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Jóvenes en busca de su espacio.

Noriega, Eva [ver currículum del autor, docente de la Facultad de Diseño y Comunicación]

Escritos en la Facultad Nº98

Escritos en la Facultad Nº98

ISSN: 1669-2306

Trabajos Finales de Grado presentados y aprobados [Resúmenes] de todas las carreras de grado de la Facultad y de los ciclos de Licenciatura en Diseño y de Licenciatura en Negocios de Diseño y Comunicación Cursada Segundo Cuatrimestre 2013 - E

Año X, Vol. 98, Julio 2014, Buenos Aires, Argentina | 92 páginas

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En este nuevo ciclo de trabajos finales de grado se presentaron seis propuestas pertenecientes a las disciplinas Diseño de Espectáculos, Dirección Teatral y Comunicación Audiovisual. Uno de los rasgos en común que presentan los Proyectos de graduación aquí señalados tiene que ver con el planteo de una investigación exploratoria sobre temas basados en la recreación, ampliación y regulación de espacios que permitan el ejercicio profesional o de espacios pensados como escenarios o pantallas donde el trabajo concreto de artistas y escenógrafos plasme obras que marcan una trayectoria que es preciso investigar: los autores de este ciclo se interesan por un espacio de representación teatral que emerge por fuera del circuito comercial dando lugar al género Musical independiente; por un espacio escenográfico que cobra vida fuera del escenario tradicional y va en busca del peatón, del ciudadano para ponerlo en situación de espectador; por escenarios donde convergen el teatro y el cine; y por espacios-tiempo en los cuales una situación particular hace surgir nuevas tendencias cinematográficas como el Nuevo Cine Argentino de los ’90 y sus directores pero a este espacio propicio hay que planificarlo, protegerlo y regularlo para que se convierta en una industria y adquiera valor cultural, como el trabajo que sostiene la urgente necesidad de regular y proteger al sector audiovisual en Paraguay mediante una ley de cine. Entonces, a través de sus motivaciones personales y disciplinares lo que los autores proponen son formas posibles de habitar ese espacio.

Los Proyectos de graduación están encuadrados en las categorías Ensayo y Proyecto Profesional y pertenecen a las Líneas temáticas Historias y Tendencias y Medios y estrategias de comunicación.

Resumen de los Proyectos de Graduación 
El grupo de Proyectos de Graduación que componen el presente Ciclo de Evaluación comienza con el trabajo escrito por Carolina Belén Casasola Narti y se titula: Más allá de la palabra. Un lenguaje escenográfico, La Fura dels Baus. La autora realiza una investigación centrada en la ruptura y reconfiguración del espacio escénico en la trayectoria artística del grupo teatral La Fura dels Baus que incluye asimismo el cambio que esto conlleva en el rol del espectador y la exploración de nuevas tecnologías escénicas como marca característica del grupo que tendrían su impacto en Argentina al inspirar el surgimiento de colectivos teatrales como De La Guarda, Fuerza Bruta o el TSO. La autora considera el concepto de espacio escénico un término fundamental para comprender las experiencias teatrales del siglo XX guiadas por la búsqueda de “acercar actores y espectadores, facilitando la interacción de los mismos”, por eso afirma: 

El objetivo que se planteaba era el dejar de lado el teatro contemplativo para transformarlo en un teatro participativo, en el que los espectadores lograran una plena vinculación con el espectáculo, es decir, generar la unión de la sala y el escenario. (Casasola Narti, 2014) 

Pero esta propuesta de vanguardia tiene, a su vez, similitudes con el teatro medieval y a través de esta proposición la autora indaga en el lenguaje furero reconociendo lo que hay de nuevo y de antiguo: “Por lo tanto, este lenguaje que no se basa en la palabra, se expresa a través de la espacialidad, de la imagen que genera junto con el aparato escénico y el impacto que produce el sonido.” (Casasola Narti, 2014); se trata aquí de reconocer como espacio no solo a los espacios teatrales tradicionales sino de abarcar emplazamientos urbanos: “En muchos casos, los espacios intervenidos, son arquitecturas presentes en la urbe, por lo que se termina por rozar con lo cotidiano de la vida del hombre” (Casasola Narti, 2014). A lo largo del trabajo la autora da precisiones sobre los cambios e incorporaciones que hizo el grupo teatral estudiado como las tecnologías mecánicas y de proyección de imágenes que ayudan a redefinir conceptualmente el tema abordado dentro de la estética contemporánea y llevan a la autora a formular la siguiente reflexión: 

El teatro, se ha convertido en un ámbito totalmente híbrido, entre artes escénicas y tecnología digital; así como ha sido incorporada la performance, body art, artes sonoras, artes locativas en la cual se incluye el GPS y los geolocalizadores. El término espacio escénico no sería suficiente. Se podría llamar entonces, artes en vivo, sucesos artísticos en tiempo real y con una acción artística en vivo (Casasola Narti, 2014).

