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Vanguardias artísticas en el cine contemporáneo en el cine de Tim Burton

Rodríguez, María Eugenia

Creación y Producción en Diseño y Comunicación Nº31

Creación y Producción en Diseño y Comunicación Nº31

ISSN: 1668-5229

Trabajos de estudiantes de la Facultad de Diseño y Comunicación

Año VII, Vol. 31, Agosto 2010, Buenos Aires, Argentina | 88 páginas

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El cine como arte, desde siempre ha bebido de otras influencias artísticas o se ha gestado a partir de ellas. Los grandes directores se han basado en los íconos pictóricos para expresar emociones y sensaciones en la pantalla, o simplemente para crear una ambientación acorde con el argumento del film. En todo caso, la pintura siempre ha estado muy presente en el cine. Tanto que las grandes corrientes artísticas que comenzaron siendo pictóricas, no tardaron en ir acompañadas de su correspondiente manifestación cinematográfica afín.

El objetivo este ensayo es observar el vínculo existente entre las vanguardias artísticas de principios de siglo XX y el cine.

Especialmente nos centraremos en la pervivencia del expresionismo y el surrealismo en la cinematografía del realizador actual Tim Burton.

Vanguardia es lo que precede a su época por sus audacias y Vanguardismo es una doctrina artística de tendencia renovadora, nacida en el S. XX, que reacciona contra lo tradicional. Si bien se pueden encontrar detalles de las diferentes vanguardias en las escenografías, vestuario y maquillaje del cine de Tim Burton, las dos vanguardias que tienen mayor presencia en sus films son el expresionismo y el surrealismo.

El surrealismo surge en Francia con André Bretón quien, basándose en las experimentaciones de Freud, se interesa por descubrir los mecanismos de inconsciente y sobrepasar lo real por medio de lo imaginario y lo irracional.

Se caracteriza por pretender crear un hombre nuevo, recurrir a la crueldad y el humor negro con el fin de destruir todo matiz sentimentaloide y a pesar de ser constructivo, los aspectos de la conducta moral humana y las manifestaciones no son de su interés.

Consiste en la captación de la coincidencia-realidad surgida en un personaje, cuando vive en un hecho que le provoca recuerdos recónditos.

Bretón define al surrealismo como: “una forma de automatismo psíquico y puro, con el que se intenta expresar verbalmente, mediante la escritura o cualquier otro medio, el funcionamiento real de la mente. Bajo el dictamen del pensamiento, con la total ausencia del control de la razón y al margen de toda preocupación estética y moral”.

Por lo tanto, “la omnipotencia de los sueños” y los “pensamientos no dirigidos” formaban parte de los principios fundamentales del surrealismo. Los impulsos del surrealista nunca deben generar acción a través del razonamiento o el movimiento calculado. La única pintura que el surrealismo acepta es aquella que mana del inconsciente y que transmite con franqueza su origen irracional.

El movimiento expresionista en cambio surge en Alemania a principios del siglo XX y se manifiesta en todas las artes. El Expresionismo es una corriente artística que busca la expresión de los sentimientos y las emociones del autor más que la representación de la realidad objetiva. Revela el lado pesimista de la vida generado por las circunstancias históricas del momento. La cara oculta de la modernización, la alienación, el aislamiento, la masificación, se hace patente en las grandes ciudades; y los artistas creyeron que debían captar los sentimientos más íntimos del ser humano. La angustia existencial es el principal motor de su estética.

El objetivo es potenciar el impacto emocional del espectador distorsionando y exagerando los temas. Representa las emociones sin preocuparse de la realidad externa, sino de la naturaleza interna y de las impresiones que despierta en el observador. La fuerza psicológica y expresiva se plasma a través de los colores fuertes y puros, las formas retorcidas y la composición agresiva. No importa ni la luz ni la perspectiva, que se altera intencionadamente. La obra de arte expresionista presenta una escena dramática, una tragedia interior.

