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El cine reciclado: Found Footage

Creación y Producción en Diseño y Comunicación Nº35

Creación y Producción en Diseño y Comunicación Nº35 [ISSN: 1668-5229]

Ensayos sobre la Imagen. Edición VII Trabajos de estudiantes de la Facultad de Diseño y Comunicación

Año VII, Vol. 35, Diciembre 2010, Buenos Aires, Argentina | 168 páginas

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Piñeros, Juan Pablo

El cine reciclado: Found Footage
Desde aquel 28 de Diciembre de 1895, en el que dos hermanos presentaron ante un grupo de incrédulos espectadores
la máquina capaz de registrar y reproducir imágenes en movimiento, nos hemos visto inmersos en un desenfreno visual
que crece a velocidades sorprendentes. Nuestra forma de concebir imágenes en nuestra cabeza depende en gran parte
de lo que estamos acostumbrados a ver diariamente en los medios de comunicación. Son tantas las imágenes que es
capaz de guardar nuestro cerebro, que a veces se mezclan produciendo nuevas sensaciones y modos de ver nuestra
propia realidad. Se pueden llamar a dichas imágenes, producciones audiovisuales. Éstas entonces, son las que entregan
al espectador que las consume, un sentido; un mensaje. La proyección constante de imágenes en movimiento ha hecho
que las nuevas tecnologías avancen y se fortalezcan, en términos de capacidades, desde el principio del cine como tal
hasta nuestros días.
Richard Maltby, en su escrito sobre el nuevo Hollywood, nos habla de la invención de las nuevas tecnologías de registro
visual explicando que a principios de los ’80 se desarrollan nuevos medios de difusión de imágenes. Maltby nombra a
estos medios como “nuevos mercados” para las producciones audiovisuales del Hollywood de la época. Dicha existencia
de nuevos sistemas de proyección son el video hogareño y la televisión paga o por cable (Maltby, 1992 p. 11). Con la
invención del Betamax 1 creado por la compañía Sony en esta década, las personas por primera vez podían grabar a un formato mucho más manejable y de rápida distribución (el video análogo), imágenes creadas por otros, pero que podían ahora ser utilizadas por ellos mismos. Ahora a las personas con capacidad creativa se les otorgaba la posibilidad de registrar imágenes desde su propio hogar de manera rápida y eficaz.
Entonces, las personas podían grabar todo lo que quisieran y guardar esas imágenes para otros usos. Esto crea un sinfín
de videos y producciones archivadas para uso propio.
Desde que se tuvo la nueva posibilidad de obtener imágenes sin necesidad de registrarlas con una cámara, sino con un
medio mucho más amigable para el realizador, se facilita el manejo de dichas imágenes creando una nueva cultura destinada y dedicada a contar historias nuevas, con nuevos sentidos y mensajes, partiendo de lo que ya está realizado por
alguien más. Tal es el caso de lo que se conoce actualmente como Found Footage. Este movimiento, como su nombre
en español lo indica: “películas encontradas” viene a formar parte del cine experimental utilizando y redescubriendo lo
que ya está filmado para crear nuevas producciones. El hecho de “encontrar películas” remite al hecho de descubrir en
las creaciones previas de otros realizadores, imágenes que den al nuevo mensaje que se quiere transmitir por parte del
realizador de este movimiento cultural. Entonces, el Found Footage consiste básicamente en encontrar las cosas nuevas
que tiene lo que ya está creado.
Michael Zryd en su libro Found Footage film as discursive metahistory explica que “las películas de Found Footage son un
subgénero específico del cine experimental (o de vanguardia) que integra material filmado previamente dentro de nuevas
producciones”. Explica que el nombre en sí mismo Found Footage sugiere encontrar y descubrir sentidos escondidos
en las imágenes.
