1. Diseño y Comunicación >
  2. Publicaciones DC >
  3. Creación y Producción en Diseño y Comunicación Nº80 >
  4. La La Land y la nostalgia por el Cinemascope (Primer premio)

La La Land y la nostalgia por el Cinemascope (Primer premio)

Galván, Cinthya Denise

Asignatura: Discurso Audiovisual Contemporáneo I.

Creación y Producción en Diseño y Comunicación Nº80

Creación y Producción en Diseño y Comunicación Nº80

ISSN: 1668-5229

Ensayos sobre la Imagen. Edición XXI Escritos de estudiantes. Primer Cuatrimestre 2017 Ensayos Contemporáneos. Edición XIX Escritos de estudiantes. Primer Cuatrimestre 2017

Año XIV, Vol. 80, Diciembre 2017, Buenos Aires, Argentina | 258 páginas

descargar PDF ver índice de la publicación

Ver todos los libros de la publicación

compartir en Facebook


Licencia Creative Commons Esta obra está bajo una Licencia Creative Commons Atribución-NoComercial-CompartirIgual 4.0 Internacional

“Aquel que no conoce la historia, está condenado a repetirla”. (Ruiz de Santayana y Borrás, 1905, p. 284)

O, en el caso del cine, conoce esa historia, y por eso la repite. Las películas reciclan técnicas, lenguajes, discursos y hasta en fórmulas que funcionaron previamente, esto mismo muchas veces sucede en formato de remakes, el cual es utilizado para actualizar la historia o con la intención de repetir ese éxito. Esto se ve en películas como Ghostbusters (1984) de Ivan Reitman, donde se mantiene la fórmula de la original, adaptándolo a un remake con personajes femeninos, estrenado el año pasado (2016) bajo el mismo nombre y dirigida por Paul Feig; o en los remakes actuales de los clásicos de Disney, como La bella y la bestia (2017) de Bill Condon o La Cenicienta (2015) de Kenneth Branagh. 

Por el lado de las técnicas, se puede hablar de la nostalgia por los viejos tiempos en películas como The Artist (2011) de Michel Hazanavicius, la cual fue realizada al estilo de las antiguas películas del nacimientos del cine, o como el formato de las mismas nos llega reinterpretado hoy en día: en blanco y negro y con la banda sonora compuesta por alguien más. En el caso de The Artist, la banda sonora es fundamental para la película, siendo la misma compuesta especialmente para ella. Otro caso es La La Land (2016) de Damien Chazelle, una pelí- cula que utiliza recursos pasados de un cine que quedó en el olvido, pero que fue hecha para el espectador de hoy en día, reciclando técnicas, estilos y formas del cine anterior.

La La Land 

Es una película estrenada en salas a fines del 2016, dirigida por Damien Chazelle, de género musical, romántico y comedia dramática. Se estreno en Argentina el 26 de enero de 2017 bajo el nombre La La Land: Una historia de Amor. Cuenta la historia romántica de Mia, una aspirante a actriz, y Sebastian, un pianista de Jazz; con la participación de Emma Stone, quien recibió el Oscar a mejor actriz por su actuación en el papel de Mia, y Ryan Goslin, nominado como mejor actor en el papel de Sebastian. 

La película se hizo con varios premios, desde los Oscars, donde es una de las películas con más nominaciones, al Festival Internacional de Venecia, entre otros. Cuenta con más de 90 nominaciones y recibió más de 80 premios. 

Uno de los aspectos más llamativos, es que se remonta al sistema del CinemaScope. Para la filmación de la misma, Panavisión realizó unas lentes anamórficas especiales, las cuales fueron hechas retomando características de las lentes de CinemaScope originales creadas por Henry Chrètien y las cuales 20th Century Fox reutilizó. La película fue rodada principalmente en fílmico de 35mm, y se amplió el ratio de las películas originales de CinemaScope de 2.35 a 2.55. (La La Land vibrantly romances the olden days of Hollywood, 2017) La película hace referencias a grandes musicales de la época dorada de Hollywood, y otros no tan conocidos, además de mencionar a otras películas como Casablanca (1942) de Michael Curtiz y Rebel without a cause (1955) de Nicholas Ray. Para una lista completa, ver el anexo. (ScreenPrism, 2017 y Sara Preciado, 2017)

La La Land propone el reciclaje de formas de cine, no sólo en su técnica, sino en la idea, el lenguaje y el discurso. Este reciclaje se ve en las referencias constantes que hace a otras películas, haciendo a la película autoconsciente. Esta propuesta se ve desde el inicio de la película con una placa que destaca que la película fue filmada con Cinemascope, y donde se reutiliza un título antiguo de la productora Summit Entertainment.