Con un interés similar al de la autora Casasola Narti el Proyecto de Graduación de Jorgelina Monsalve que se titula: Entre lentes y Tablas. Creación y diseño de un guión convergente entre el cine y el teatro, se dedica a explorar desde la perspectiva de la escritura del Guión de Cine y Tv los posibles cruces entre el cine y el teatro con el fin de contribuir a un Proyecto profesional que incluya proyecciones de video dentro de una obra de teatro. Dentro de este recorrido la autora reconoce ya en el “cine primitivo” realizado por los pioneros en el uso del cinematógrafo influencias del espectáculo teatral cuando afirma: 

Un pionero en este sentido fue el director francés Georges Méliès que introdujo en sus películas elementos como la escenografía y la cámara fija, intentando imitar la visión de un espectador teatral que podía observar toda la puesta en escena sin necesidad de trasladarse. Pero la importancia de la obra de Mèlies, al menos para la industria cinematográfica, radica en su capacidad de imaginación, que lo llevó a tender los primeros trazos del lenguaje audiovisual. (Monsalve, 2014)

Y por otro lado, la autora también reconoce en la evolución teatral el surgimiento del director de escena cuyos aportes a la noción de espacio le permitirían al teatro romper con “los modelos antiguos”. El concepto de convergencia en los medios y las artes actuales lleva a la autora a proponer la descripción de un modelo de Guión convergente como metodología para llevar adelante “obras teatrales con contenido multimedia”, para el cual se siguen determinados pasos, según la autora: “El guión convergente no busca corromper el libreto teatral, sino que pretende incluir elementos de relevancia en un mismo documento. Para esto es necesario saber cuáles de ellos son importantes y porqué deben presentarse en el mismo” (Monsalve, 2014), esta forma toma como base el libreto teatral para incluir indicaciones de puesta en escena audiovisual que se dirigen a un equipo de trabajo heterogéneo. Lo interesante de este trabajo es el proceso reflexivo con que la autora acompaña su desarrollo señalando las cosas que fueron dejadas de lado en el camino de escritura del guión, los criterios particulares en función de la obra teatral y la experiencia estética que se busca generar en el espectador: 

La propuesta estética de las proyecciones audiovisuales insertadas en la obra en cuestión toma como base el costumbrismo, ubicando las locaciones exteriores en la ciudad de Tandil, mientras que los interiores son realizados en casas con una decoración con reminiscencia a la década de los años 90 (Monsalve, 2014).

Y en la evaluación del Guión convergente la autora concluye:

Este tipo de guión representa una herramienta que simplifica algunos complejos aspectos generales como particulares. Es de utilidad para todas las personas del equipo, ya que detalla aspectos importantes de la obra y da la opción de verlos en una lectura rápida. (Monsalve, 2014).