Asimismo Eugeni Bonet habla del Found Footage y se refiere con estas palabras:
Son varios los rasgos que distinguen a estas obras, a veces designadas también como collages, de la película de
montaje, el documental de archivo, en sus modalidades más corrientes. En general no hay un comentario en off,
(o, cuando lo hay, no se puede decir que sea un comentario omnisciente ni que acompañe literalmente a las
imágenes), como tampoco se apela a un tono instructivo o didáctico. Se prefiere que las cosas se expresen por sí mismas: por lo que dicen, cuentan todavía esas imágenes, y por lo que aportan los “giros” de montaje; o de desmontaje, mejor dicho, puesto que lo que la nueva obra nos dice suele ser bastante distinto a lo que pretendían los materiales de partida.
Esta gran ola cultural de reciclar lo que ya se pensaba único e irrepetible depende de la creatividad del artista y de su
habilidad para descubrir lo nuevo, lo no contado, lo no visto (aunque las imágenes ya se hayan visto por mucho tiempo,
la belleza está en ver las cosas nuevas que entregan). Para poder realizar este tipo de producciones se puede decir que
en gran medida dependen de su propio medio de difusión y consumo. Las imágenes previamente registradas están dentro
de un soporte específico y de un medio conocido para todos: el cine. Es la capacidad artística del creador lo que logra unir al medio como arte y viceversa. Arlindo Machado habla de este concepto del arte y el medio y lo nombra como el artmedia. Dicha forma de arte se basa en “expresiones artísticas que se apropian de recursos tecnológicos de los medios
y de la industria (…) interviniendo en sus canales de difusión habituales, para proponer alternativas cualitativas” (Machado,
2004 p. 84). Es gracias a que el medio esté al alcance de los creadores que se generan las obras del cine reciclado. Y qué
es reciclar sino reutilizar, y encontrar nuevos usos.
Nicolas Bourriaud en su libro titulado: Post producción. La cultura como escenario: modos en que el arte reprograma
el mundo contemporáneo, introduce a esta idea de reciclaje diciendo que:
’Post Producción’ es un término técnico utilizado en la televisión el cine y el video (…) es el conjunto de procesos
efectuados sobre un material grabado: el montaje, la inclusión de otras fuentes visuales o sonoras (…) los efectos especiales. Como un conjunto de actividades ligadas al mundo de los servicios y del reciclaje, la post producción pertenece pues al sector terciario opuesto al sector industrial (…) de producción de materias en bruto. (2004 p. 7).
El movimiento de Found Footage es eso específicamente, reciclar y reutilizar imágenes en pos de una nueva producción
audiovisual cargada con un nuevo mensaje y sentido. Siguiendo la línea de Bourriaud podemos definir que el proceso de
realizar una obra de este estilo implica manipular una materia que ya no es prima (Bourriaud, 2004 p. 7). Es tomar fragmentos de imágenes previamente realizadas y organizarlas de manera que generen nuevas formas discursivas. Esa es la idea básica de la cultura del Found Footage, según como se editen las “películas encontradas” por el realizador, se crean
nuevas obras y sentidos. El material que se usa en estas producciones por lo general viene de colecciones privadas, bancos de imágenes, tiendas de antigüedades, y algunas veces literalmente de la calle.
Entonces, se puede decir que las producciones en si mismas están creadas previamente, pero las ideas y los mensajes
que se quieran exponer con ellas dependen enteramente de la creatividad, la suerte (en el sentido de encontrar justamente
lo que se necesite) y la capacidad para organizar en un solo producto unificado tantas fuentes como la idea a exponer requiera.
Es un trabajo con alto grado de sentido artístico, si se piensa desde el punto de vista de la creación y la imaginación, pero que a fin de cuentas no se requiere de mucho para lograrlo.
Se debe entender que es laborioso buscarle nuevos sentidos a lo que al parecer tiene un sentido único y expresado pero se podría decir que en realidad el nuevo sentido está dado por como se vea el film o como se quiera entender por parte de quien lo ve. “Ese reciclaje”, dice Bourriaud, “de sonidos, imágenes o formas implica una navegación incesante por los meandros de la historia de la cultura” (2004 p. 15). El realizador que desee plantear una vasta producción de Found
Footage debe entonces contar una colección, un archivo, o un bagaje informativo igual de vasto para poder suplir sus
necesidades discursivas. ¿”No es el arte”, en palabras de Marcel Duchamp, “un juego entre todos los hombres de todas
las épocas”? y según Bourriaud “la post producción es la forma contemporánea de ese juego” (2004 p. 15).