La estética de este movimiento artístico fue fundamental para las obras cinematográficas. Surgieron grandes maestros del cine como Robert Wiene, Fritz Lang o Friedrich Murnau con El gabinete del Doctor Caligari, Metrópolis o Nosferatu.

El cine de Tim Burton posee claramente unas bases expresionistas con un toque gótico. Este director estadounidense ha sabido trasladar hábilmente y con éxito a nuestros tiempos la estética expresionista de principios de siglo. Ya en sus primeros cortometrajes se pueden observar claras similitudes con el movimiento cinematográfico expresionista. Los temas, el tratamiento de los escenarios, la estética, los personajes, todo hace una clara referencia a este estilo. Pero la carrera cinematográfica de Burton ha evolucionado como director y con ello su cine. A lo largo de este ensayo se analizarán las similitudes entre las obras y las más significativas de Burton.

Timothy William Burton comienza en el mundo del cine contratado por la gran empresa Disney. Allí trabaja como dibujante colaborando en varios proyectos como The Fox and the Hound (1981) o The Black Caudron (1985). Pero Burton no acababa de encajar y sus bocetos eran rechazados por parecer poco alegres y algo tétricos. Hasta que por fin, Disney le permite rodar dos cortos. Resultado de este experimento surgen dos cortometrajes: Vincent y Frankenweenie.

Tim Burton se ha inspirado para realizar sus obras más relevantes principalmente en dos películas expresionistas: El Gabinete del Doctor Caligari y Nosferatu, el vampiro. En menor medida de El Golem, Metrópolis y Las Tres Luces.

Pero Burton no es el único que ha sabido trasladar al cine contemporáneo esas raíces del expresionismo germano que tanto le caracterizan. Películas como The Matrix (1999), de los hermanos Wachowski, Dark City (1998) de Alex Proyas, Equilibrium (2002) de Kurt Wimmer y un largo etcétera de producciones siguen inspirándose en la estética y en las temáticas que imperaban en el expresionismo alemán realizando así un cine estéticamente bello y con un contenido profundo.

Uno de los primeros trabajos de Burton, el cortometraje llamado Vincent (en honor al ya fallecido Vincent Price) fue producido por Disney en 1982. En este corto, utiliza la técnica de stop-motion y está estructurado en base a una fotografía en blanco y negro muy marcada y una estética claramente expresionista: juega con la iluminación, utiliza claroscuros, sombras exageradamente alargadas, los decorados “vivos” parecen interactuar con los personajes y además, también están presentes los planos y las perspectivas angulosas tan característicos del expresionismo germano. En este primer trabajo, además, se verá el rumbo (tanto estético como temático) que tomará la carrera del, en fecha, joven Burton. Este cortometraje aúna todas las características de la estética expresionista. Pero esto no es todo, en Vincent, Tim Burton también utiliza varios de los temas empleados usualmente en las películas expresionistas: la muerte, los mundos fantásticos, realidades paralelas y las dobles personalidades. Temas que confluyen para formar la historia de un niño pequeño llamado Vincent Malloy que, cansado de su vida monótona y normal, quiere ser Vincent Price, leer Edgar Allan Poe, llorar a su amada enterrada viva y crear monstruos en su laboratorio secreto.

Durante todo el cortometraje se pueden encontrar muchas similitudes con el film Nosferatu, ya que las sombras cobran un gran protagonismo en los dos films. En la película dirigida por Murnau, la sombra del vampiro ocupa un especial protagonismo al ser esta la que acecha a sus víctimas. En Vincent, Burton también utiliza sombras desproporcionadas y amenazadoras para resaltar el lado oscuro y siniestro del joven Vincent.

La escenografía en Vincent toma como referencia esta arquitectura utópica. Los escenarios parecen interactuar con los personajes casi con vida y entidad propia y casi fundirse con ellos para transmitir sensaciones al espectador e integrarlo más aun, ya que el expresionismo “concibe la arquitectura del provenir como una prolongación imaginaria de la naturaleza, realizada a impulsos de fuerzas biológicas que encuentran en el arquitecto su vía de manifestación. De acuerdo con ello, realiza maquetas y dibujos de extrañas formas que parecen dotadas de vida orgánica y prestas a metamorfosearse, en un estado intermedio entre lo mineral, lo animal y lo vegetal”.

