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Las Pinturas Negras de Francisco Goya

Hernández Muñoz, Cecilia Andrea

Creación y Producción en Diseño y Comunicación Nº39

Creación y Producción en Diseño y Comunicación Nº39

ISSN: 1668-5229

Ensayos sobre la Imagen. Edición VIII Trabajos de estudiantes de la Facultad de Diseño y Comunicación

Año VII, Vol. 39, Junio 2011, Buenos Aires, Argentina | 130 páginas

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Introducción

Este ensayo surge como la búsqueda de una conexión y relación entre el aspecto artístico, sociológico y psicológico de un creador en un determinado tiempo y espacio. Se podría decir que para entender una obra de arte el análisis abarca tanto el tratamiento plástico como el contexto social en el que se desarrolla la obra. Esto nos podría dar una idea general de lo que expone el artista en su obra, pero no de manera específica.

Como el artista, no solo es ejecutor y consecuencia de su propia época sino heredero de la historia que hay detrás de él, el resultante es lo que generaría una obra de arte. En el caso de este trabajo se tomará como referente de sujeto a Francisco de Goya (1746-1828) y dentro de su obra Las Pinturas Negras (1820-1824) compuesta por una serie de catorce cuadros que decoraban la casa del pintor llamada la Quinta del Sordo, las cuales fueron realizadas cuando el artista se encontraba sufriendo las consecuencias de una enfermedad, pocos años antes de su muerte, entre una especie de crítica social y angustia algo existencial ante el fin de su vida.

A continuación, para realizar este análisis, se expondrá una breve descripción de la historia moderna partiendo del Renacimiento hasta el movimiento Romántico, al que se pueden asociar estas obras. En un segundo punto se expondrá la vida de Goya y el contexto en el cual vivía, de España a mediados y fines del siglo XVIII. En un segundo punto se desarrollará una descripción de Las Pinturas Negras y el concepto de lo sublime terrible expuesto por Johann Georg Hamann (1730-1788).

Para luego en un cuarto punto hacer un análisis desde dos aspectos planteados por Freud (1929) en el escrito Malestar de la Cultura, específicamente de los tres causantes de la angustia del hombre y cómo esto ayuda a aclarar conceptos trabajados por Goya en su obra. La visión y representación que comunica a partir de una idea particular en el contexto de cuestionamientos generales planteados por la humanidad, con respecto al humano como individuo y sus relaciones con la sociedad.

Como conclusión del ensayo se tomarán los principales conceptos expuestos en esta obra de Goya revalorizando al individuo como ser finito en un contexto no manipulable. Se expondrán tres representaciones utilizando la indumentaria como medio trasmisor del mensaje hoy de Goya.

Humanismo-Ilustración-Romanticismo

Sería necesario para entender una obra de arte no sólo conocer el contexto social en que se da sino también entender su pasado; cómo la sociedad se transforma y a medida que se transforma le da lugar a nuevas expresiones. Se parte del Renacimiento, pasando por el periodo Barroco, en el que se da la Contrarreforma de la Iglesia, el Rococó con Luis XVI, la ilustración con la Revolución Francesa y el Casicismo, y terminar con el Romanticismo, movimiento con el cual se relaciona la obra de Goya.

El Renacimiento (S. XV), marcado por el surgimiento del humanismo, es el momento en la historia en el que el hombre se toma como centro de estudio. El hombre entra en un proceso de búsqueda de la independencia de creencias religiosas, que tendría como fin el encuentro con la verdad de la razón crítica-objetiva, el inicio del movimiento moderno y el surgimiento del hombre ilustrado. El proyecto de la modernidad busca poner al servicio de la vida cotidiana del hombre el conocimiento del campo científico, normativo y artístico.

En el campo artístico podría decirse que, al ejercer la razón crítica, el artista empieza a reconocerse como individuo creador y autor de una obra independiente de los cánones de representación establecidos por la iglesia, casi iconográficos del medioevo, pasa a la representación del hombre de una forma idealizada, basándose en conocimientos científicos desarrollados en la época, como es el estudio de la anatomía y el reencuentro con la cultura greco-romana, en la que se sobrepasa la idea del hombre con su ideal La autonomía del artista no se observa de forma inmediata, es el inicio de un proceso, pues durante los siglos XV y XVI, la iglesia aún actuaba como comitente junto a la emergente burguesía, la cual dominaría posteriormente los encargos del ámbito artístico junto a la nobleza.

Se podría decir que en el Manierismo (1560-1615 d.c), se desarrolla un juego con la forma establecida, que una vez conocida se busca deformar, el artista se deja llevar por sus gustos, el ideal deja de ser la perfección y se transforma en la forma rebuscada, exacerbar lo feo, lo viejo en contraposición a lo bello. Se desarrolla en cortes privadas y en círculos de intelectuales. “(… ) se patrocinó un arte exagerado, críptico a veces, sólo apto para iniciados y paladares exquisitos, capaces de apreciar los significados ocultos de la violación y retorcimiento de las reglas pictóricas” (Arte Historia, 2010).