Siguiendo la línea disciplinar del Diseño de Espectáculos la autora Ana Josefina Salerno examina en su trabajo titulado: La ciudad como espacio escenográfico en la actualidad. La escenografía no conoce límites, la expansión del campo profesional del escenógrafo a la luz del arte contemporáneo y las tendencias que toman el espacio público como centro, escenario o posibilidad expresiva. La autora presenta un sólido recorrido teórico por las sucesivas transformaciones del concepto de espacio escenográfico que llevan considerar la ciudad como un espacio no convencional de prácticas artísticas, enfocándose en una actividad que atrae tanto a artistas, a directores de teatro, a publicistas como a diversas instituciones que son las intervenciones urbanas. Como dice la autora: “Hace mucho tiempo (que) el espacio urbano es motivo de expresión para los ciudadanos. Consecuentemente los artistas vieron en éste, una estancia apta para todo tipo de intervenciones y expresiones artísticas” (Salerno, 2014). Otro aspecto interesante que surge de su investigación es la emergencia del escenógrafo con un perfil que no sigue métodos académicos (solamente) sino que se nutre de su sensibilidad y experiencia y la aparición del “ciudadano como espectador y actor” que para Adolphe Appia representa “la obra de arte viviente” que da vida a la representación. La mirada de la autora hace foco en el reconocimiento de aquellas formas de arte contemporáneo que más aportaron a resignificar el concepto de espacio analizando minuciosamente: el happening como expresión del arte efímero, el Land Art que entabla relación con un espacio más ligado a la naturaleza, el Mapping, que consiste proyecciones a gran escala sobre edificios públicos, sin dejar de considerar la performance arquitectónica, las relaciones con la escultura, el mural o el grafiti. Por lo mismo la autora sostiene que “La calle es sinónimo de libertad y parece que el escenógrafo tuviese ciertas limitaciones al respecto, cuando en realidad puede ser un ámbito más que oportuno para su intervención” (Salerno, 2014), al afirmar que la calle, la plaza, el paisaje urbano en general puede enriquecerse con el aporte de las intervenciones escenográficas. 
En el área disciplinar de comunicación audiovisual los dos trabajos que siguen reflejan las inquietudes que surgen en los autores como futuros profesionales, que demuestran una aguda capacidad de análisis de las condiciones de producción cinematográfica en la región y proponen un análisis complejo sobre el estilo del director argentino Pablo Trapero por un lado, y por otro, un proyecto de ley de cine que regule y promueva la actividad audiovisual en Paraguay.
El primer ensayo pertenece a la autora Antonella Cherutti y se titula: El estilo trapero. Lo social y lo masivo. El trabajo brinda una perspectiva contextualizada y compleja sobre una figura destacada del panorama cinematográfico argentino, el realizador Pablo Trapero, para ello la autora desarrolla en profundidad dos conceptos necesariamente vinculados entre sí como son el cine independiente y el cine industrial o mainstream. Es entre estas dos formas de producción que trapero encamina su carrera: “El fenómeno del nuevo cine no se hubiese producido si varios realizadores no se hubieran transformado también en los productores ejecutivos de sus propias películas” (Cherutti, 2014), y dentro de este contexto agrega: 

Hoy en día o se realiza una mega producción con el respaldo de una gran productora reconocida a nivel latinoamericano e internacional si es el caso, o se encuentran a partir de la generación del noventa un grupo de directoresproductores que auto producen sus proyectos. Como es el caso de Pablo Trapero o Daniel Burman. (Cherutti, 2014).

La autora ofrece varios análisis de las primeras y últimas películas del director, en los que caracteriza el estilo de producción, uso de actores profesionales y no profesionales y llega a proponer su visión sobre la forma de hacer cine del director, abarcando los roles principales de productor, guionista, montajista y director y explica con argumentos y ejemplos su pertenencia al Nuevo cine argentino que la autora asocia con el estilo del cine social argentino: 

Una de las ramas que más creció y se diversificó a partir de mediados de los noventa fue la del documental. Y así como el cine ficcional adquiere rasgos del documental, éstos adoptan códigos ficcionales a través de reconstrucciones de sucesos, dramatizaciones y citas de fragmentos de filmes ficcionales. Esta tendencia a la hibridación hace más visible la subjetividad de los realizadores. Se trata de trabajos muy ligados estética y políticamente al NCA” (Cherutti, 2014).

El segundo trabajo del área de comunicación disciplinar pertenece a Mauricio Luis Diez Pérez Ayala titulado: Cine paraguayo. Una ley de cine para la tierra guaraní, asume con dedicación el desafío de plantear un estado de situación de la producción cinematográfica en Paraguay, que se halla en gran medida obstaculizada por la falta de legislación y que según manifiesta su autor cuenta con escasas fuentes de consulta. Por este motivo se destaca el trabajo de investigación así como las entrevistas personales que el autor realizó con personas afines al tema para argumentar porqué es necesaria una ley que regule la actividad audiovisual. Si bien actualmente hay producciones de cine en Paraguay para el autor: 

Existen una cantidad minúscula de producciones que han sido realizadas por un equipo netamente paraguayo. Esto se debe a dos factores principales como el elevado costo de producción y a su vez el mínimo apoyo estatal para impulsar el desarrollo del sector. La solución a este problema es optar generalmente a las coproducciones con otros países. (Diez Pérez Ayala, 2014)

Son experiencias reducidas y de grupos que no pueden desarrollarse de forma sostenida. Esta problemática muestra un contraste visible con la situación de otros países donde el autor observa: 

Distintos factores ha incidido en la conformación de una industria cinematográfica en países como Argentina, Brasil y Cuba, tres de las cinematografías más desarrolladas en América Latina. Entre ellos se puede citar el fortalecimiento desarrollado por el sector cinematográfico, en virtud de haber recibido una mayor atención por parte del estado nacional. (Diez Pérez Ayala, 2014). 

