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La obra de Pablo Thecuadro

Kleinert, Martina

Creación y Producción en Diseño y Comunicación Nº71

Creación y Producción en Diseño y Comunicación Nº71

ISSN: 1668-5229

Ensayos Contemporáneos. Edición XV Escritos de estudiantes. Primer Cuatrimestre 2015 Ensayos sobre la Imagen. Edición XVII Escritos de estudiantes. Primer Cuatrimestre 2015

Año XII, Vol. 71, Noviembre 2015, Buenos Aires, Argentina | 98 páginas

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Introducción

Pablo Thecuadro es un fotógrafo nacido el 15 de abril de 1993 y oriundo de México DF, que, junto con su familia se muda a Madrid en el año 1996, donde vive toda su infancia y adolescencia.

Por sus dotes artísticas muy marcadas desde pequeño y su pasión por la fotografía, Pablo decidió escoger la rama del arte para su orientación secundaria, culminando con el título de bachiller artístico. A partir de ese momento comenzó sus estudios superiores en la Escuela de Arte 10 de Madrid, donde recibió un titulo en Grado Superior de Fotografía Artística.

Transcurrido el año 2014, Thecuadro decidió volver a sus raíces para emprender su negocio fotográfico.

Actualmente cuenta con páginas de Internet donde expone sus obras y, si bien todavía no ha realizado ninguna exposición propia, espera poder lograrlo en los próximos años.

Desarrollo

Durante el desarrollo del ensayo se realizarán diferentes análisis de las fotografías de Pablo Thecuadro.

Por un lado, en el análisis denotativo permite señalar que en la imagen se puede observar cómo dos individuos se sostienen mientras parte de su rostro se disocia del todo, mostrando un nuevo semblante dentro de la parte faltante, ahora, con las facciones modificadas. Además se utilizan colores contrastantes para remarcar los objetos de la imagen.

Por su parte, el análisis connotativo de esta obra se puede apreciar la necesidad del artista de expresar la libertad interna que sienten los sujetos presentes en el retrato, que sólo puede verse cuando estos dejan mostrar su verdadero ser, desnudando su alma para el espectador.

Además puede verse la unión entre ambos, sellada mediante la forma en que sus cuerpos se sostienen uno al otro, buscando una misma finalidad, mostrarse.

Esta es una de las obras más profundas y controversiales que tiene el autor, ya que como él mismo dijo en la entrevista, refleja con claridad la idea de las “múltiples caras” que puede tener una misma persona. En comparación con las demás, no sólo busca el “recomponer” sin ligazón alguna, sino que, mientras sigue la misma línea de espontaneidad e involuntariedad previa, busca un por qué, una sensación de qué causar en el espectador, un frío exterior que no deja ver la razón interna.

Pablo Thecuadro, un mexicano de 22 años que vivió gran parte de su vida en España, es uno de los muchos jóvenes que hoy día se adentran en el arte como una nueva alternativa a la hora de expresarse.

En una sociedad donde el estrés y la urgencia constante son protagonistas en la rutina de todo hombre, comienzan a lucirse quienes toman su tiempo para lograr alejarse de todo el acelere social y adentrarse en ellos mismos.

Así es como Pablo logra interactuar con la fotografía y el collage, dos de sus más grandes pasiones, para jugar con las diversas sensaciones que le generan y dejar volar su ser.

Igualmente, se trata de una época donde la creatividad ha quedado estancada, y no hay movimiento que logre tomar tanta importancia como las corrientes propagadas en el siglo XIX. Es por eso que estos nuevos artistas, voluntaria o involuntariamente, comienzan a tomar características de tendencias pictóricas previas en sus obras.

En el caso de este artista, quien nunca se adentró en ningún movimiento pictórico para comenzar a diseñar, se puede relacionar con dos movimientos franceses; el simbolismo y el surrealismo. Pero, ¿por qué se termina relacionando una imagen así con estos movimientos? Para lograr comprenderlo primero es necesario identificar sus principales características.

En primera instancia se encuentra el simbolismo, un movimiento surgido en el año 1880 que va más allá de la pintura, manifestándose además por medio de la literatura y la poesía, recorriendo el mundo conocido con diferentes nombres. Art nouveau en Francia, Modernismo en España, Modern style en Inglaterra, Jufendstil en Alemania y Liberty en Italia.

Este surge por la necesidad de reaccionar contra el materialismo generado por una sociedad industrializada. Utilizando el subjetivismo, lo irracional, la fantasía, la intimidad y el uso de símbolos para comunicar emociones y generar así una concepción filosófica de la realidad fundamentada en el movimiento, la espontaneidad y lo efímero. De esta manera, se reivindica la búsqueda interior a partir del sueño, utilizándolo como un medio de expresión de la realidad.