El barroco (S.XVII) introduce el dramatismo, la teatralidad y lo emotivo-expresivo en el arte, se rescataría la fantasía y la imaginación del espectador, el enfoque se da sobre el hombre individual menos distante de la obra, se podría decir que la Iglesia Católica busca sensibilizar al espectador por medio del lenguaje generado por el Barroco, tratando de ganar la batalla contra la Reforma Luterana. En esta época se rescatan filósofos como Descartes, la exploración y conocimiento de nuevas culturas como las Indias y América.

Por otra parte en el Rococó (principios S.XVIII) este movimiento nace en Francia impuesto por la corte de Luís XVI, en donde se le da permiso a lo decorativo. En este movimiento se rescata la opulencia y elegancia que contrastan con el pesimismo del Barroco, un estilo absolutamente aristocrático que tiene su fin con la Revolución Francesa (1789 d.c), en la que el estilo predominante será el clasicismo (S.XVIII). Como movimiento estético refleja los principios intelectuales de la ilustración que desde mediados del siglo XVIII se produjeron en la filosofía y se transmitieron al ámbito cultural, lo que buscaría es iluminar a la humanidad por medio del uso de la razón, el sujeto como unidad dentro de un sistema, retoma las representaciones ideales del Renacimiento, con temáticas mitológicas. Como respuesta a este movimiento surge el romanticismo a finales del siglo XVIII, el cual le da prioridad al sentimiento. Es un movimiento que se da en los ámbitos filosófico, político, social y estético. Los románticos critican la Razón Ilustrada y consideran que la razón no lleva al conocimiento de la verdad solo por el saber, sino por la unión del saber y el sentir. Rescatan el sentido trágico de la vida, son conscientes de la finitud del hombre, el amor, la locura, la subjetividad, la libertad, las particularidades y el nacionalismo.

Una vez que el hombre se concede la libertad de pensar más allá de lo que se le impone como credo, al generarse este vacío está en constante búsqueda de una verdad. En la Edad Media fue la Iglesia el centro mientras que en este momento se rompe con esto y la deidad se vuelve el Estado. El hombre se da cuenta de que al Estado no le llena esta necesidad de verdad y decide buscar en la conciencia, se pierde al tomarse como unidad de un sistema y luego decide encontrarse por medio del conocimiento, tanto del saber como del sentir.

Sería necesario entender el proceso para comprender las expresiones ya que responderían a la libertad concedida al artista en cierto periodo histórico, no una libertad física sino una libertad intelectual generada por cuestionamientos filosóficos que se dan en la cultura.

La serie de las Pinturas Negras de Goya son claramente románticas ya que aluden a ese sentido trágico de la vida, sobre todo los cuestionamientos asociados a la muerte y la locura.

A continuación se hará una breve descripción de la vida de Francisco de Goya, para así entender de mejor manera y puntualmente a este pintor en su contexto.

Francisco de Goya

Francisco de Goya (1746-1828) fue un pintor y grabador español.

Considerado como precursor del arte moderno, se lo podría describir como un pintor excepcional, complejo e inconformista.

Goya sería un crítico apasionado de una sociedad que buscó arraigarse nostálgicamente al pasado aristocrático y una sociedad con enfrentamientos políticos y sociales, que generarían en Goya esa angustia frente a un mundo incomprensible, causante de inquietudes trágicas.

Pinturas Negras - Lo Sublime Terrible

Esta serie de pinturas que se encontraban en la Quinta del Sordo decorando sus paredes son llamadas Pinturas Negras.

Son cuadros pintados por Goya con la técnica de óleo al seco sobre una superficie de revoco en la pared. Consta de catorce cuadros, a los cuales originalmente Goya no les había puesto un título, pero que tras su muerte y para ser catalogados recibieron los nombres de: Perro Semihundido, La Lectura o Los Políticos, Dos Frailes, El Aquelarre, Judith y Holofernes, Una Manola, Peregrinación a la Fuente de San Isidro, La Romería de San Isidro, Las Parcas o Atropos, Saturno Devorando a un Hijo, Dos Viejos Comiendo y Asmodea.

Estas pinturas reciben su nombre por el uso de pigmentos oscuros y negros, así como por el carácter sombrío de su temática.