Si se piensa más detenidamente, en las últimas décadas ese “archivo”, o colección ha encontrado su lugar de “reposo”
en la red. Es Internet la que en cierto modo facilita que las cosas estén al alcance de todos. Un estudio sobre cómo los
avances de la tecnología han ayudado a estas comunicaciones sin fronteras es el realizado por Derrick de Kerckhove
en su lección inaugural del curso académico 2005-2006 de la UOC en Barcelona. En éste, el autor trata sobre varios puntos
fundamentales en donde se expone este archivo multicultural al alcance de todos. “Cada vez”, dice Kerckhove introduciendo
el avance tecnológico a favor de la comunicación, “que se introduce una nueva tecnología dominante de apoyo al lenguaje,
ésta modifica tanto el lenguaje y la forma cognitiva del usuario como la capacidad cognitiva de una persona” (2005 p. 2). Entendiendo por esto que gracias al avance tecnológico de la red de Internet, se han generado y se han encontrado
nuevas formas discursivas, entre ellas el Found Footage. El archivo más accesible a todos para encontrar imágenes, producciones o cualquier cosa que se precise para realizar una obra, se encuentra dentro de esta nueva tecnología, y al estar inmerso en la red tiene una nueva forma de “hablar” con el que la solicite. Esa es una de las características fundamentales del discurso en las producciones contemporáneas del Found Footage.
Permite hacer posible una ruptura del lenguaje que estamos acostumbrados en lo audiovisual, para empezar a entender
-gracias a que estamos en contacto la red con este tipo de producciones- este nuevo lenguaje que nos habla de la multiplicidad de los sentidos que se encuentran dentro de las imágenes, haciendo que se confundan las fronteras del cine
y el manejo de información en general.
Estamos frente a un movimiento que no necesita seguir las líneas que se impusieron y se debían seguir, sino que por
el contrario sobrepasa esos límites y se vuelve tan extenso como la imaginación lo permita.
Ese efecto de desdibujar las fronteras de lo conocido y lo habitual, es algo común en la red. Nos encontramos con un
sinfín de obras audiovisuales que no podrían ser definidas como algo único ni puro, en el sentido de su propio medio.
Estas obras logran crear nuevas formas, partiendo de la combinación de varios recursos para tal fin. Lev Manovich expone
estas ideas en su escrito titulado: “Comprender los medios híbridos” diciendo que desde la mitad de la década de los noventa hemos sido participes de un cambio fundamental en la cultura de la imagen en movimiento (2008 p. 1). Entendiendo
por esto que hemos cambiado la forma de enfrentarnos a contemplar una obra audiovisual contemporánea y esto no es
ni remotamente ajeno al movimiento cultural de Found Footage.
“Los medios de comunicación por separado 2”, continúa Manovich, “comenzaron a combinarse de mil maneras. De este modo (…) el medio ‘puro’ de las imágenes en movimiento se volvió una excepción y los medios híbridos, la norma”
(2008 p.1). Es entonces cuando las fronteras de lo que era ya establecido como único se rompen y aparecen nuevas formas de ver las obras. Las imágenes ya no viven y mueren en su creación para un sentido único. Ahora se reutilizan formando nuevas producciones. Para este fin entonces, se deben combinar de todas las fuentes posibles, imágenes que según su disposición y organización, otorguen un nuevo sentido al usuario/espectador.
Esta cultura de combinación es lo que Manovich denomina como el “remix profundo”. El autor explica que en un comienzo
se pensó este concepto del Remixing como algo específico y acotado a la música. Pero al avanzar el tiempo el término se hizo mucho más amplio y hoy abarca cualquier modificación de obras culturales que ya existen. (2008 p. 5).
