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Lucila Penedo y Novoa

D´ Elia, Denisse

Creación y Producción en Diseño y Comunicación Nº42

Creación y Producción en Diseño y Comunicación Nº42

ISSN: 1668-5229

Ensayos sobre la Imagen. Edición IX Trabajos de estudiantes de la Facultad de Diseño y Comunicación

Año VIII, Vol. 42, Noviembre 2011, Buenos Aires, Argentina | 121 páginas

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Introducción

Se tratará a continuación la vida de Lucila Penedo y Novoa, desde su infancia, familia y estudios, hasta su contacto con la fotografía. Sus primeros trabajos, sus viajes y su posición actual respecto a esto.

Por otra parte se analizará su obra, conectándola con sus autores favoritos y referentes, reflexionando acerca de qué desea expresar la artista. Se intenta reflexionar también acerca de qué movimiento artístico une a su obra con el pasado.

Desarrollo

Capítulo 1: Ella

En 24 de marzo de 1976 se desata en Argentina un nuevo golpe de Estado encabezado por Rafael Videla, destituyendo a Isabel Perón. En 1977 mucha gente, así como los opositores al régimen, eran perseguidos y desaparecían siendo torturados en centros clandestinos de detención, generando un caos social. Es por eso que muchas personas, así como músicos importantes como Charly García, tuvieron que exiliarse.

Así fue como la familia Penedo, debido a sus ideologías políticas, se mudó a Madrid, España. Y en 1978 nació allí su hija Lucila Penedo y Novoa. Pasaron cinco años más hasta que ella con su familia, una vez finalizada la dictadura, vuelven a la Argentina con la democracia reinstaurada.

Lucila recibe a los 15 años su primera cámara fotográfica como un regalo de su padre, pero al no saber usarla pasa tres años sin tocarla. Así que, recién a los 18 empieza a conocer de fotografía, a saber manejarla y poder sacar fotos. Al mismo tiempo se gradúa en la secundaria y estudia historia en la UBA.

A los 21 empecé a estudiar fotografía y en paralelo seguía estudiando historia, porque tenía que seguir una carrera universitaria. Estudiaba historia que me gustaba y me iba bien pero me daba mucho miedo dar finales porque eran orales y me ponía muy nerviosa. De igual manera me iba bien porque todos los que di me saqué ocho. Pero en un momento decidí dejar historia porque no era algo en lo que yo me veía trabajando, declara.

En el 2000, a los 21 años empieza a estudiar fotografía en la academia de Andy Goldstein hasta el 2002, entre otros cursos que se daban en la misma academia. En el 2003 una vez finalizado el curso, decide irse a España con su pareja y comienza a pensar qué hacer con su carrera. En Madrid dio por primera vez clases de fotografía estenopeica (fotografías hechas con cajas, con elementos básicos y sin lente de cristal, sino por medio de un “estenopo” que es un orificio muy pequeño en la caja por donde entran los rayos de luz formando en el material sensible la imagen menos nítida que la captura de una cámara convencional) en un centro de refugiados africanos y en centros culturales. Fue una experiencia muy buena para ella. Su estadía en España duró alrededor de cuatro meses y se volvió a Argentina.

En el 2004 sus trabajos no se aplicaron concretamente a la fotografía, sino en ser secretaria en cosas completamente diferentes.

En el 2005 comienza a trabajar como asistente de un fotógrafo freelance. Ella hasta este momento iba tomando diferentes trabajos para saber que era lo que verdaderamente le gustaba de la fotografía. Este trabajo fue una gran enseñanza en lo que refiere a modelaje (fotografía con modelos) o producto (fotografía comercial de determinados objetos, generalmente son productos que podemos comprar, así como: vinos, perfumes, etc.). Abordar estas áreas en el estudio fotográfico le dio experiencia, en sus anteriores cursos jamás había trabajado en esos ámbitos. Fue otro gran paso en la fotografía. Pero decidió que eso tampoco le gustaba y lo dejó.

Ese mismo año se muda sola y el trabajo de asistente de ese fotógrafo no le alcanzaba para sustentar su vida, así que decide buscarse un trabajo fijo y es así que en el 2006 comienza a trabajar en la agencia de fotografía publicitaria de unos amigos. Allí realizó diferentes tareas. Cuando la agencia se agrandó y exigió más dedicación, empezó a colaborar la producción. Terminó, finalmente, siendo coordinadora de producción.

Penedo y Novoa toma esta etapa como otra fuente de crecimiento muy importante en su vida, que le enseñó a poder desenvolverse mejor superando su timidez. Al cabo de unos años se dio cuenta que tampoco le agradaba trabajar ahí.