La historia de CinemaScope 

Según Huhtammo, el inicio del término pantalla como lo conocemos hoy en día se da durante el Siglo XIX con las fantasmagorías y la linterna mágica. Antes de 1810, la palabra se utilizaba para referirse a un mueble que funcionaba como separador de ambientes o como cambiador, y que estaba compuesto por un material traslucido enmarcado en madera. (2006) Se añadió luego la palabra gran delante de pantalla para aludir al cine, el autor cree que fue después de la segunda postguerra. Para atraer al público de vuelta a las salas, el cine propuso espectáculos más grandes que los anteriores, ampliando la pantalla a dimensiones superiores, solución ofrecida por el sistema Cinerama, entre otros. (Huhtammo, 2006) Con esto se puede ver, que el cine desde sus comienzos reutilizó recursos ya existentes.

Hace su debut en 1952, un sistema revolucionario de exhibición en pantalla gigante envolvente, dando la sensación de inmersión, y sonido estereofónico. Su nombre es la combinación de cine y panorama, dejando en claro su intención de ampliar el espacio visual. La propuesta era emular el campo de la visión humana, y fue llevado a cabo con pantallas curvas en salas especiales. Eran necesarios tres proyectores sincronizados para proyectar la imagen completa. Era una técnica costosa, de la cual derivaron varias técnicas como el Cinemascope o VistaVisión. Al ser un sistema tan caro y complejo, se filmaron tan sólo 9 películas usándolo. (Cinerama: una revolución para salvar al cine, 2012) 

Huhtammo dice “el Cinerama se anticipó a espectáculos más recientes, como los teatros IMAX y la realidad virtual”. (2006) Los estudios explotaban tres aspectos del cine para atraer a las audiencias: el color, la espectacularidad y el sonido estereofónico (El cinerama y el Cinemascope. Hiru.eus). La pantalla panorámica es dos veces y medio más grande que una normal, logrando que los espectadores sientan que los actores están extremadamente cerca. (Cinemascope, What it is; How it Works, Marzo 1953) 

En 1937, Henri Chrètien exhibe su lente anamórfica en una exposición. En 1952, un representante de 20th Century Fox viaja a encargarle a Chrètien la creación de unas lentes que simplificasen el proceso del Cinerama, las cuales reutilizaban lo creado anteriormente por él.

Efecto de inmersión 

Hablando de la arquitectura de la sala, Huhtammo dice: “El espectador está relacionado físicamente con la pantalla en el espacio donde acontece el visionaje, pero la noción de pantalla cambia en el tiempo, y por tanto también se altera esta relación”. (2008) 

Al cubrir todo el campo visual del espectador, la pantalla desaparecía en algún sentido, pues desaparecía también la sensación de que existieran marcos para denotar los bordes entre lo real y lo imaginario. La pantalla se había transformado en algo que envolvía por completo a la audiencia. (Huhtammo, 2008) 

Darley habla de las pantallas gigantes diciendo que lograban con su tamaño hacer que el espectador perdiese de vista los límites, produciendo una sensación de proximidad y de hallarse rodeado. (2004, p. 61) 

Combinando el aumento de escala y el nivel de fidelidad sonoro, se intensificó la ilusión del espectador de estar en la película, siendo este rodeado con la imagen exhibida en pantalla. (Darley, 2004, p. 62) 

Para Parente, el cine involucra tres elementos: “una sala de cine, la proyección de una imagen en movimiento y un film que cuenta una historia en aproximadamente dos horas” (2011, p. 42). Convergen tres dimensiones: la arquitectura de la sala, la tecnología de proyección, y la forma narrativa. (2011, p. 42) 