Es en base a este análisis comparativo que el autor destaca los aspectos fundamentales que debe contemplar una la ley de cine como la creación de un instituto de cine que fomente la realización, y a eso: “se suma la realización de los festivales de cine, quienes se convierten en herramientas fundamentales para hacer llegar distintos tipos de producción a los espectadores, ya sea independiente como una de gran producción” (Diez Pérez Ayala, 2014), en este sentido el autor destaca el Congreso de cine Tesapé que se ocupa además de informar sobre los avances del “Pre-proyecto de Ley de Cine para Paraguay”. El autor resalta los puntos fuertes que incluyen “la creación del Instituto del Cine y el Audiovisual Paraguayo, en adelante ICAP, el Fondo de Fomento Audiovisual, el subsidio y exhibición de películas nacionales, el crédito industrial, la comercialización en el exterior, cuota de pantalla, ente otros” (Diez Pérez Ayala, 2014). A pesar de ser un proceso lento el autor afirma: Sin embargo, el futuro en sí no presenta un oscuro panorama a Paraguay, sino que el arduo trabajo realizado por las organizaciones, estudiantes, simpatizantes, y amantes del cine se comienza a percibir en la actualidad…El trabajo, la realización de festivales de cine a nivel nacional, las charlas de fomento a la cinematografía paraguaya, la apertura de la carrera de cine y tv, las realizaciones de cortometrajes y presencia en festivales internacionales, los premios obtenidos; entre otros, son el comienzo de un largo camino que el cine de la tierra guaraní comienza a ser partícipe” (Diez Pérez Ayala, 2014).
El trabajo de Carlos Francisco Navajas Joubert de la Bastide de Chateaumorand titulado: La Fórmula perfecta. El canto y la Danza como lenguajes narrativos dentro del Teatro Musical en Buenos Aires pertenece al área de Dirección Teatral. Busca examinar las artes que componen el teatro musical, pues afirma que se trata de un género en permanente evolución, así se lee “Hay diferentes estilos, formatos, subgéneros, cruces, por lo tanto, aun hoy debe tomarse en cuenta que se trata de un género que todavía está en proceso de formación”(Gorlero, 2011) pero en vez acotar su estudio a las producciones comerciales, el autor enfoca su trabajo en el llamado circuito off y alternativo centrado en la ciudad de buenos Aires argumentando que presenta mayor cantidad y diversidad de propuestas. Primero, el autor presenta las bases teóricas semióticas para abordar el lenguaje teatral, y dar pie al estudio del canto y la danza siempre priorizando en su estudio el teatro musical. La técnica del canto musical, para el autor, otorga mayor versatilidad sobre el escenario que la técnica clásica al afirmar que: 

Esta compleja disciplina es parte de la estructura que completa al Teatro Musical ya que es utilizada como lenguaje para ser empleado cuando ya el texto o las palabras del personaje no son suficientes para decir o expresar lo que se necesita. (Navajas Joubert de la Bastide de Chateaumorand, 2014). 

Para abordar el tratamiento de la danza el autor aclara: 

En la actualidad dentro del Teatro Musical, se habla de lenguajes determinados tanto por la danza clásica como por la danza contemporánea. La danza clásica tiene la particularidad de seguir una misma línea, teniendo un propósito determinado y muy claro que avanza en forma simultánea al texto. (Navajas Joubert de la Bastide de Chateaumorand, 2014)

Y luego enumera diversas técnicas derivadas del Teatro musical. A continuación, el trabajo describe la escena off del Teatro musical de Buenos Aires, caracterizados por ser grupos de jóvenes que autogestionan sus propios proyectos y se detiene en especial en la obra Alicia en Frikiland (2012/2013) concebida como una versión libre de Alicia en el país de las Maravillas recreada por el grupo Random Creativos. El análisis se detiene en la historia y en sus rasgos surrealistas o asombrosos, en la escenografía, el vestuario y la puesta en general con claras referencias a tribus urbanas juveniles. Luego estudia las canciones de la obra y la coreografía así como en otras obras se analiza la danza o la iluminación. Es interesante la visión sobre el teatro musical que despliega el autor, la descripción de su producción reciente y los espacios de formación que se van multiplicando a medida que las obras y los grupos aumentan y el público convocado por estas propuestas teatrales se amplía.
Podemos concluir, a partir de los trabajos presentados, en su mayoría ensayos académicos, que el recorrido trazado por cada uno tiene además de sus objetivos particulares un interés por abordar el espacio, en sus diversas acepciones como espacio de representación teatral tradicional o espacios alternativos, como la calle, edificios o zonas descuidadas para hacer intervenciones, un espacio imaginario realista como forma de visión del espacio real en Trapero, espacios de autogestión, comunitarios y de regulación pública de medios audiovisuales dan cuenta de una intención por habitar esos espacios y de extender los conocimientos mas allá del campo disciplinar hacia zonas de intercambio o fronterizas entre prácticas teatrales, artísticas y audiovisuales o jurídicas y de gestión pública, pues cada vez más las áreas del diseño, del espectáculo, del cine y la cultura tienden a fusionarse.