La temática de estas pinturas estaría relacionada a la enfermedad que sufría Goya después del invierno de 1792, en el cual sufre durante un año una enfermedad hasta ahora desconocida por la cual queda sordo, presenta algunos problemas de equilibrio y de visión, se recupera en parte, pero la sordera será irreversible. Esto hace que Goya empiece una nueva etapa artística, tuvo que adaptarse a un nuevo estilo de vida ya que la sordera hace que el pintor inicie un proceso de introversión y aislamiento. Esto lo introduce en la reproducción de temas relacionados al pesimismo, la representación de una realidad deformada y lo grotesco, que se podría decir son manifestación del aislamiento y de singular interpretación de aquello que le toca vivir.

Entre 1819 y 1823 Goya produce las Pinturas Negras, de esta serie se ha decidido tomar tres pinturas para que sean analizadas, las cuales luego serán traducidas a los indumentos.

Saturno Devorando a un Hijo, 1820-1823

Esta imagen se podría decir que recoge una extraña composición mitológica, la imagen de aquel dios primigenio cuando ya ha empezado a devorar a uno de sus hijos para evitar que ninguno de ellos pudiera ocupar su puesto. Es una de la imágenes más expresivas de las Pinturas Negras. La figura no tiene ninguna alusión temporal ni espacial, colocado como está, en un espacio oscuro lo cual permite destacar el monstruoso aspecto de este dios terrorífico. La imagen se da por sobre posición de oscuros y claros. Sobre la paleta limitada a los marrones destaca el rojo de la sangre del devorado. Prima el trazo sobre el dibujo, se logra la pura expresión de terror y desesperación, la agresividad del devorador y la pasividad del devorado. Se podría decir que se relaciona a un sentimiento tan humano como lo es perder el poder.

La Romería de San Isidro, 1820-1823

Todo lo fantástico, terrorífico y demoníaco es la base temática en esta pintura. Esta “romería” estaría relacionada con la Fiesta de San Isidro en Madrid. En esta pintura Goya utilizaría el tema para expresar las supersticiones e ignorancia del pueblo.

Una de las principales características de la pintura romántica de la época de Goya tenía como temática la “Contemplación de la Contemplación” (Argullol, La atracción del Abismo) en la que el sujeto se introduce en la contemplación de su propia naturaleza, aquello que es o cree ser y en aquello que cree.

La muchedumbre en esta pintura va horrorizada, sus rostros están distorsionados y han perdido toda nitidez de rasgos, se confunden con el paisaje nocturno oscuros y deshuma nizados. Esta pintura se podría decir que es una clara crítica a la religiosidad española, una crítica a lo que representa la verdad para el pueblo al cual trata como una masa enajenada que diluye su identidad en aquellas creencias. El horror del desamparo, en el que se contempla tanto el abandono de la persona como el abandono de aquel en el que creen.

Perro Semihundido, 1820-1823

Esta es considerada una de las más enigmáticas de las Pinturas Negras. La cabeza de un perro aparece tras una mancha de color, la cual Goya no definió, a diferencia del resto, ésta se da en un espacio desnudo y vacío. El perro dirige su mirada hacia arriba, como mirando algo o a alguien que está fuera de la composición. Esta pintura estaría relacionada a la fatalidad de la muerte.

Se podría decir que la invocación de la muerte de alguna manera es la invocación a la vida. Como se observa en otras pinturas de Goya hay una fuerte crítica a la religión, pero si este cuadro está relacionado a la muerte, en su composición devela la disolución del espacio y el tiempo en la nada y así entre el ser y la naturaleza, en el caso de Goya, su enfermedad.

Se produce un quiebre que lleva a la luz y la claridad del ser.

Freud - Las causantes de la angustia humana

Según indica Freud (1929) el humano tiene tres fuentes de sufrimiento: la supremacía de la naturaleza sobre el hombre, la caducidad del cuerpo y la insuficiencia de métodos para regular las relaciones humanas. Se podría decir que está claro que las primeras dos fuentes son inevitables, esto no quiere decir que sean aceptables, aunque Freud (1929) sugiere resignación ante éstas. La tercera causa sería hipotéticamente manejable pero constantemente angustiante en el intento de un simulacro de armonía entre dos o más sujetos.

Al haber analizado estas tres obras, se podría decir que en las Pinturas Negras de Goya hay un testamento estético donde la primicia absoluta la tiene el inconsciente, pues intenta reflejar en la plástica estados de subjetividad ligados a su propia experiencia que luego asociándolo a temas que no solo están relacionados a él sino a la sociedad en la que vive, pone en relevancia a una sociedad enferma y algo monstruosa, características que también podría observar en él. Existe como un descubrimiento que parte de Goya, se canaliza en lo social para luego develar más del pintor y su visión sobre él y de aquello que lo rodea.