Parente menciona que desde antes los principios del cine, con la pintura panorámica, se buscaba que el espectador entrase al cuadro. Luego, en el cine, se hacían instalaciones panorámicas de viajes. Tanto el Mareorama, como el Photorama, un espectáculo 360 hacían del panorama el punto principal. Más tarde, esto desencadenó en el cine inmersivo, parques temáticos, las instalaciones multimedia y la realidad virtual. (2011, p. 50) 

Nuevamente, el cine toma ideas de intentos previos, en este caso, el intento panorámico en la pintura, y lo logra implementar. Parente recorre las modificaciones de la pantalla sucedidas desde los 50, cuando se modificó el largo de la pantalla, duplicándolo, y hasta triplicar su tamaño. Esto modificó la dimensión arquitectónica de la sala, la dimensión discursiva del dispositivo y los códigos de representación. (2011, p. 51)

Re-uso, remakes 

El cine cada vez que se siente amenazado por el decrecimiento de espectadores, busca la forma de atraerlos de nuevo. Es un hecho que se repite a lo largo de la historia. En los años 50; en los 2000; y ahora en el 2017. Ante esa amenaza, sale a buscar nuevas tecnologías para implementar. Pero todas las veces, esas nuevas tecnologías han implicado el reuso de tecnologías anteriores. 

En el 2008 se hablaba de la implementación del 3D como una solución, una técnica que existió desde los inicios del cine (El cine en 3D como solución para recuperar espectadores, 2008); igual que en los años 50, con la invención de la pantalla panorámica. 

No es extraño entonces, que así como la reacción se repita, que el cine retorne a antiguas técnicas, reciclando discursos y dándoles un nuevo giro.

CinemaScope en La La Land 

En La La Land sucede que se toma el formato del CinemaScope, se honra al cine clásico de Hollywood, y le aplica técnicas actuales. Junto con The Artist (2011, Hazanavicius), pertenece a lo que podría considerarse como fanatismo por lo Vintage, una de las tantas manifestaciones de la cultura postmoderna. La La Land hace referencia a muchas películas clásicas. Es influenciada por el cine de antes, pero le modifican aspectos, refrescándolo. Lo contemporáneo se mezcla con lo clásico de Hollywood.

Chazelle utiliza principalmente planos secuencias, o planos más largo comparados con los años 40 y 50, especialmente en las parte de canto y baile, poniendo al espectador en un solo lugar. La secuencia de sueño del epílogo es tomada del cine dorado de Hollywood, así como también lo es la forma en que utiliza el género musical para comentar sobre los problemas actuales. Chazelle dice sobre esto “el género es más emocional de lo que se le da crédito, no es escapar de la realidad. Es usar los sueños y fantasías para comentar sobre la realidad (…) lo que se siente ser humano”. El final recuerda a Casablanca, película a la que se le hacen varias referencias orales y visuales. (ScreenPrism, 2017) 

En conclusión, La La Land es una carta de amor a Los Ángeles, al cine clásico, al musical, y al cine contemporáneo. Es un balance cuidado de técnicas, discursos, lenguajes que mezclan la época dorada del cine con el presente, con las técnicas, posibilidades y problemáticas del presente. 

La película propone una vuelta al pasado que se actualiza en el presente, generando un diálogo constante. 

Esto es lo que podría considerarse el cine postmoderno, un cine que genera diálogo con lo antiguo, y lo re moderniza, que utiliza constantemente las ideas pasadas, y las adapta a las nuevas formas, introduciendo las nuevas posibilidades tecnológicas no disponibles antes.

Referencias bibliográficas 

Darley, A. (2004). Capítulo 1: La historia de fondo: realismo, simulación, interacción. Cultura Visual Digital. Barcelona: Paidós. Huhtamo, E. (2006). Elementos de pantallología. Revista Miradas, La Habana, EICTV. 

Parente, A. (2011). La Forma cine - variaciones y rupturas. Revista Arkadin, Buenos Aires. Facultad de Bellas Artes.


La La Land y la nostalgia por el Cinemascope (Primer premio) fue publicado de la página 136 a página138 en Creación y Producción en Diseño y Comunicación Nº80

ver detalle e índice del libro