Referencias bibliográficas 
Casasola Narti, C. (2014) Más allá de la palabra. Un lenguaje escenográfico, La Fura dels Baus. Proyecto de Graduación. Buenos Aires: Universidad de Palermo. Facultad de Diseño y Comunicación. 
Monsalve, J. (2014) Entre lentes y Tablas. Creación y diseño de un guión convergente entre el cine y el teatro. Proyecto de Graduación. Buenos Aires: Universidad de Palermo. Facultad de Diseño y Comunicación. 
Salerno, A. (2014) La ciudad como espacio escenográfico en la actualidad. La escenografía no conoce límites.Proyecto de Graduación. Buenos Aires: Universidad de Palermo. Facultad de Diseño y Comunicación. 
Cherutti, A. (2014) El estilo trapero. Lo social y lo masivo. Proyecto de Graduación. Buenos Aires: Universidad de Palermo. Facultad de Diseño y Comunicación. 
Diez Pérez Ayala, M. (2014) Cine paraguayo. Una ley de cine para la tierra guaraní. Proyecto de Graduación. Buenos Aires: Universidad de Palermo. Facultad de Diseño y Comunicación. 
Navajas Joubert de la Bastide de Chateaumorand, C. (2014) La Fórmula perfecta. El canto y la Danza como lenguajes narrativos dentro del Teatro Musical en Buenos Aires. Proyecto de Graduación. Buenos Aires: Universidad de Palermo. Facultad de Diseño y Comunicación. 

(*) Profesora en Comunicación Audiovisual (UNLP). Es docente de la Universidad de Palermo en el Departamento Audiovisual de la Facultad de Diseño y Comunicación. Miembro del Equipo de Evaluación de Proyecto de Graduación de la Facultad de Diseño y Comunicación de la Universidad de Palermo. 

Resúmenes de Trabajos Finales de Grado aprobados Organizados alfabéticamente por apellido del autor 

Carolina Belén Casasola Narti 
Más allá de la palabra. Un lenguaje escenográfico, La Fura dels Baus 
Licenciatura en Diseño de Espectáculos. Categoría: Ensayo. Línea Temática: Historia y Tendencias

El Proyecto de Graduación enmarcado en la categoría de Ensayo y en la línea temática de Historia y Tendencias, aborda el desarrollo escenográfico, manejo del espacio propuesto por el grupo catalán La Fura dels Baus y sus incidencias tanto en el grupo De la Guarda, más tarde Fuerza Bruta, como en el Teatro Sanitario de Operación (TSO). Estos últimos grupos, representan un lenguaje de ruptura y una concepción diferente sobre el espacio escénico, en la Argentina, dentro de el circuito comercial y el alternativo respectivamente. De esta manera, se busca abordar la temática del espacio escénico y la escenografía, desde el lenguaje y la manera de comunicar de La Fura. Y cómo éste es aplicable en distintos ámbitos y rompe las fronteras culturales de cada país. 
A lo largo del proyecto, se desarrolla cómo La Fura dels Baus expone su propio lenguaje, un lenguaje que va más allá de la palabra; a qué se refiere el lenguaje furero. Reflexionar sobre el efecto que produce en los espectadores. Relación actor – espectador – espacio; tan particular y característica dentro del grupo catalán. Se exponen las materialidades a las que recurren, en cuanto a lo que refiere a su escenografía. Se reflexiona sobre el aparato escenográfico y el lenguaje que éste propone, su interacción con el público y las sensaciones que puede llegar a generar en el mismo. 
Relaciona el teatro y la utilización del elemento audiovisual y las nuevas tecnologías en el campo escenográfico. Se trata el sentido performático y de ruptura que genera La Fura dels Baus; y cómo trasladaron el lenguaje furero a espectáculos de teatro tradicional. Se destaca su incidencia en el grupo de Fuerza Bruta y TSO, desde el manejo del espacio escénico.

