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Andy Warhol, otra mirada del cine

Aguirre, Ángela

Creación y Producción en Diseño y Comunicación Nº17

Creación y Producción en Diseño y Comunicación Nº17

ISSN: 1668-5229

Ensayos sobre la imagen Edicion III.

Año V, Vol. 17, Agosto 2008, Buenos Aires, Argentina | 111 páginas

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Desde su origen el hombre ha recurrido a diferentes medios para poder expresarse. Por medio de la escritura, el dibujo, el canto, el baile, entre otros, ha ido manifestando sus sentimientos, investigado, explotado e inventado diferentes técnicas artísticas, las cuales con la ayuda de la tecnología se han ido perfeccionando a través del tiempo. Sobresaliendo así en cada campo del arte ciertos artistas ya sean por su admirable trabajo, por lo que le han aportado a cada campo o por la controversia que su obra causó, creando nuevas y diferentes tendencias.

Uno de los artistas más influyentes de la segunda mitad del siglo XX es Andy Warhol. Un hombre auténtico, polémico, revolucionario, y controversial, explorador de todas las manifestaciones culturales; no sólo se destacó en el campo de la pintura, la escultura y la fotografía, sino también trabajó extensivamente el campo cinematográfico; le dio un vuelco al séptimo arte, demostrando que éste es realizable desde otra perspectiva y no es necesaria una gran producción, un guión, ni nada bastante estructurado para su realización, rompiendo las barreras del cine narrativo, clásico hollywoodense.

Andrew Warhola nació en Pittsburg, Pensilvania, hijo de inmigrantes eslovacos. De niño, padecía de escarlatina, una enfermedad que provoca una pigmentación anormal de la piel, así como de el baile de San Vito, afección del sistema nervioso que causa movimientos involuntarios; razones por las cuales tuvo que pasar varios días en el hospital donde demostró tener talento artístico. Su mayor pasatiempo era escuchar la radio, pintar y coleccionar imágenes de actores y actrices famosos, con las que decoraba su habitación. A la edad de ocho años le regalaron un proyector de cine con el que trasmitía caricaturas en las paredes de su casa. Un año después comenzó a interesarse por la fotografía y asistió a clases gratuitas de arte.

Estudió arte en Comercial en el Carnegie Institute of Technology.

Al graduarse (1949) trabajó como diseñador gráfico y publicista, donde alcanzó rápidamente gran éxito. Sus reportajes, anuncios, originales dibujos, ilustraciones y collages, fueron publicados en las revistas más famosas de los años cincuenta como Vogue, Glamour y Harper’s Bazaar.

Antes de entrar al mundo cinematográfico, Andy Warhol tuvo un gran impacto en la pintura durante los años sesenta, donde los hechos ocurridos durante esta década y la pasada, pautaron las obras del artista. Estos acontecimientos como la Guerra Fría, la guerra civil en China, la Guerra de Corea, el radicalismo político y cultural, la revolución cultural impulsada por el rápido desarrollo industrial y el consecuente fenómeno de consumismo que se dio en Estados Unidos, la contracultura, la liberación de la mujer, y el asesinato de Kennedy entre otros; junto con las relaciones con las drogas, el sexo libre, el surgimiento de un interés por la violencia y la crueldad, el despertar de la sexualidad perversa y el bullicio del rock ensordecedor frente a las estéticas musicales del silenció, fueron los hechos que inspiraron y estuvieron presentes durante las obras hechas por el artista. Esta revolución de ideas y mezclas fueron las toda que inspiraron al artista a crear y realizar.

Warhol comienza a pintar imágenes “Pop” las cuales se destacan dentro de lo que fue el movimiento del pop art, término que hace referencia a la expresión inglesa “popular art”. El concepto se refería a un amplio repertorio de imágenes de la cultura urbana de másas, integrado por la publicidad, la televisión, el cine, la fotonovela, los cómics, etc.

“La esencia del movimiento pop era que cualquiera podía hacer cualquier cosa, así que todos pretendíamos hacer todo. Nadie quería encasillarse en algo determinado, todos queríamos ampliar nuestra creatividad” ( Boockris, Víctor. 1996. Pg 21), explicación que da Warhol sobre el movimiento.

Con su obra quiso hacer una mención al consumismo estadounidense; seleccionando diferentes elementos y objetos utilizados cotidianamente por la clase media. De estas se resaltan las esculturas de cajas Brillo y las pinturas Campbell’s Soup Can, que fueron la sensación del mundo del arte y lo convirtieron en toda una celebridad, y son un ejemplo de alusión al ambiente consumista. También Warhol fue pionero en el uso de fotografías de gran formato que servían como base para pinturas al óleo o a la tinta. utiliza la serigrafía cortada a mano y recurre también a la técnica de la foto serigrafía, uno de los medios más importantes de su producción. Esta técnica le permitió producir una serie de imágenes repetitivas, con pequeñas variaciones.