En ese año empieza a trabajar como profesora en la Universidad de Palermo en la cátedra de Taller de fotografía II: revelado blanco y negro, en donde enseña las técnicas de revelado tanto del negativo blanco y negro hasta el papel y como desenvolverse en un laboratorio fotográfico. Paralelamente da clases en un instituto llamado ISEC, terciario, y por su cuenta con grupos haciendo propagandas por internet por distintas redes sociales.

Capítulo 2: Fotógrafos

Hubo dos preguntas en mi entrevista y fueron: “¿Qué artistas (fotógrafos) te gustaban cuando empezaste a fotografiar? Y ¿Cuáles te gustan ahora?” A lo que respondió:

Los que a mi me encantaban al principio eran Sarah Moon, Weegee, Diana Arbus, Marcos López, Ariana Lestido.

Y ahora me gusta Diana Arbus, Weegee, Martin Parr, Sander, Rineke Dijkstra, Graham, Marcos Lopez me sigue gustando mucho, Nicola Constantino, Robert Frank, Geraldine Lanteri más allá que además sea mi amiga y Richard Avedon.

Al momento de ver algunos de sus trabajos, luego de revisar los nombres que ella me había dado de quienes le gustaban encontré muchas coincidencias entre sus fotografías y muchos de sus fotógrafos favoritos. Tomé como referencia dos de ellos con particularidades diferentes que se pueden comparar con ella.

La primera es Rineke Dijkstra, holandesa nacida en Sittard en 1959, quien analizando sus trabajos en la universidad y por cuenta propia ella trabaja mucho con lo que es el efecto “tiempo-persona”. Cómo el tiempo actúa sobre nosotros y nos modifica, nos transforma. Para esto es necesario trabajar con largos períodos de tiempo, durante largos años. Ella trabajó sobre varias personas fotografiándolas a lo largo de los años y mostrando abiertamente sus cambios y modificaciones que sufren.

Su trabajo más conocido es una sesión de fotos a un joven que se alista en el ejercito y nombró la serie con el nombre del joven: Olivier. La comparación con Lucila la explica ella misma con sus palabras:

De hecho fueron fotos que yo saqué durante bastante tiempo y sin tener muy en claro de que se trataba. Después cobró más sentido (…) fue algo muy general y lo fui editando con ese sentido que quise representar. (…) Eso yo me di cuenta cuando las fui editando, dándole un cierre, pensando qué es lo que a mi me gustaría que la gente viera cuando ve esas fotos: un momento de la vida que tiene que ver con la llegada a la adultez, las complejidades y las incertidumbres que la etapa presenta y su relación respecto al momento presente.

Apunto a que, para poder formar las series “Limbo” “Hogar” y “Come Fideos” le llevó un tiempo sacando fotos sin un fin hasta que luego les encontró un sentido y lo armó a su manera. Eran fotos sueltas, fotos que ella misma dice que había sacado en los ejercicios que había hecho en los cursos que había cursado para poder perfeccionarse en la fotografía.

El siguiente fotógrafo con el que lo comparo de su lista es Weegee que es un seudónimo de Arthur Fellig nacido en 1899 en Ucrania, fue un reportero gráfico destacado en la década de 1940 en Nueva York, Estados Unidos. Es conocido por sus descarnadas fotografías en blanco y negro. Al ser un fotógrafo documental su especialización era fotografiar una escena única e irrepetible, sin armar tal cual como la encontraba él. Generalmente fotografiaba escenas de crímenes entre otras cosas. Tomé una fotografía instantánea de él para poder comparar.

Lucila, en su biografía, aclara que descubrió que la clasificación que más le gusta de la fotografía fue la documental, tal como capturaba Weegee. Y que le encantaría poder trabajar como reportera gráfica para un diario. Esta instantaneidad que contiene la fotografía documental está presente también en las series de fotografía de Lucila, que la utiliza para darle un sentimiento o un contexto a su obra. Elegí en comparación a Weegee una fotografía que me pareció bastante parecida y más que nada en los sentimientos. Esa forma espontánea de un abrazo que nos cuesta ver, es un sentimiento indescifrable, son sentimientos íntimos que jamás sabremos. La posición de ambos, su gestualidad, es tan natural, tan pura, al igual que la fotografía de Lucila que si bien no se ven las caras, la pose connota absolutamente todo entre ellos.

Capítulo 3: Barroco

Decidí destinar el último capítulo de mi investigación en ver con detalle las fotografías de Lucila y armar un parecido con algún movimiento artístico de época. Mi elección fue el barroco.