Antonella Cherutti 
El estilo Trapero. De la escuela de cine a la industria. 
Licenciatura en Comunicación Audiovisual. Categoría: Ensayo. Línea Temática: Historia y tendencias

El Proyecto de Graduación, que se caracteriza como Ensayo, dentro de la línea temática Historia y tendencias, pretende dar cuenta de cómo un cineasta como Pablo Trapero logra hibridar lo social con lo masivo en sus temáticas y realizar un cine que llame la atención del espectador emocionándolo y concientizándolo, a pesar de ser un cine de mainstream y sin pertenecer a un cine de denuncia. Así como también logra un estilo propio y se desenvuelve a lo largo de su carrera a nivel nacional e internacional. 
En el trabajo se intenta definir el cine social como género cinematográfico con una teoría que lo respalde, así poder dar a comprender la importancia del mismo en la sociedad tanto argentina como del mundo. 
Seguido a esto se presenta un relevamiento del panorama histórico del cine contemporáneo argentino. Desde la generación de directores de los sesenta hasta llegar a los noventa, desde el cine de mainstream hasta el cine independiente. 
En tercera instancia se analiza el fin de la realización cinematográfica. Es decir, si ésta persigue un objetivo netamente artístico o comercial. Para ellos se diferenciará, a través de sus características, el cine comercial del independiente. Partiendo de estos últimos mencionados analizar al espectador y la financiación. 
Se observa cómo es utilizada la crítica social en los filmes de Pablo Trapero, tales como Mundo Grúa (1999), Carancho (2010) y Elefante Blanco (2012). Además, del estilo, el punto de vista y el ritmo que utiliza en su estética dicho director. 
Finalmente, se pretende dar una visión subjetiva del tema estudiado a lo largo del PG conjugando los conocimientos adquiridos a lo largo de la carrera, con experiencias y opiniones personales, y con la bibliografía seleccionada. Se resumirá a partir de lo antes mencionado el estilo trapero. Su forma de hacer cine, sus continuos roles como productor, guionista, montajista y director, la globalización en sus filmes a través de sus últimas películas, que se volvieron productos culturales más internacionales. La exhibición de estas y las anteriores, a través de los festivales y premios recibidos a nivel mundial. Y su estética y temática característica, utilizando la información dada en los capítulos anteriores.
Se busca entender cómo a pesar de ser un cine comercial, Pablo Trapero, logra conectar lo social y lo masivo en sus películas y concientizar al espectador. Como es expresada la cultura argentina y los diferentes puntos de vista de minorías de nuestra sociedad que hasta hoy en día son marginadas. Se busca comprender el interés del director en realizar películas que tengan que ver con su país, su cultura y que logren emocionar al espectador, sin formar parte de un grupo de cine político ni de denuncia. Cómo logra éste a partir de su trayectoria cinematográfica difundir desde un punto de vista social a través de las grandes masas que consumen un cine comercial en las grandes salas.

Mauricio Luis Díez Pérez Ayala 
Cine Paraguayo. Una ley de cine para la tierra guaraní 
Licenciatura en Comunicación Audiovisual. Categoría: Ensayo. Línea Temática: Medios y estrategias de comunicación

El Proyecto de Graduación trata sobre el cine actual del territorio paraguayo, cuyo país afronta un difícil flagelo para ver formada una industria cinematográfica o avance del mercado, a diferencia de los demás países latinoamericanos. Uno de los principales inconvenientes que el autor de dicho proyecto de grado recalca de manera específica es la falta de creación de políticas que beneficien al sector cinematográfico. En otras palabras, la creación de una ley de cine. A ello, se le suma el escaso y casi nulo apoyo por parte del Estado para levantar el sector. 
El PG indaga la historia y situación actual atravesada por el sector cinematográfico nacional, recurriendo a los principales problemas acarreados en el pasado, por ejemplo la época de la dictadura, para demostrar por qué este cine no consigue levantar su producción en comparación con otros países latinoamericanos. 
Por ello, el ensayo toma como primer punto de solución trabajar desde el intento de conformar políticas y leyes que beneficien a este sector, para luego ir visualizando el progreso. Para fortuna, esta acción fue realizada en el año 2008. Sin embargo el resultado de la creación del Pre-proyecto de ley de cine preparado por los principales directores del gremio fue negativo, y por ende se prevé volver a trabajar en ella. 
Las voces de los renombrados directores nacionales demuestran una necesidad imperante por ver una mayor atención al cine en este país, para así poder llevar al resto del mundo ese patrimonio y cultura que caracteriza al pueblo paraguayo. 
La metodología propuesta sugiere, profundiza, recalca e invita al lector para informarse acerca de este sector y también para que conozca que el cine en Paraguay existe. Es por ello que se recalca, con ayuda de la bibliografía seleccionada, las producciones paraguayas realizadas hasta el momento. 
Además, permite demostrar las principales realizaciones que tuvieron una participación especial en el ámbito internacional, con la obtención de importantes premios en los festivales. 
El trabajo considera que, pese a contar con el mínimo apoyo estatal, el cine de la tierra guaraní sigue en pie y no se da por vencido en el momento de realizar nuevas producciones.