De eso se trata al hablar de Found Footage: de lograr combinar de manera exitosa, -para dar a entender un nuevo mensaje-fragmentos de películas y videos en un solo producto final que pueda ser visto y entendido de manera efectiva por
quien lo vea. Es el arte de combinar lo que no está pensado para combinarse.
Gracias al montaje que utiliza, los efectos sonoros, y todas sus formas discursivas que son propias del movimiento, se crean obras nuevas e innovadoras a la hora de hacer un cine distinto. Claro está, que se debe entender que el realizador de Found Footage no es un “genio creador” 3 sino que utiliza lo que ya está creado. Se podría decir que es un excelente generador de nuevas formas y sentidos. Es la capacidad de sobrellevar el desafío de hacer que dos cosas se unan para concebir una obra de arte.
Se puede entonces acudir en este punto de nuevo a Arlindo Machado, pero esta vez desde su escrito titulado: “Convergencia y divergencia de los medios”, para reforzar la idea de combinación. En este escrito, Machado explica la idea de que cada medio tiene una “especificidad” propia que es lo que a fin de cuentas lo distingue de los demás permitiendo una diferenciación de entre los hecho de la cultura humana (Machado 2008 p. 1). Al combinar distintas fuentes de imágenes, las obras de Found Footage encuentran en esta convergencia su campo más importante. Las producciones necesitan de que todo lo que se realice llegue a una conclusión distinta a la que estaba pensada desde un principio; y para este fin es necesario hacer que las fronteras que dividen los medios se dispersen y permitan un mayor movimiento creativo dentro del producto final. Sin esta convergencia en la que vivimos estas obras no existirían como una obra en su totalidad sino como una clasificación de distintos fragmentos de películas y videos, entre otros.
En este punto del escrito, es preciso tomar dos obras de este movimiento para analizarlas y entender mejor el asunto del
Found Footage. La primera obra se titula Miralls, realizada por Gerard Gil en el año 2006. La segunda se llama A la intemperie de Raúl Bajo realizada en el 2003 4.
En Miralls, Gil nos guía, de la mano de imágenes y fragmentos tomados de varias películas como: Tormented, Carnival of
Souls, Deep Red, The Beast of Yucca Flats, Snake People y Suspiria, entre otras, por un recorrido visual comandado por
la figura femenina. Asimismo, se enfoca en el agua como contexto donde se mueve y acciona dicha figura. El corto empieza en un lugar donde se unen el agua y la mujer de un modo muy íntimo; el baño. En este lugar se podría decir que la mujer es ella misma y no muestra sino su verdadero ser. Luego la vemos en su cuarto, otro lugar íntimo para ella.
Según avanza la producción, nos encontramos con la figura del hombre, pero esta figura es extraña e irrumpe de cierto
modo en el lugar de la mujer haciéndola sentir insegura.
Vemos entonces fragmentos de películas clásicas de terror, en las cuales el “villano”, el “monstruo”, es el hombre, y es
él quien desestabiliza la seguridad que tiene la mujer para consigo misma. Desde ahí comienza una especie de juego de
golpe-contragolpe, donde llevados por medio de numerosas imágenes vemos como la relación del hombre con la mujer
está basada en una suerte de guerra que no termina. Vemos en este punto como la mujer “ataca” a la figura masculina,
pero éste a su vez “ataca” de vuelta causando una especie de equilibrio en la relación. Gil usa una serie de imágenes
donde vemos a una flor abrirse con varios efectos de movimiento.
Con este montaje se puede inferir que, a pesar de haberse “atacado” mutuamente, siempre el encuentro entre los dos “calma” los ánimos y hace bajar las armas. Esta sensación de falsa calma se produce por el sonido del agua (siempre presente en todo el corto). La figura femenina encuentra la manera de fugarse de esta relación, pero el juego continúa y se sigue explotando la idea del golpe-contragolpe.