Así pues, la arquitectura expresionista es como algo vivo que envuelve a los personajes y que transmite con ello emociones por sí mismas. Esto, que era una de las características más significativas del expresionismo alemán, se trasladó al cine y, posteriormente se ha visto reflejado en este primer trabajo de Burton.

En cuanto a maquillaje y vestuario, Burton remarca excesivamente los ojos de los personajes, utiliza maquillaje blanco para que los actores parezcan pálidos. Las similitudes físicas de los personajes de Vincent y de los actores de El Gabinete del Doctor Caligari son evidentes: ojos hundidos y remarcados, pelo negro y despeinado, tez demacrada y también en cuanto a fisonomía son muy parecidos (caras alargadas y cuerpos esbeltos), en sus gestos y la actuación de Vincent, que es muy similar a la de Cesare. Los dos personajes poseen un “alma” muy similar. Son diferentes del resto y destacan por tener un mundo interior que entra en conflicto con el resto de la humanidad. Burton se inspiró en Cesare para crear a casi todos sus personajes masculinos. Sin dudas el más influenciado es Edward, el joven manos de tijeras. Estéticamente los dos personajes están caracterizados prácticamente igual con el maquillaje blanquecino y la mirada muy remarcada y expresiva, e incluso visten ropas parecidas. Además se asemejan en sus actuaciones y sus gestos. También tienen otras similitudes que van más allá de lo estético, ya que los dos son jóvenes apartados de la sociedad por ser diferentes y ninguno de ellos logra adaptarse al nuevo mundo.

También Víctor, el personaje de El cadáver de la novia, tiene similitudes con Vincent (sobre todo porque al utilizar ambas películas la técnica de stop-motion, pueden leerse más fácilmente estas similitudes) y se ve claramente la influencia del personaje Cesare.

Uno de los trabajos más aclamados de Tim Burton y que marcó un punto de inflexión en su carrera, El joven manos de tijeras, mantiene una estética que no es puramente expresionista, sino que tiene dos, una del mundo de Edward (el castillo) y la otra del mundo exterior. Burton utiliza en ciertos momentos una estética gótico –expresionista para recrear los decorados de la vida del protagonista, en el castillo. Esta estética tan significativa de Burton aúna una atmósfera gótica mediante el uso de grandes espacios que juegan con la luz y el expresionismo viene dado por una arquitectura asimétrica que interactúa con los personajes y los complementa. El propio Edward aparece maquillado como Vincent, despeinado y con una personalidad tímida y retraída. La iconografía expresionista está presente y separada de lo demás por una escalera, ya que lo que une esos dos mundos y a la vez los separa es una gran escalinata. Dicha escalera hará que esos dos mundos choquen. Este es un símbolo muy utilizado en el expresionismo, junto al puente. Citando al propio Nietzsche: “La grandeza del hombre está en ser un puente y no una meta: lo que en el hombre se puede amar es que es un tránsito y un ocaso”. En relación a esta cita, la idea de “puente” está presente de manera física en muchos films expresionistas, ya que querían hacer referencia a esta idea que tenía Nietzsche y expresarla de una manera tangible haciendo a los personajes pasar por distintos puentes. Por ejemplo, en El Gabinete del Dr. Caligari, cuando Cesare secuestra a Jane, la lleva por toda la ciudad hasta que llega a un puente donde la abandona.

Esta escena es muy significativa en la película, ya que será la perdición del joven Cesare. En este caso la escalera es como una especie de puente, una conexión entre dos mundos. El puente “encarna el sentido del “pasar”, el transcurrir de un estado a otro, y como una concreción visible de un recorrido que trasforma, que conduce hacia otras tierras, materializa un proceso metamórfico”, según Nietzsche.