Asimismo, dentro de este grupo existe el “idealismo”, un retorno al intelecto contra la sensación, pasando por la cabeza, el pensamiento y el sueño; generando una gran revolución pictórica, ya que ahora la pintura no estará basada en lo que se ve, sino en lo que se piensa.

Este movimiento, además, se asemeja con la espiritualidad tanto religiosa como mística dejando atrás la objetividad utilizada hasta el momento. Cuenta con dos características importantes. Por un lado el color, el cual se utiliza de forma fuerte o difuminada con el objetivo de resaltar lo sobrenatural, brindándole un aire de romanticismo. Por otro, la temática, en donde buscan dentro de la apariencia física para llegar a lo sobrenatural (tomando algo sobrenatural como un símbolo/ idea) mostrando sentimientos y estados de ánimo.

El pilar de este movimiento se llamó Gustav Klimt, un artista austríaco que habló mayormente de la edad de la mujer (tomando a la mujer como la belleza) y de la muerte, representándolos en sus obras con decoraciones con el dorado de la hoja, método que conoció cuando restauraba palacios y grandes lugares que contaban con cultura greco-romana.

Juega en sus obras con el erotismo y la sutileza utilizando su gran dominio con la anatomía y la perspectiva. Contando a su vez con características de otros movimientos en sus diversas obras; tanto impresionistas como surrealistas.

Klimt no sólo crea el Bestiario, un libro donde anota texturas y todo lo que pueda brindarle la naturaleza para encontrar su propio código que lo identifique, sino que además formó parte del grupo de secesión vienesa: un grupo formado en 1897 como una alternativa independiente para los artistas promocionados por la academia vienesa.

Los objetivos de este grupo eran promocionar a los artistas jóvenes, exhibir obras extranjeras y crear su propia revista que muestre obras de los miembros. Klimt fue no sólo uno de los miembros fundadores de este grupo sino también su presidente; en 1898 decide que el símbolo que los representaría seria Palas Atenea, la diosa de la sabiduría.

El siguiente movimiento es el surrealismo que nace en Francia, comenzando el año 1924 a consecuencia de un libro llamado Manifesto surrealista escrito por Bretón, un escritor francés de la época que simpatizó con el dadaísmo suizo y creía que la situación histórica de posguerra exigía un arte nuevo que indagara en lo más profundo del ser humano para comprender al hombre en su totalidad. Para lograrlo se basó en el psicoanalista Sigmund Freud, quien hablaba de los sueños y pensamientos más profundos del ser humano.

El surrealismo fue definido por el propio Bretón como automatismo psíquico puro, por el cual se propone expresar verbalmente, por escrito, o bien de otra manera, el funcionamiento real del pensamiento, en ausencia de todo control ejercido por la razón, fuera de cualquier preocupación estética o moral.

Pero bien, volviendo a las raíces del movimiento, se afirma que éste tiene una estrecha relación con el dadaísmo (a causa de Bretón) abarcando pintura, cine, literatura y fotografía. Los seguidores de esta tendencia criticaban la pérdida de libertad en los creadores a causa de la rutina y el peso de las instituciones que los coarten, tomando a la oposición por sobre el mundo ya establecido como única forma de liberarse.

Esta oposición logra representar sueños y subconsciente a través del automatismo. (Representar ideas de forma espontánea, rápidas y fluidas, sin coherencia o sentido alguno. Utilizando, mayormente, la yuxtaposición de imágenes).

Los surrealistas contaban con diversas técnicas a la hora de crear, estas eran Fotografía / cine, Collages (Significado dadaísta: “objeto encontrado”), Frottage en el que había que frotar un lápiz sobre una hoja colocada sobre un objeto, consiguiendo una impresión de la forma y textura de ese objeto (cadáver exquisito), que consistía en un juego de mesa llamado “consecuencias” en el cual los jugadores escribían por turno en una hoja de papel, y la pasaban al siguiente jugador para otra colaboración combinando ideas y agregando elementos que pueden o no pertenecer a la realidad. Y contaban, además, con dos métodos como el surrealista abstracto quienes eran los que defendían el automatismo creando universos figurativos.

Dentro de estos se encontraban Miró y Manson, y la figuración naturalista que abarcaba el sueño y el realismo mágico.

Tanto Magritte como Dalí se encontraban en este grupo.

Max Ernst llegó a ser uno de los principales exponentes del Surrealismo utilizando la técnica del frottage, donde mostraba cómo funcionan dos realidades distantes mientras rompía con la realidad usando elementos fantásticos y movimiento.

Mientras que Dalí es más escandaloso y extravagante caracterizado por la provocación y su método “paranoico-crítico” utilizando alusiones al sexo y la paranoia.

Sus obras comienzan con un estilo más ácido para pasar luego a un estilo se hará más barroco, donde el sentido de la composición y del espacio es más clásico, pero siempre inquietante.

Thecuadro, si bien no conoce en profundidad estos movimientos, se asemeja a ambos, principalmente al surrealismo.