Al percatarse el hombre, de que la mujer quiere “escapar”, la persigue y logra convencerla de que no lo haga. Pero la figura
femenina en este punto conoce lo que va a pasar y ve la forma de aprovechar esta situación. Con imágenes de mujeres
falleciendo, se muestra la idea de que en este punto “muere” la figura débil y sumisa de la mujer. Al renacer (vemos
mujeres levantándose) es otra persona. Es ahora más fuerte que el hombre y logra dominarlo. Gil nos presenta imágenes
de vampiresas y amazonas reduciendo a distintos hombres y manteniendo la idea expuesta previamente. Es ahí, con ayuda
del sonido, donde se hace alusión al nuevo amanecer de la figura femenina, al crecimiento de ella como persona.
En el corto analizado previamente podemos ver como da la idea de combinación para dar un sentido. Con al menos diez
películas distintas, de donde toma diversos fragmentos, el realizador utiliza la banda de sonido para llevarnos en este
viaje como hilo conductor. Está claro que los parámetros que marca el cine, se ven completamente rotos y desdibujados
en este corto. Cuestiones como la continuidad, el raccord. el simple hecho de los colores, están ignoradas por completo
por el realizador, ya que lo que realmente importa es que se entiendan todos los mensajes que quiere transmitir a partir
de esta combinación de fragmentos.
El segundo corto a analizar es: A la intemperie, de Raúl Bajo (2003), el cual es un corto que trata sobre el abuso de la fuerza violentamente en contra del otro. La película inicia con un montaje rápido donde se logra apreciar imágenes de sirenas (policiales), perros corriendo, miradas en planos muy cerrados y una cantidad de imágenes que insinúan una persecución.
Esta es la primera parte que se ve en el corto, y con un fundido negro cierra la idea de la persecución. Cuando volvemos
al corto, Bajo nos muestra imágenes de los archivos de la Segunda Guerra Mundial donde podemos dar cuenta de los campos de concentración alemanes. A partir de ese momento con un montaje alternado se muestra imágenes de atletas como dioses griegos del Olimpo en contrapunto de las demacradas y débiles caras de los judíos presos en el campo. Con imágenes crudas de fosas comunes, siempre en comparación con la belleza y la gracia del movimiento de los atletas. Cuando vemos el lanzamiento del disco, el montaje cuenta por medio de imágenes de un visor de un helicóptero
moderno como cae una bomba a tierra. Se muestra como si el atleta que lanza el disco hubiese sido quien manda la bomba.
La comparación de la belleza, grandeza y fuerza usada para la destrucción y la violencia extrema hace que se haga una especie de comentario intrínseco que dice que Hitler era un dios del Olimpo. Entendemos que son imágenes de la
Segunda Guerra Mundial por la vasta cantidad de imágenes que hemos visto. El corto finaliza con una frase de Zygmut
Bauman, que encierra la idea del corto la cual dice: “El uso de la violencia es más eficiente y rentable cuando los medios se
someten únicamente a criterios instrumentales y racionales y se disocian de la valoración moral de los fines”.Esa frase
es muy potente y aparece como placa de texto para terminar de encerrar su idea principal del corto. Como valor agregado,
vemos una corta imagen de Hitler estrechando la mano de una pequeña niña.
Es evidente la intención de Bajo en su corto. No solo por los contrapuntos que nos presenta sino que, además de mezclar
una cantidad de imágenes de archivo, logra, haciendo uso de los recursos técnicos del cine, expresar la idea que se encierra claramente en la frase final. Es evidente la diferencia entre los planos, pero se puede disimular o esconder de manera más fácil al continuar con el mismo tono de grises, misma velocidad, etc. Bajo, entonces, respeta algunos de los principios cinematográficos con respecto a la fotografía. Y el hecho de que respete lo que se intenta romper con este movimiento, no quiere decir que no se pueda inscribir como una obra de Found Footage, por el contrario, da cuenta de la infinita gama de posibilidades a la que se ven expuestos los realizadores de este tipo de producciones.
Al comparar los dos cortos analizados, es evidente una cuestión.
