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Observación, experimentación, creación

Berkoff, Silvia [ver currículum del autor, docente de la Facultad de Diseño y Comunicación]

Reflexión Académica en Diseño y Comunicación NºXI

Reflexión Académica en Diseño y Comunicación NºXI

ISSN: 1668-1673

XVII Jornadas de Reflexión Académica en Diseño y Comunicación 2009.

Año X, Vol. 11, Febrero 2009, Buenos Aires, Argentina. | 195 páginas

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Al ingresar como docente en la Facultad de Diseño y Comunicación, fui convocada para crear la materia Taller Editorial 1: Organización de muestras y exposiciones, de la Licenciatura en Fotografía. Diseñé el programa, la planificación, la guía de trabajos prácticos y el trabajo práctico final. 

Las materias del área de las artes presentan algunas dificultades en la conceptualización de los procedimientos. La materia que dicto es particularmente difícil en este sentido, ya que es un campo que -en nuestro paísapenas ha empezado a organizarse formalmente en los últimos años, y ni siquiera existe bibliografía específica sobre el tema. Más aún, se trata de un área donde no se puede hablar de reglas fijas según las cuales se arman los procedimientos. O mejor dicho, si hay reglas, éstas pueden transgredirse y producir buenos resultados. 

Mi formación fue como artista, no como curadora ni crítica de arte, y desde ese punto de vista encaro la materia. 

Si me pregunto: ¿Cómo aprendí a presentar mis obras, a montar muestras, a diseñar catálogos?, mi respuesta es: participando en muchas exposiciones individuales y colectivas, viendo muchísimas más como público, observando libros, revistas, catálogos y material en internet, compartiendo experiencias con colegas. 

Ahora bien: ¿Cómo transmitir estos conocimientos a los estudiantes? ¿Es transferible la experiencia? 

La expertisia hace que muchas cosas nos resulten fáciles y que las sintamos “innatas” o “intuitivas”, aunque éstas sean el resultado de años de trabajo. Lo difícil es no perder de vista el lugar del novato que no posee esa facilidad que nosotros hemos adquirido, ya que sus conocimientos de la materia son aún escasos, fragmentarios y muchas veces erróneos. Resolví, para encarar la enseñanza, tratar de retroceder en el tiempo y pensar qué orientación hubiera necesitado yo en el momento en que empecé mi actividad como artista. 

Basándome en eso, tomé dos ejes fundamentales para la enseñanza de la materia: la observación de lo hecho por otros, y la experimentación propia para buscar la forma de realizar los procedimientos (seleccionar, montar, organizar, presentar), encontrando estilos y criterios personales. 

Para conducir la observación, en primer lugar me pregunté cuáles son los aspectos importantes que construyen el montaje de una exposición y en base a ellos confeccioné una guía para que los alumnos lleven consigo cuando van a ver muestras, para luego comentarlas en clase. 

En segundo lugar, busqué material sobre fotógrafos/as contemporáneos/as, poniendo el énfasis en la diversidad de formas de montaje y presentación de las obras. En clase se analizan estos materiales, relacionando las distintas formas de presentación con el concepto y la temática de cada autor/a. En cada caso, el trabajo se complementa con bibliografía sobre los/as artistas. 

La observación se completa con los trabajos de campo. Estos consisten en visitas a museos y galerías de arte, con el objetivo de analizar distintos espacios de exhibición y, en ellos, las características de las salas en cuanto a montaje, iluminación y cuidados para la conservación de las obras. Durante estos trabajos, los/as estudiantes participan activamente del análisis, en base a los conocimientos ya adquiridos en el aula. 

En cuanto a la experimentación, propuse ejercicios en clase que sirven como introducción para los trabajos prácticos, que los alumnos realizan después individualmente en su casa. Los objetivos son: adquirir la capacidad de seleccionar material de producción propia, presentarlo de maneras creativas y adecuadas a cada género de imágenes, lograr una correcta descripción oral y escrita de obras propias y ajenas, diseñar bocetos de material de presentación (catálogos, tarjetas, etc.) y armar una pequeña campaña de prensa. 

Estas son, a mi criterio, las herramientas básicas para comenzar la circulación de la propia obra en el medio artístico. Sin embargo, queda luego por recorrer el inevitable proceso personal de prueba y error, el entrenamiento de la mirada y la búsqueda de un estilo propio. Es importante tener en cuenta como docente, buscar un justo término medio, transmitiendo ciertas pautas de trabajo y normas procedimentales, pero incluyendo suficiente flexibilidad como para que los estudiantes sientan que pueden ir más allá de las reglas. Lo fundamental es inculcar en los alumnos la noción de que la transgresión no puede ser gratuita, sino que debe basarse en un concepto claro de qué es lo que se transgrede y porqué. Entonces estas rupturas, realizadas por una persona con sólida formación, pueden ser la base de la innovación y la creación artística. Intento constantemente encontrar el sutil equilibrio entre proporcionar a los estudiantes un encuadre o método de trabajo y a la vez la libertad necesaria para desarrollar su creación. No creo que sea útil hacerles conocer las reglas procedimentales postergando para más adelante el desarrollo de la creatividad, ya que se corre el riesgo de que se inserten en una estructura que luego sea muy difícil de quebrar. 

En materias relacionadas con las artes, es fundamental estimular también la reflexión sobre cuestiones inherentes al hacer. En general, los/as estudiantes de carreras basadas en la imagen, muestran resistencia a la lectura y a la práctica del pensamiento. Para convocar su interés, proporciono variedad de materiales de lectura: artículos de revistas especializadas y diarios, entrevistas, capítulos de libros, textos tomados de internet. 

Propongo debates sobre temas como la ubicación de la fotografía en el contexto de las artes visuales contemporáneas o la ética del/la artista y su responsabilidad ante el público. 

Por último, quiero resaltar la importancia de proporcionar a los/as alumnos/as un ámbito adecuado para conectarse emotivamente con su trabajo. Por más avances tecnológicos que se utilicen, en cada instancia de creación - todo acto fotográfico lo es, aunque su fin sea comercial - hay un ser humano, con sus vivencias, sus emociones y su particular visión del mundo. Es necesario que esto esté presente en el aula, si queremos formar profesionales creativos.

Vocabulario relacionado al artículo:

comunicación . creación .

Observación, experimentación, creación fue publicado de la página 36 a página37 en Reflexión Académica en Diseño y Comunicación NºXI

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