Los grandes ventanales asimétricos, las arquitecturas imposibles, que son como un personaje más en la escena envolviendo así a los actores y a la vez interactuando con ellos, son otras evidencias de la influencia vanguardista de Burton. Esta estética permite que el mundo de Edward sea mágico, pero a la vez siniestro e inquietante, mientras que el mundo de la civilización se vuelve superficial y frío. Esta característica de utilizar los decorados como medio para transmitir sensaciones y emociones es muy significativa del cine de vanguardia, ya que este también jugaba mucho con este concepto para lograr expresarse plenamente y transmitir emociones en cada fotograma.

Este film, y como hizo el expresionismo en su tiempo, sirve como medio para hacer una denuncia social y expresa los sentimientos de su autor. Para expresar el descontento del autor con la sociedad del momento, una sociedad frívola y acomodada en sus insustanciales vidas y también para criticar sus normas sociales preestablecidas.

En los trabajos de Burton, la escenografía suele estar bastante diferenciada para distinguir y atribuir a cada mundo una estética, una iluminación y unos colores característicos. Este es otro rasgo que Burton recoge del expresionismo pictórico, el uso del color es muy importante para sus obras, ya que lo utiliza para transmitir sensaciones implícitas este uso destaca notablemente en su film El cadáver de la novia.

En 1993, se estrena Pesadilla antes de navidad, una obra casi de culto para los seguidores del director. Para esta película Burton volvió a utilizar el stop-motion, acompañado de partes musicales que van narrando la historia. Esta película se destaca por su escenografía contrastada entre los diferentes mundos: Halloween Town con colores opacos, grisáceos y apagados, además de una iluminación tenue; Christmas Town donde todos los colores son alegres y la iluminación tiene tintes alegres; y la realidad, que vendría a ser una mezcla de las dos anteriores. Y con ello remite a un principio del expresionismo, el cual utilizaba los recursos visuales no únicamente con fines estéticos, sino que les confería vida propia para que ellos mismos transmitieran las ideas, como señalara Goethe: “el arte no ha de remitirse a embellecer nuestra vida y a encubrir o reinterpretar lo feo, sino que tiene que aportar vida por sí mismo, crear vida desde sí mismo, hacer vida, como el acto más propio del hombre”. La asimetría en los edificios y los elementos angulosos que predominan son de influencia expresionista. Halloween Town nos recuerda una vez más a la ciudad de El Gabinete del Dr. Caligari, que “está compuesto por imágenes plenas, por espacios plenos; la plástica del espacio evocado coincide de un modo insólito con la misma plástica del espacio del plano, con el espacio físico con el que se tropieza la percepción.” En esta película también podemos encontrar rasgos escenográficos de Nosferatu en la presencia de las sombras amenazantes y en la inspiración de algunos personajes como son el grupo de vampiros; o de El Golem en la similitud de la arquitectura del gueto judío y la de Halloween Town.

En la mayoría de las películas de Tim Burton, los temas tratados remiten directamente al expresionismo y al surrealismo: mundos fantásticos, diferentes realidades, la muerte, y un cierto pesimismo ante la vida. Todo ello remarcado por una estética muy apoyada en las sensaciones y en hacer sentir al espectador sensaciones implícitas que le hacen sentir empatía por los personajes. En este sentido Burton ha querido hacer como los pintores expresionistas, que demostraban mediante el uso del color sus emociones y su mundo interior.

En este caso, sí pues, los colores son como en la pintura expresionista, muy importantes en la obra de Tim Burton ya que con ellos logra expresar sus emociones y al mismo tiempo provocarlas en el espectador.