Pero ¿Por qué sucede esto? Se puede relacionar tanto a través de la técnica utilizada como el método que sigue. El collage para él lo es todo, su base a la hora de diseñar se centra en esta forma de expresión. El collage es una técnica artística que consiste en ensamblar diversos elementos en un tono unificado. Liberando la mano, ojos y espíritu de los encantos del color contenido en un tubo de pintura que hasta ese momento era tan preciado, introduciendo a la materia en bruto al mundo pictórico.

En cambio, hablando del método utilizado por el artista, se afirma que éste se guía por el surrealismo abstracto, ya que el automatismo es parte esencial en sus obras debido a la espontaneidad con las que las crea, él confirma guiarse meramente por su instinto, generando ideas orientadas por sus gustos.

Pero como se dijo anteriormente, este artista no sólo se relaciona con un movimiento, sino que también toma conceptos del simbolismo. Haciendo un análisis más profundo de la obra se logra advertir que, como se explicó en la distinción connotativa, el autor busca brindarle un significado a cada objeto dentro de la obra, mostrando cada una de sus partes como una necesidad de liberación.

En el caso de la temática antes nombrada, también se puede afirmar que se relaciona, ya que la apariencia física que en este caso son los rostros que se repiten conllevan a lo sobrenatural mostrando un lado de búsqueda por un objetivo común, la libertad. ¿Por qué se le otorga diferentes jerarquías a estos dos movimientos? Ciertamente no debería existir ninguna distinción, ya que al detallar la obra escogida se comienza a notar que ambos movimientos tienen su protagonismo, y que, además, se puede hasta llegar a escoger de forma subjetiva cual es para cada uno el que juega el rol protagónico.

Igualmente, al echarle un primer vistazo a la obra, sin un análisis detallado, el primer movimiento que nos inspira es el surrealista. Para lograr hallar el simbolismo hay que hacer un análisis más profundo que logre demostrarnos que cada objeto de la obra es un símbolo.

Pero, ¿siempre han tenido este carácter sus obras? Adentrándose en el artista se vuelve sencillo dilucidar que sus obras siguen esta misma línea en la mayoría de los casos, pero no en todos. Pablo no sólo utiliza recortes de diarios, revistas o imágenes que sean de su interés para transformarlas, sino que además crea sus propias situaciones.

Éste cuenta con su propio grupo de modelos listos para ser fotografiados. En este tipo de obras el autor busca una armonía minimalista, utilizando la menor cantidad de objetos posibles en su entorno, para generar así fotografías que muestren en crudo la esencia del momento. De todas formas estas obras ocupan una sola pequeña parte de su carrera.

Ahora sí, siguiendo en términos generales hay una cuestión que aún no se ha terminado de saldar. Esta es la fortaleza o debilidad que se cree que el autor puede mostrar en sus obras.

Conclusiones

Según Pablo Thecuadro, la mayor problemática es la ignorancia por parte de los espectadores a la hora de hablar del collage.

Pero se puede discernir con el artista en esta cuestión.

El collage hoy en día es algo que ha tomado mucho protagonismo para la sociedad, ya que con Internet y todos los nuevos métodos electrónicos con los que se cuentan, cualquiera puede adentrarse en esta técnica, logrando que la recopilación de imágenes se haya vuelto algo de social conocimiento y utilización.

Además, el collage, saldando la parte electrónica, es algo que se inculca desde pequeños, ya en la escuela los adultos nos ayudan a ponerlo en práctica con los talleres.

Los principios en la vida de uno se basan en el arte, en el juego y la mezcla de objetos e ideas volviéndolas involuntariamente nuevas, esto hace que sin quererlo, el collage, dentro de otras técnicas, se interiorice en las personas.

Quizás, muchos de los que lo utilizan no sepan sus raíces o historia, pero todos lo generan a través de un juego de sensaciones momentáneas, qué, al fin y al cabo, ¿no es lo que un collage busca mostrar? Su técnica es una fortaleza, ya que al ser un común de la sociedad, permite que el observador se adentre en una trama más profunda.

Cosa que quizás no pasaría con una técnica menos común, la cual haría que el individuo se quede “estancado” en un exterior para lograr entenderlo antes de poder ver el fondo del asunto.

Asimismo, creo que la forma en la que el autor logra expresar sus sentimientos a través de la imagen es fascinante. Tomo como una gran fortaleza lograr mostrar con tanta claridad y sencillez lo que uno quiso expresar al crearlo, ya que no todos logran reflejar tanto con tan poco a la vez.

Por último, este artista no cuenta con debilidades marcadas, se nota la confianza con la que crea sus obras y la fuerza de la idea a expresar.


La obra de Pablo Thecuadro fue publicado de la página 44 a página46 en Creación y Producción en Diseño y Comunicación Nº71

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