El Barroco fue una corriente cultural que abarcó todas las manifestaciones artísticas desde los inicios del 1600, extendiéndose a lo largo de aproximadamente 150 años. Este período de revolución artística se manifestó en los campos de la escultura, arquitectura, literatura, arte y música. Los motivos del surgimiento de esta nueva manifestación se dieron por varios factores, especialmente relacionados con el mayor exponente de la iglesia católica: el Vaticano. Éste se encontraba bajo duras críticas por parte de diversos sectores, que cuestionaban sus actos de corrupción, la reforma protestante estaba haciéndose sentir, cuestionando a la iglesia católica con la existencia de la virginidad de María y la autoridad del Papa, factores que debilitaban profundamente el poder del clero. En el barroco se puede ver la manipulación del claro oscuro y la tensión que se marca, a diferencia del renacimiento en donde las pinturas tenían una cierta simetría, y la escena estaba perfectamente iluminada.

Dentro del barroco muchos autores se dedicaron a pintar sobre este movimiento artístico y entre muchos de ellos decidí mirar con detalle a Rembrandt Harmenszoon van Rijn (Leiden, 15 de julio de 1606 - Ámsterdam, 4 de octubre de 1669).

Fue pintor, y grabador holandés. Entre los mayores logros creativos de Rembrandt están los magistrales retratos que realizó para sus contemporáneos, sus autorretratos y sus ilustraciones de escenas bíblicas.

Las obras de Rembrandt tienen un claroscuro muy marcado.

Generalmente la zona con mayor iluminación está sobre el centro de la pintura o muchas veces solo hay pintura en el centro, generando así como un viñetado. Por su lado Lucila utiliza este viñetado en muchas de sus fotografías y con un efecto que se muestra el claroscuro en sus escenas.

Tomando ejemplos de este pintor barroco enfocado mayoritariamente a los retratos utilicé una pintura con una dama marcando lo que dije con anterioridad respecto a la zona con mayor iluminación, se puede ver que solo hay un círculo en el centro con el retrato y luego es negro hasta los bordes del lienzo. Tomando en comparación un retrato con la serie fotográfica de “Come Fideos” se observa con mayor claridad lo que dijimos de las luces y las situaciones que captura Lucila y como queda su forma viñetiada alrededor de la persona (6).

Por otro lado Rembrandt no solo se dedicaba a pintar retratos, sino también contextos como una pintura que encontré muy famosa de él llamada The philosopher in meditation. Marca la escena de un filósofo en meditación tanto la persona como el contexto de ésta. La pintura tiene un estilo muy documental que se encuentra con el estilo de captura de Lucila. Se vuelve a ver un viñetado bien marcado por un negro puro y duro en forma de círculo exceptuando el pequeño personaje con el fuego a un costado, que no es el punto central de la pintura.

Para poder comparar esta clase de situación con Lucila encontré una fotografía de la serie “Limbo” que se muestra a la muchacha enmarcada por la oscuridad del cielo, la falta de luz y las rocas mostrando su expresión y su cuerpo con el contexto. Debido a su alrededor podremos saber porque está vestida de tal manera con esas ropas. Una comparación altamente potente entre las dos imágenes refiere al color. Se puede ver en Rembrandt que predomina un solo color, ese color amarillo de atardecer que choca en las paredes, aún más con el fuego a un costado. Toda la escena se compone de una misma escala tonal y eso le da una unión. Por otro lado la fotografía de Lucila muestra otra escala tonal pero no inclinándose a un amarillo sino a un gris oscuro, más allá que la fotografía es de color. Si bien hay algunos colores que persuaden, como la piel, la imagen está tan apagada que no interrumpe esa escala armoniosa en la foto, que se crea con la remera de la joven, y además se aumenta con el cielo y las rocas con el viñetado correspondiente. Y por último ambas fotografías dan una calma, tanto sea por el personaje y su pose como su ambiente.

Conclusión

En conclusión puedo decir que Lucila Penedo debido a su edad y a su profesionalismo por el paso de diferentes trabajos y diferentes experiencias que tiene una larga carrera de fotógrafa a desarrollar y a mostrar con el paso de los años, tomando generalmente lo que más le gusta a ella y que podemos visualizar: la instantaneidad. Esa magia que nos otorga la fotografía y que es invisible al ojo humano. Lo desarrolla de la manera en que ella se encuentra más cómoda para mostrarnos lo que ella quiere ver: su entorno, sus amigos, lugares a los que ella frecuenta. Bajo mi punto de vista su trabajo es impecable, si bien tiene sus vueltas hay que saber contextualizarlos y darle ese sentido que no tiene por uno mismo.

Pero por otro lado lo veo incompleto, veo en ella demasiado potencial para explotar y aún no lo hizo por falta de tiempo para poder dedicarse a sus fotografías. Pero confío que a medida que pasen los años su porfolio fotográfico va a ser más amplio, siguiendo en la línea de fotografía documental mostrando más ámbitos y nuevas situaciones.


Lucila Penedo y Novoa fue publicado de la página 81 a página83 en Creación y Producción en Diseño y Comunicación Nº42

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