La novia cadáver se estrenó en el 2005 y significó de nuevo la vuelta de Burton a sus orígenes de Stop-motion. Basada en un cuento popular ruso, esta película aúna una estética fantástica, misteriosa, y una atmósfera mágica donde la muerte es la protagonista. Burton da un peculiar punto de vista de la vida y la muerte personificado por un grupo de personajes representativos de cada mundo. La historia cuenta la relación entre dos jóvenes que deben casarse por conveniencia, ya que sus familias se beneficiarían en el enlace. Pero desde el principio y como todos los personajes de Burton, estos jóvenes son diferentes y complejos. Víctor y Victoria (los dos protagonistas vivos) pese a estar enamorados sienten que no encajan en el mundo gris y superficial en el que les ha tocado vivir. Pero el personaje principal y más interesante es Emily, la “novia cadáver”, enamorada, muerta y con el corazón roto es, sin embargo, un espíritu libre y optimista que lo único que quiere es que la amen. Así pues, en este film encontramos personajes complejos que chocan entres í y en consecuencia con sus respectivos mundos. En este caso, utiliza la diferencia de colores vivos y grisáceos, las paredes inclinadas, etc.

Y construye el mundo de los muertos siguiendo su línea de escenografías expresionistas, y el mundo de los vivos, donde impera más una estética romántica, gótica y del art nouveau.

Esta película también incorpora el puente, elemento significativo y simbólico del expresionismo. Es un puente hacia el mundo de los muertos, y en cierto modo el desencadenante de los acontecimientos que pasarán después.

Sweeney Todd es otra gran obra maestra de Tim Burton, donde el director utiliza la escenografía expresionista, gótica, de colores grisáceos y con ella evoca la melancólica y triste historia del barbero Benjamin Barker, encarcelado durante 15 años lejos de su familia y su hogar en Londres, debido a una falsa acusación por parte del juez Turpin, quien sólo quería quedarse con su esposa. Al regresar descubre que el juez mantiene cautiva a su hija y ha envenenado a su esposa, y decide tomar venganza. También puede verse aquí, como trabaja los colores y la iluminación para separar dos mundos: el mundo de venganza, en el que se cuenta la historia, y los recuerdos del barbero y su familia, en su vida anterior en la que él era feliz.

Hasta aquí hemos visto el cine expresionista y gótico de Tim Burton, pero ¿Qué hay de la influencia surrealista? En películas como El Gran Pez o Charlie y la fábrica de chocolate las escenografías coloridas evocan esos espacios utópicos generados por la mente, ayudados por una fuerte influencia pop. El humor, el horror, el erotismo, los sueños y la locura, fueron los caballos de batalla de este imaginario vanguardista.

Los surrealistas buscaban lo maravilloso, lo insólito, los motivos incongruentes en contextos ajenos. No deseaban hacer arte, sino explorar posibilidades. Bretón decía que ese automatismo no tenía control alguno por parte de la razón, ni de valoraciones estéticas o morales. Esta visión de mundo Bretón también la proyectó hacia el cine: "Para nosotros los surrealistas, el cine no sólo nos presenta a seres de carne y hueso, sino a los sueños de estos seres también convertidos en carne y hueso. La magia del cine nos transporta a lugares y situaciones que existen originalmente en la imaginación del director, transmitiendo sus miedos, esperanzas y motivaciones.

El estudio del cine, y del temperamento de un director en especial es trascender las imágenes, para adentrarnos en las preocupaciones existenciales de un autor”.

Proveniente de la poesía y de las artes plásticas, el cine surrealista mantiene muchos de sus grandes motivos: creación al margen de todo principio estético y moral, la fantasía onírica, el humor desaprensivo y cruel, el erotismo lírico, la deliberada confusión de tiempos y espacios diferentes. Sus realizadores lo utilizan para escandalizar y exterminar una sociedad burguesa mezquina y sórdida. Le otorgan a las imágenes un valor en sí mismas, recurriendo a los fundidos, acelerados, cámara lenta, uniones arbitrarias entre planos cinematográficos y secuencias.