Hacia 1963 crea The Factory, un estudio ubicado en un cuartel de bomberos pintado de plateado y cubierto de papel aluminio, el cual estaba impregnado de por su obra artística, música y gran actividad, convirtiéndose en el lugar de moda, reuniendo alrededor suyo a un amplia gama de artistas, músicos, escritores y personajes conocidos del underground neoyorquino, donde se realizaban las fiestas más comentadas por la prensa.

Tiempo más tarde, en éste lugar empieza a realizar serigrafías en serie, con lo que buscaba no sólo hacer arte que reflejara productos fabricados en serie, si no producir en serie el arte mismo. Con esto, Warhol pretendía actuar como una máquina, minimizando el rol de su propia idea creativa en la producción de su trabajo. Fue así como revolucionó el mundo del arte y su trabajo se hizo tan popular como polémico.

Después de haber realizado varios cuadros Andy se adentra en el mundo del cine, continuando con la esencia del arte pop, llegando a filmar más de quinientas películas calificadas como cine underground, un tipo de cine artesanal, no necesariamente narrativo, que carecía de un guión y una estructura, con una elevada autoconciencia artística y cauces de distribución propios; convirtiéndose en la contra-cara del cine clásico de Hollywood.

Las primeras películas de Warhol tenían una continuidad en el tiempo y en espacio, como los cuadros, son una extensión lógica de su obra plástica. Por ésta razón su aportación a la estética cinematográfica ha constituido en su utilización de la pasividad: una cámara pasiva y un público pasivo. Su cámara se colocaba simplemente en una posición. En ocasiones, empleaba arbitrariamente el zoom.

Sleep fue el primer film, donde dejó rodar la cámara fija durante ocho horas frente a un hombre durmiendo. Como antiguo pintor, no esperaba que su público se limitara a sentarse a mirar sus películas de tan larga duración, sino esperaba que éste tuviera las mismás reacciones que tendría ante un cuadro en una galería o un museo. Mirarla un rato, irse y volverla a mirar un poco más.

Sus films Haircut y Eat, desarrollan las acciones enunciadas desde el título. No muestran más de lo que es una cortada de cabello y una persona comiendo, lo que lo caracteriza como cine experimental, al romper con las barreras del cine narrativo estrictamente estructurado y utilizando los recursos (en este caso de las acciones cotidianas), para expresar y sentir emociones, experiencias, sentimientos, con un valor estético muy artístico, olvidándose del lenguaje audiovisual. Warhol se refiere a ellas como “películas experimentales que tratan de las emociones de la vida humana. Cualquier cosa que tenga que ver con la vida humana está bien.” ( Rial,S. 2007. Pg 100) De esta manera aprendió a aprovechar todo lo que ocurría a su alrededor e incorporarlo en su obra.

Chelsea Girls fue un film en realizado 1967 en La Factory y en el Chelsea Hotel, sin argumento y sin guión. La única idea era la de generar conflictos entre las personas y buscando que cada uno de los actores expulsara sus sentimientos más íntimos. El film destilaba negatividad y sacaba a la luz el lado más oscuro de las personas. Una de las “técnicas” utilizadas fue la de encargarse de que a los actores les llegaran rumores antes de filmar cada toma, para sembrar conflicto entre ellos y enfrentarlos, lo que tenía un mayor resultado al estar éstos bajo los efectos de las drogas. A pesar de ser una película caótica, efectista y experimental, logró cosechar artística y económicamente, lo sembrado en todos sus trabajos anteriores.

Durante 1966 cualquier idea era convertida en película. Esta particular manera de Warhol a hacer cine, lo llevó a rodar varios films (Loves of Ondine, Imitation of Christ, Vibrations) con la idea de hacer una maratónica película de 48 horas, que, proyectada nuevamente en pantalla doble, duraría 24 horas.

Utilizando las mismás ideas que en Chelsea Girls y tratando de lograr el mismo efecto, el film terminó siendo un fracaso.

El film de 24 horas sólo se proyectó una vez.

Otra peculiaridad de este cineasta, residía en su capacidad para convertir a sus actores en superestrellas. Para personajes como Ondine, Freddie Herko, Taylor Mead, Edie Sedwick entre otros, actuar en estas películas sin guión y casi sin dirección les proporcionaba la posibilidad única de hacer de sí mismos, dándoles así un sentido de autorrealización artística que difícilmente podrían haber obtenido en ámbitos más convencionales, en los que además posiblemente ni siquiera habrían obtenido oportunidades laborales. Los actores los sacaba de “por ahí”.

Eran personas que querían salir en una película, sencillamente, y los utilizó.

Para él los actores venían de cualquier parte, no era necesario profesionalismo, tanto así que en el film Whips, hizo a actuar a su madre Julia Warhola.

Tras haber estado al borde de la muerte en 1968, por causa de los disparos producidos por Valérie Solanis, figurante en una de sus películas, Warhol de a poco retoma su trabajo, sus actividades y realiza entrevistas en la que demuestra su sutil sentido del humor.