Jorgelina Monsalve Reyes 
Entre lentes y tablas. Creación y diseño de un guión convergente entre el cine y el teatro 
Licenciatura en Comunicación Audiovisual. Categoría: Proyecto profesional. Línea Temática: Nuevas tecnologías

El Proyecto de Graduación se basa en el diseño y creación de un guión modelo convergente para la obra teatral Calzonudo y Punto del tandilense Marcos Casanova y que adquiere la particularidad de contener en su puesta en escena una serie de proyecciones audiovisuales. Enmarcado en la categoría de Proyecto Profesional, el PG parte de una necesidad expresa: vincular de manera orgánica la disciplina teatral y cinematográfica, creando un único libreto que sea coherente a la vez que sencillo para la lectura de los actores que integran la puesta en escena; y utilizando como referencia la obra teatral Detrás creada por los alumnos de artes dramáticas del Instituto Universitario Nacional del Arte (IUNA). 
El PG considera a priori que el guión convergente constituye en sí mismo una estrategia comunicativa, materializándose en él nuevas formas estéticas, expresiones culturales y modos de vida y que por otra parte modela la demanda de utilizar nuevos soportes de información útiles al momento de complejizar y significar otros anteriores. 
De esta manera, para alcanzar la redacción del guión audiovisual y la adaptación del libreto teatral pre-existente, a lo largo del PG se lleva adelante un desglose de las temáticas que convergen en esas construcciones; la creación del guión convergente hace referencia a una estrategia comunicativa entre profesionales, sin embargo, trabaja sobre una obra que utiliza como medio y estrategia de comunicación interdisciplinar el cine y el teatro al mismo tiempo que trabaja con una estética de innovación para el espectador contemporáneo, llamando su atención y volviéndolo a la cultura del teatro. 
El documento desarrolla en una primera instancia una breve explicación de las teorías de la percepción humana presentando en profundidad los detalles de los sentidos que competen al cine y el teatro, la vista y el oído. Cómo es capaz el ser humano de oír, ver y formar conceptos en su mente generando de esta manera un punto de vista creado de acuerdo a los estímulos externos percibidos, ese es el punto central a dilucidar en esta primera etapa. El escrito también se detiene brevemente en los medios de comunicación, analizando los comienzos del cine nacional para ubicar al lector en un contexto que le sea familiar y así avanzar velozmente. 
Luego se presenta la manera en que nace la convergencia, cuáles son los fenómenos que circundan a la misma y cómo ella afecta a las diferentes artes. El objetivo del capítulo está en poder abrir el concepto para demostrar que él extiende su manto de acción sobre el cine y el teatro, enunciándose a tales fines los lenguajes híbridos. Los conceptos que se tratan detenidamente y que se ubican específicamente en la coyuntura del cine y el teatro son: el guión y el libreto, el actor y las técnicas de actuación y el contexto de creación de un libreto.
Para lograr una aproximación final al objetivo del PG se presenta el desarrollo total del guión convergente, desde las ideas primigenias, hasta el contenido de sus proyecciones audiovisuales, pasando por el formato del mismo y la estructura que debe asumir para ser comprensible. En este proceso el análisis de Calzonudo y Punto y Detrás fue elemental. 
El enfoque central del PG se centra en el problema de no encontrar un guión que contenga los suficientes datos para llevar a cabo un trabajo teatral con proyecciones multimedia, recurso que emerge con los nuevos medios y la tecnología actual. De esta falencia nace una necesidad: lograr un libreto que proporcione toda la información a los guionistas, directores tanto teatrales como audiovisuales, actores y el equipo de realizadores en general, que deben trabajar en proyectos de características similares. 
Facilitar el trabajo a la vez que organizarlo es el objetivo encubierto de esta investigación que intenta volver sencillo algo tan complejo y diverso como la convergencia de dos artes.