Esa íntima búsqueda del éxtasis, carnal, poético, incluso político (en un mundo nuevo) se puede leer en las escenografías de colores saturados, formas y espacios psicodélicos que utiliza Tim Burton a la hora de referirse a estos mundos “felices” que contrapone a los espacios góticos, expresionistas, que reflejan la vida gris de los personajes.

Abiertos nuestros ojos, con amor, maravillados ante una realidad más rica, más bella, más plena y real (despojada de los lienzos mortuorios que la enterraban en el ataúd de lo “real”), los maestros y apóstoles surrealistas descubren, como niños con juguetes nuevos, nuevas y maravillosas técnicas.

Al ver en sus películas estos fotogramas, el director nos arrastra con su espuma maravillosa hacia el abismo de otros mundos, si somos capaces de construirlos nosotros mismos.

Big Fish, que fue bien recibida siendo uno de los filmes más coloridos y personales del director, no sólo tiene su escenografía como evidencia de la influencia surrealista de Burton.

Las historias que contaba el padre del protagonista, son producto de una imaginación sin filtros. Edward Bloom es un hombre que tiene una vida tan perfecta que parece vivir en una dimensión paralela, y sus historias superan todos los límites de la realidad, su hijo duda de la veracidad acusándolo de querer llamar la atención con sus anécdotas y terminan enemistándose.

Los relatos del anciano Bloom están empapados de fantasía, a menudo desbordante, haciéndonos difícil discernir hasta dónde llega la realidad y hasta dónde lo fantástico.

Cuando la salud de Edward sufre una recaída, el hijo vuelve al hogar no sólo para acompañarlo en sus últimas horas, sino también para averiguar la verdad. Toda la verdad. Lo que asimismo será una excusa perfecta para que el espectador pueda saber cómo fue la vida de Bloom, que incluye momentos de todo tipo: alegres, insólitos, aterradores, tristes, melancólicos, románticos, etc. Todos ellos entremezclados, apasionantes, desbordantes de imaginación.

En estas historias encontramos personajes insólitos, como las siamesas chinas, los gigantes, personajes de circos, etc.

que el hijo de Bloom se encuentra en el funeral de su padre, entendiendo que las historias de su padre a pesar de ser increíbles, eran verdaderas.

Burton produce ilusiones ópticas relacionadas con la perspectiva y diferencia a través de los colores, las escenas reales de las contadas por su Edward. Muchas escenas de esta película fueron improvisadas, lo que le da el sello de espontaneidad característico del surrealismo.

En 2005 realiza Charlie and the Chocolate Factory, una versión de cine del libro homónimo de Roal Dahl. Colorida, musicalizada y con música de Danny Elfman y actuación principal de Johnny Depp, la película tiene gran llegada crítica y comercial.

Estos escenarios de colores chillones, de estética muy peculiar y personal, y los viajes llenos de personajes extravagantes ya habían sido utilizados por Burton por ejemplo en La Gran Aventura de Pee-Wee o en Halloween Town, uno de los mundos creados en Pesadilla antes de Navidad. También en Beetlejuice unió la temática del más allá, seres grotescos y deformes, fusionando lo siniestro y lo cómico, clara evidencia de su influencia surrealista, que toma el humor negro como parte de los pensamientos no dirigidos de los que hablaba Bretón. A pesar de estas insinuaciones de su influencia surrealista, fue en Big Fish donde el director le dio una forma más consistente a esta faceta que hasta ese momento era casi desconocida.

Podemos distinguir su influencia surrealista o expresionista según la atmósfera que crea. Su faceta surrealista es colorida y alegre, tierna y optimista.

Tanto en Big Fish, como en Charlie y la fábrica de chocolate, Burton nos deleita con un cine típicamente surrealista, donde lo imposible es ahora posible. Los medios digitales proporcionan una mayor facilidad para recrear ambientes tales como la retorcida cabaña en la que vive Charlie junto a su familia, o la inmensa fábrica de chocolate de Willie Wonka, que vista desde afuera llega incluso a asustar.

En otras películas, como Batman o Batman regresa, el director refleja más una estética gótica incluyendo elementos pop, de historieta, de los años 60.