Si bien en su cine nunca fue aceptado por Hollywood, ese año se estregaría Midnight Cowboy de John Schlesinger, en el que su influencia es innegable. Además de tratar un tema como la prostitución másculina, el film cuenta con la actuación de Viva, en la piel de Underground, una cineasta que interpreta un papel que, antes del atentado, había sido ofrecido a Andy Warhol.

En respuesta a este film Warhol junto Morrisey idearon Flesh, film protagonizado por el símbolo sexual Joe Dalessandri, que se convertiría en uno de los actores fetiche de la pareja cineasta.

Su cine ya se había vuelto más comercial y convencional, por lo que la película fue un éxito en taquilla.

Durante el invierno de 1965 Andy Warhol llegó a ser una superestrella de los medios, posición que alcanzó con una rápida y concienzuda evolución en su carrera. No pasaba una semana sin que se publicara algo sobre él. Famoso por su pintura y por sus películas revolucionarias, Warhol se inquietaba por mantener su popularidad. Aún no se había integrado en el explosivo circo del rock, la manifestación de la cultura popular en la que más se reconocía una juventud americana en continua agitación. Esto junto con el deseo de querer seguir siendo noticia y estar en todas partes, hizo que extendiera su creatividad al performance artístico, con su show itinerante llamado The Exploding Plastic Inevitable, protagonizado por la banda de rock and roll The Velvet Underground. Al show se le acredita el invento del espectáculo de luz psicodélica como parte del entretenimiento en un centro nocturno. Incluso The Velvet Underground se vuelve una de las bandas de rock con más influencia en la historia e ingresa al Rock and Roll Hall of Fame.

Como precursor del performance, realiza con ésta banda un espectáculo titulado Andy Warhol, Up-Tigh. Up-Tight hacia referencia a algo interesante, indicaba que “algo” iba a ocurrir, en contraposición al eterno “nada”. El espectáculo era una combinación de varias facetas artísticas, el cual consistía de la proyección sus películas con las luces de Danny Williams, la música de The Velvet Underground y Nico, la danza de Gerard Malanga y Edie Segwick, y las diapositivas y proyecciones de Paul Morrissey y también de él.

“Si la gente lo aguantaba diez minutos, tocaremos quince.

Es en nuestra política que siempre se queden con ganas de menos” ( Boockris,V.1996. Pg 50), esa era la extraña filosofía de Warhol frente al show, de la música caótica de Velvet que iba a la perfección con las luces y las imágenes exhibidas. De esta manera Warhol pudo proyectar todas aquellas películas que había estado haciendo y que no habían logrado reencuadrar nada cuando las exhibían en la Cinematheque (sala pequeña de cine vanguardista).

Este cineasta estaba absolutamente conciente de la rareza de sus películas y que mucha gente las encontraba aburridas. Sin embargo no le importaron los comentarios y las siguió realizando, porque para él ese era el ideal de cine, lo que le gustaba hacer, captar y lo encontraba sumamente divertido. Pero su preocupación por preceder lo llevó a realizar diferentes recursos mientras las proyecciones de algunos de sus films como en la exhibición muda de Sleep, usaron como recurso una radio que cambiaban de emisora cada día, así el que se aburría con la película podía limitarse a escuchar radio. En Chelsea Girls, Warhol coloco dos cosas a la vez en la pantalla, para que se pudiera observar una imagen en caso de que la otra fuera aburrida. Lo que lo acredita como un artista íntegro.

La banalidad de sus declaraciones y de sus películas lleva a creer a algunas personas que en realidad Warhol se ríe de todo y de todos, su cinismo, su indiferencia dan una sensación de superioridad con respecto a lo que hace y lo que dice.

Andy Warhol fue pionero y precursor de un arte multifacético de una vanguardia sensorial. Fue cómplice y partícipe de una revolución de ideologías, sexo, drogas, música, política, y cultura.

Impuso un arte singular e innovador, con el cual cambió el concepto tradicional, viendo éste como un negocio y el mismo como un arte. El arte no era más que lo que los espectadores consumen. Imágenes en las que la firma del autor se convierte en marca registrada. El análisis de su obra queda perfectamente descifrado en sus palabras “todo el significado de mi obra está en la superficie, detrás no hay nada”. Rompió con los esquemás cinematográficos, realizando películas desestructuradas narrativamente; jugando con el film como un cuadro, como una fotografía eterna, por medio de la magia del lente e integrándolo con los demás campos artísticos, convirtiéndolo así en un icono del siglo XX.

Notas

1 Boockris, Víctor. (1996). Velvet Underground noise rock. España: Ed. La máscara. Pg. 21.

2 Boockris, Víctor. (1996). Velvet Underground noise rock. España: Ed. La máscara. Pg. 50.

3 Rial, Santiago. (2007). Warhol para principiantes. Argentina: Ed. Era Naciente SRL. Pg. 100.