En Miralls las imágenes son de películas conocidas o no pero que fueron creadas de manera ficcional y planeada. En
cambio, en A la intemperie las imágenes que vemos están tomadas de la propia realidad, son documentos visuales de la
realidad que seguramente no fueron pensados previamente ni planificados con anterioridad y que conocemos gracias a
la difusión de los medios. Esto no implica, como ya se dijo antes, que uno sea más fiel o menos a los métodos discursivos
propios del Found Footage, sino que da cuenta de las posibilidades que se le abren al realizador, quien gracias a la combinación de múltiples planos, imágenes y fragmentos lleva al espectador a través de un viaje visual dotado de
gran sentido y con un mensaje muy claro. A fin de cuentas el Found Footage es eso, buscar, encontrar, combinar, intervenir
y reorganizar.


Conclusiones
A modo de conclusión nos resta decir unas palabras. El cine desde sus inicios a creado un número muy grande de imágenes que gracias al avance de la tecnología, están cada vez más al alcance de todos. Al tener acceso a esta posibilidad se genera una corriente de cine experimental conocida como Found Footage en la cual lo que predomina es el reciclaje visual. Tomando como punto de partida un medio, podemos llegar a crear obras creadas a partir de diversas fuentes para lograr un mensaje único y entendible para el espectador.
Aquel espectador que puede también ser parte activa de este proceso creativo, puesto que gracias a Internet las imágenes,
los videos y todo lo que se requiera, puede conseguirse de manera fácil, rápida y efectiva. Es Internet la que une a una nueva cultura de navegadores a buscar y crear nuevas obras de arte. Y ese archivo funciona también como medio casi prioritario para el Found Footage. Es el arte de rehacer, de reinventar con lo que ya existe. Es tomar algo y volcarlo para construir algo más de lo que se creía posible. El Found Footage explora dentro de las raíces mismas del arte y el cine
haciendo lo que mejor saben hacer sus creadores: contar historias y contarlas bien.

Notas
1. Betamax es un formato de video, hoy descontinuado, introducido por Sony a principios de los ‘80s. Después de una década de anuncios, finalmente Sony presentó al mercado su sistema de cinta de vídeo que permitía grabar programas de televisión mientras se veía otro canal y verlo posteriormente.
2. Películas cinematográficas, gráficos, fotografía, animación 3D por computador y la tipografía.
3. “Genio creador” entendido desde el punto de vista de aquel que crea algo desde cero y completamente nuevo.
4. Las obras están disponibles en: http://cinereciclado.tumblr.com, páginas 1 y 9 respectivamente. (Ultima fecha de consulta: 27/06/10)

Bibliografía
Bonet, Eugeni. (2002). “Desmontaje documental”. Artículo digital. Disponible en: http://www.culturasdearchivo.org/modules.php?op=modload&name=News&file=article&sid=272
Bourriaud, Nicolás. (2004). Post Producción: la cultura como escenario. Buenos Aires: Adriana Hidalgo Editora S.A.
Gubern, Román. (1995). “Las nuevas fronteras de la imagen”. Publicado en la revista española: Claves, edición de diciembre.
Kerckhove, Derrick de. (2005). “Sesgos de la electricidad”. En: Lección inaugural del curso académico 2005 – 2006 de la UOC.
Machado, Arlindo. (octubre del 2004). “Arte y medios: aproximaciones y distinciones”. Publicado en LA PUERTA. Revista académica de la Facultad de Bellas Artes UNLP.
Machado, Arlindo. (26 de agosto de 2008) “Convergencia y divergencia de los medios”. Disponible online en: http://www.eictv.co.cu/miradas. Publicado por Joomla!
Maltby, Richard (1992). "Nadie lo sabe todo" Historiografías post-clásicas y consolidación de la industria del entretenimiento”. Revista electrónica Otrocampo.
Manovich, Lee. (Noviembre 2008). “Comprender los medios híbridos” Cátedra Análisis y Crítica de la carrera de Artes Audiovisuales de la Facultad de Bellas Artes – UNLP. La Plata, Argentina.
Zryd, Michales. “Found Footage film as discursive metahistory”. Disponible en: http://inside.bard.edu/~halter/3.2zryd.pdf



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  • El cine reciclado: Found Footage fue publicado de la página 59 a página62 en Creación y Producción en Diseño y Comunicación Nº35
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