En todos sus films, está el caricaturesco retrato de la sociedad, un reflejo crítico y satírico de la sociedad media americana, con todos sus arquetipos y superficialidades. Charlie y la fábrica de chocolate incorpora cinco personajes, los niños que van a visitar la fábrica, que acompañan a Charlie, que no son sino una metáfora sobre la mala educación de los niños en nuestra sociedad.

Las vanguardias, que surgen como una reacción a los estilos clásicos artísticos, han tenido una importancia que ha quedado patente en nuestros tiempos, ya que han dejado un legado cultural y de expresión que aún se siguen resignificando.

Gracias a los cineastas que se interesaron por estas vanguardias, se cambió la forma de ver y hacer el cine. Los temas se volvieron más fantásticos y oscuros, con un claro trasfondo social. Pero donde realmente se nota la diferencia es en los decorados y la puesta en escena. Ya que las películas llegaban a parecer un cuadro viviente. Los decorados interactuaban con los actores y eran un elemento fuertemente significante en la película, ya que interactuaban a la vez con el espectador introduciéndolo en ese universo.

Como lo hizo en la pintura, el cine de vanguardia huía de lo meramente figurativo e iba más allá, expresando a la vez belleza y sentimientos cuidando mucho la puesta en escena.

Por todas estas razones el cine de vanguardia o con influencias de vanguardia es y será un referente en el cine y se seguirán utilizando sus fórmulas.

Actualmente la figura cinematográfica contemporánea que tiene unas raíces más evidentes heredadas del expresionismo y del surrealismo es el director Tim Burton. Él ha sabido tomar lo mejor de estas vanguardias, aquello que las hacía únicas y adaptarlo a sus pensamientos y a su manera de hacer cine. Ya desde sus inicios se notaba la influencia principalmente expresionista que inspiraba sus obras y que era perfecta para expresar lo que él quería. Como hemos visto, su primer trabajo Vincent es un claro homenaje a las primeras películas expresionistas, pero que también aúna poesía y el toque personal del propio Burton. Con el paso del tiempo las obras de Burton han ido evolucionando, al igual que su manera de hacer cine. Ha pasado por diferentes temáticas y distintos registros, pero hay algo en cada una de sus películas independientemente del tema que las hace distintivas. Cada una lleva el sello de Burton en cada uno de sus fotogramas.

Las características más significativas del expresionismo alemán que se pueden observar en las películas de Burton radican principalmente en la escenografía y en los personajes.

En cuanto a la influencia surrealista, Tim Burton no la extrae literalmente de ninguna otra obra cinematográfica, sino más bien de su propia imaginación, y la fusiona con la estética pop. Tim Burton ha conseguido tender un puente entre las vanguardias artísticas de principio del S. XX y el cine actual.

Aunando estos dos mundos y estas tendencias diferentes, el resultado son obras enriquecidas y fantásticas.

Bibliografía

Bahr, Hermann. (1998). Expresionismo. Murcia: Colegio de Aparejadores y arquitectos técnicos. (p. 106) Casals, J. (1982). El Expresionismo: orígenes y desarrollo de una nueva sensibilidad. Barcelona: Montesinos. (p. 106) Nietzsche, F. (2005) Así habló Zaratustra. Un libro para todos y para nadie (Título original en alemán: Also sprach Zarathustra. Ein Buch für Alle und Keinen). Edición de José Rafael Hernández Arias. Madrid: Valdemar.

Sanchez Biosca, Vicente. (1918-1933) Sombras de Weimar. Contribución a la historia del cine alemán. (p. 115) Madrid: Verdoux.

Recursos electrónicos

The Internet Movie Database. Biografía de Tim Burton. Disponible en: www.imdb.com/name/nm0000318/bio


Vanguardias artísticas en el cine contemporáneo en el cine de Tim Burton fue publicado de la página 17 a página21 en Creación y Producción en Diseño y Comunicación Nº31

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