Con respecto a lo indicado por Freud (1929), el pintor lograría una resignación con la naturaleza, la cual enmarca o abstrae de sus cuadros, pero no sucedería lo mismo con la caducidad del cuerpo, a esto Goya parece no resignarse. Es más, se podría decir que en los cuadros aparece en una constate lucha con él mismo. Esto se podría observar en Saturno Devorando a un Hijo, relacionándolo a la pérdida de poder sobre su propia condición. En el cuadro en el que probablemente se encuentra una resignación se podría decir que es en Perro Semihundido, como si en la extinción se encontrara la respuesta a la angustia.

Con respecto al tercer punto, el intento de regular las relaciones humanas, a Goya se lo observa como una especie de cronista crítico sobre la incapacidad de esta regulación. La mayoría de los personajes en estas pinturas están como deshumanizados hasta el punto que deviene simplemente una sobra fantasmagórica del ser. Representa un sujeto enajenado, horrorizado, burlón, ignorante de su propia existencia.

Las Pinturas Negras de Goya se podrían describir como un instante desesperado previo a la extinción, no sólo de Goya sino de aquella sociedad que le rodea y cómo la conoce en su propia oscuridad.

Conclusión

En conclusión se podría decir que el proceso de Goya en esta obra sería una búsqueda de la identidad por medio del ahondamiento del dolor como una aventura a través de su propio sufrimiento. Estas obras se podrían considerar expresión crítica de cuestionamientos con el propio cuerpo así como con aquello que le rodea. Asociando los conceptos, técnica y paleta de Goya se podrían trasladar a otros tipos de lenguaje.

El indumento como la expresión de creación más cercana al cuerpo y en sí portable, es el lenguaje que se elige por su capacidad contenedora del cuerpo tan humanizado en su deshumanización por Goya. Se utilizará la paleta con base en tonos marrones y negros, se tomará como color secundario el crudo sucio para acentuaciones de la carne y el rojo como color focal en relación con la sangre. Las texturas a utilizar también están relacionadas con las texturas utilizadas por Goya en las pinturas, utilizando los pliegues como trazos sobre el cuerpo. Los detalles de construcción serán como una desintegración del mismo cuerpo que contiene y es ahí donde sucede la desfiguración, en la fragmentación del cuerpo y así del individuo.

En el primer diseño se observa principalmente una desintegración en la parte superior del cuerpo, relacionada con la pintura La Romería de San Isidro, en aquella integración de la masa, un brazo con una manga drapeada en color rojo fragmentada con un corte es la pérdida del brazo que se observa en Saturno Devorando a un Hijo, y el otro brazo expuesto despojado de protección, y el cuerpo que se hunde en una masa negra plisada relacionada a los fondos donde en la romería aquellos rostros, y en este caso el cuerpo, se pierde.

El segundo vestido está relacionado con Saturno Devorando a un Hijo, el canesú en la parte superior que fracciona el pecho en un juego por separarlo de la cabeza crea una corriente de sangre como la que se observa en la pintura. Mantiene la asimetría que esconde un brazo (el devorado) y el otro ensangrentado, rojo sobre tela cruda.

El tercer conjunto representa una mezcla de Perro Semihundido y Saturno Devorando a un Hijo, en este caso el abrigo representa al cuerpo del hijo de Saturno en lo visual y en lo estructural está relacionado a Perro Semihundido. El perro da una sensación de vuelo y contención, los pantalones al igual que en el primer vestido, se relacionan a lo terrenal y a su peso enraizando al cuerpo.

Las pinturas de Goya poseen un lenguaje universal de expresión que puede ser traducido y trasladado a cualquier época, pues ha sabido plasmar el lado oscuro del hombre, sus cuestiones existenciales, con la sociedad y sus limitantes. Es ahí donde se encuentra lo finito del hombre en su propia subjetividad, que al ser transformada en objeto creativo se torna infinita conviviendo con aquel contexto que no se puede manipular.

Bibliografía

Kant,E. 1784, ¿Que es la ilustración?

Arte Historia (2010), Manierismo: recuperado el 15/11/10 en: http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/estilos/3.htm

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Freud(1920), El malestar de la Cultura

Biografías y Vidas, Goya (2010): recuperado el 24/11/10 en:http://www.biografiasyvidas.com/monografia/goya/

Wikilingue, Francisco de Goya (2010) Recuperado el 24/11/10 en: http://es.wikilingue.com/pt/Francisco_de_Goya

Museo del Prado, Francisco de Goya y Lucientes (2010) Recuperado el 1/12/10 en: http://www.museodelprado.es/enciclopedia/enciclopedia-on-line/voz/pinturas-negras-goya/

Argullol, R. La atracción del abismo. Madrid. Blume. Salvat Editores, El Gran Arte en la Pintura. 1985.


Las Pinturas Negras de Francisco Goya fue publicado de la página 81 a página84 en Creación y Producción en Diseño y Comunicación Nº39

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