Carlos Francisco Navajas Joubert de la Bastide de Chateaumorand 
La Fórmula Perfecta. El Canto y la Danza como lenguajes narrativos dentro del Teatro Musical en Buenos Aires 
Licenciatura en Dirección Teatral. Categoría: Ensayo. Línea Temática: Historia y Tendencias

El Proyecto de Graduación es un estudio exhaustivo acerca del funcionamiento y la utilización del canto y la danza dentro del Teatro musical como lenguaje único y característico del género. 
El aporte que este trabajo intenta brindar a la disciplina es el análisis del empleo de las artes que conforman el Teatro musical. Dentro de un contexto histórico, tanto el canto como la danza han ido evolucionando, desde cómo se las utiliza para narrar hasta el trabajo realizado por sus compositores y coreógrafos. Esto mismo, es lo que lleva a pensar que es un género en constante renovación, que a pesar de contar con una estructura ya pre establecida, está siempre buscando la forma de romperla para así renovarse. 
A su vez, el trabajo intenta plantear y describir la presencia del musical en la ciudad de Buenos Aires dentro del circuito off. Buenos Aires, es una ciudad en la que muchas áreas culturales se destacan. No obstante, la producción de musicales de gran formato aún está muy lejos del ritmo y presencia que caracteriza a ciudades como Nueva York y Londres. Es por eso que los interesados en el género del Teatro musical, han encontrado dentro del circuito off y alternativo, el lugar y la forma de exponer obras independientes. De ésta forma es como se ha generado una amplia cartelera de musicales en este circuito. Es así como cada día aparecen nuevos autores interesados en desarrollar e indagar en este género teatral. 
Desde otra perspectiva, ésta investigación también pretende analizar al teatro desde la semiología, tratando de generar una mirada sobre los distintos recursos de los que se vale para comunicar dentro de una obra o espectáculo. 
En términos generales, la investigación busca y pretende generar conocimiento en la manera en la que distintas áreas artísticas que convergen dentro del Teatro Musical, son utilizadas con el único fin de narrar y comunicar de una forma diferente al habla.

Ana Josefina Salerno 
La ciudad como espacio escenográfico en la actualidad. La escenografía no conoce límites 
Licenciatura en Diseño de espectáculos. Categoría: Ensayo. Línea Temática: Historia y tendencias 

El Proyecto de Graduación se encuentra enmarcado en la categoría de Ensayo, dentro de la temática Historia y Tendencias, y nace a partir de la necesidad de mostrar las últimas tendencias en materia de artes plásticas, buscando ampliar el campo laboral del escenógrafo, entendiendo la constante evolución que trasforman día a día a las artes escénicas en general. 
Este trabajo ve la posibilidad a partir del presente escrito, abrir el campo laboral del escenógrafo, permitiendo escabullirse en un ámbito desconocidos por los mismos, la ciudad. El objetivo es abandonar el convencionalismo a los que se ve arraigada y vinculada a la escenografía, posibilitando el acercamiento de la misma, a estancias poco convencionales como el espacio urbano. Y a su vez, acercando a la ciudad al teatro y viendo este tipo de intervenciones en espacio abiertos como un trabajo escenográfico, advirtiendo en ellas similitudes. 
La identidad de una ciudad, está conformada por los rasgos que la definen como contenedora de una determinada cultura. Los hechos históricos que escribieron su historia; por los cuales la ciudad está en pie, sus parques, plazas, calles principales y avenidas; hablan de ella como ciudad y la diferencian de las demás, una ciudad es única e irrepetible más allá de que las influencias pasadas y las marcas dejadas por los inmigrantes europeos en épocas anteriores, significaran un acercamiento a las ciudades del viejo continente. Siempre va a haber un rasgo distintivo que la diversifique. Las intervenciones en la urbe hacen esto posible, generando no sólo un aporte visual al marco urbano, si no también posibilitando esa identidad y rasgo distintivo. 
Por esta razón este trabajo ve la necesidad de ofrecer una posibilidad de cambio y crecimiento para el escenógrafo y las artes escénicas, siendo consiente del paulatino cambio y evolución que se vive a diario. Los avances recorren cada rincón del mundo trayendo consigo la evolución y día a día se torna una necesidad acoplarse a ellos. 
Este ensayo, aportará al campo disciplinario de las artes del espectáculo, un espacio para la reflexión e introspección del trabajo del escenógrafo así como también la vinculación con otras disciplinas que la vieron crecer como carrera.


Jóvenes en busca de su espacio. fue publicado de la página 81 a página86 en Escritos en la Facultad Nº98

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