el análisis:

Se trata de un intercambio de herramientas, de materiales, que genera una confusión, porque se llama fotografía a lo que no lo es, es una instalación, o una performance, o una acción. Esta reflexión nos lleva a establecer una primera diferencia entre fotógrafos y usuarios de la fotografía, abriendo de este modo una brecha entre ambos.

El escenario actual de la fotografía contemporánea ha llevado a muchos fotógrafos a inventar situaciones, a realizar una puesta en escena, a construir un universo propio en la ficción o en la realidad, donde el fotógrafo no se basa en la observación de la realidad, sino en la construcción de un universo poblado de obsesiones y de fantasmas personales.

Las ideas de fines del S.XX.

En este debate lo primero que aparece es la controversia de una época, donde las referencias están en mutación, donde las certezas se debilitan.

La crisis que se da entre modernidad y postmodernidad, abarcará todos los ámbitos: estéticos, políticos, científicos, filosóficos, culturales…

La postmodernidad anuncia el agotamiento del proyecto de la modernidad, el presente se manifiesta con una fragmentación extrema de la experiencia del hombre.

Lo que ha cambiado, es “lo real”, la comunicación totalizante, las lenguas masificadoras, la tecnológica- urbana de producción y de consumo.

Lo único nuevo es la lógica técnica, y es precisamente esta noción de historia, como reiteración de lo mismo, es la imposibilidad de lo nuevo, donde la posmodernidad plantea la crisis de la modernidad y de sus representaciones.

Debate entre modernidad y postmodernidad

Este debate trae consigo nuevos conceptos.

La globalización que supone una interacción funcional de actividades económicas y culturales generadas por un sistema con muchos centros en donde importa más la velocidad para recorrer el mundo, que el lugar desde donde se actúa. La participación ciudadana ya no parece estar dada por el Estado, sino mas bien por el mercado y el acceso al consumo, determinado por un modelo económico neoliberal. Los cambios tecnológicos fomentan una vida global, sin embargo, esta tiene un carácter asimétrico, no todos pueden tener acceso y además, lo global interacciona con lo local.

En cuanto a lo artístico, los diferentes períodos siempre se desarrollaron por oposición con el precedente, generando una ruptura que permitía la aparición de ideas nuevas. El expresionismo se opuso al impresionismo, la fotografía pura a la pictorialista.

El postmodernismo, por el contrario a la historia misma del arte, no solo no produce un quiebre, sino que toma en cuenta para su desarrollo a la tradición anterior. Podríamos buscar las diferencias entre arte moderno y postmoderno, por ejemplo en la actitud que ambos tienen hacia el pasado. El modernismo se esfuerza por romper con el pasado. El postmodernismo, incluye dentro de sí al pasado.

El arte moderno necesita al pasado como oposición, para empezar de cero. El arte postmoderno, de fines del siglo XX, no puede desechar al pasado, porque lo nuevo que se dice tiene algo de lo viejo (deconstrucción).

Para producir arte hay que romper con la estética clásica de la representación y con el formalismo de la modernidad. El arte postmoderno, se basa en el deseo y opera desde una posición ubicada en la sensación. El efecto sobre el consumidor, el espectador, el público, se produce por medio del inconsciente.

Fotografía postmoderna

La fotografía es hoy una de las formas más importantes de discurso, a través de la cual nos vemos y somos vistos. La fotografía postmoderna opera dirigiéndose a la historia del medio mismo y lo hace reapropiándose de las manifestaciones existentes pero colocándolas en un contexto nuevo.

El fotógrafo postmoderno es un manipulador de signos y el espectador es un activo decodificador de mensajes. La manipulación de las imágenes existe desde el descubrimiento mismo de la práctica fotográfica, pero lo que la era digital cambio, es la facilidad con que se puede modificar una imagen y volverlo indetectable.

La fotografía en el S.XXI

Para hacer una valoración del estado actual de la fotografía, deberíamos saber cúal es el aspecto que una foto tiene que tener, y esto es muy difícil de decir porque no podemos juzgar a todas las fotografías bajo una misma norma.

La fotografía clásica, inspirada en la tradición que comienza con Stieglitz requería una cámara, con un lente convencional, registraba los blancos, negros y grises, las luces y las sombras correspondientes al tema. Este tipo de fotografías continuó en el estilo de otros fotógrafos, por ejemplo Walker Evans, Robert Frank, pero no todas las imágenes quedan inmersas en esta tradición.

En la fotografía no tradicional, hay que contemplar las limitaciones reconocidas y las potencialidades inexploradas que aprovechadas creativamente permiten romper con la tradición.

• Limitaciones: a. El tema entra en un plano fotográfico, es decir, el artista debe encontrar el tema y congelarlo en ese espacio diminuto, cuando lo logra, consigue su imagen; b. El proceso fisioquímico por el cual se fija una imagen está siempre bajo un control parcial; c. Panofsky describe la noción de obra de arte como la representación directa y fiel de un objeto natural. Este dogma se ha convertido en la base injustificada para adular o criticar una imagen, porque se espera que la fotografía muestre lo real como un testigo fiel; d. El peso que le dejo el siglo XIX al cuestionarla y restarle el status de arte.

• Potencialidades: a. Es el mejor medio para resaltar un detalle, subrayar una vulgaridad, ser un testimonio; b. Una visión del mundo que va más allá de lo que permite el optimismo tradicional; c. Puede representar el mundo de los sueños y de la metamorfosis que ocupa la imaginación del fotógrafo; d. La imagen fotográfica tiene un gran sentido de persuasión sobre el espectador y sin duda su poder de síntesis es único.

Nunca se obtiene una buena foto por casualidad, o por lo menos, es difícil que las casualidades se repitan. El fotógrafo no escapa a ciertos hábitos culturales (por ejemplo, el encuadre) y su experiencia lo lleva a la construcción de un sistema de percepción y representación. La fotografía hoy puede ser encarada como una aventura, donde el fotógrafo descubre y explora los múltiples encuentros, construyendo un universo premeditado, intervenido, independientemente del género.

La manera de concebir la fotografía es equivalente a la de pensar la existencia.

Paul Valery dice citando a Walter Benjamín:“… al igual que cualquier otra práctica artística, está estrechamente relacionada con el modo de vida propio del creador.”

Referencias bibliográficas

- Lyotard, Jean Francois. (1987) La condición postmoderna. Madrid: Minuit.

- Augé, Marc. (1997) La guerra de los sueños. Barcelona: Gedisa.

- Fontcuberta, Joan. (2003) Estética Fotográfica. Barcelona: Gustavo Gili.


¿El agotamiento de la modernidad en fotografía? fue publicado de la página 107 a página109 en Reflexión Académica en Diseño y Comunicación Nº IX

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