1. Diseño y Comunicación >
  2. Publicaciones DC >
  3. Creación y Producción en Diseño y Comunicación Nº81 >
  4. Docente: Valeria Stefanini Zavallo

Docente: Valeria Stefanini Zavallo

[ver currículum del autor, docente de la Facultad de Diseño y Comunicación]

Creación y Producción en Diseño y Comunicación Nº81

Creación y Producción en Diseño y Comunicación Nº81

ISSN: 1668-5229

Proyectos Jóvenes de Investigación y Comunicación

Año XV, Vol. 81, Julio 2018, Buenos Aires, Argentina | 160 páginas

descargar PDF ver índice de la publicación

Ver todos los libros de la publicación

compartir en Facebook


Licencia Creative Commons Esta obra está bajo una Licencia Creative Commons Atribución-NoComercial-CompartirIgual 4.0 Internacional

Abstract 

La materia Introducción a la Investigación funciona como una herramienta para acercarse, en muchos casos por primera vez, a los requerimientos específicos de una investigación académica. ES por esto que se busca que los estudiantes participen de un proceso de creación de conocimiento, en el que puedan ser protagonistas de una investigación que les permita descubrir y descifrar todos los aspectos que se involucran en la producción y circulación del conocimiento. 

El recorte conceptual elegido para las producciones de este cuatrimestre es la Historia del arte, centrándose en la elección de una obra o tema inspirado en una visita al Museo Nacional de Bellas Artes. Dentro de ese marco, de mil temas y recortes posibles, los alumnos debieron elegir uno de su interés que les permitiera trabajar los distintos aspectos de una investigación académica. 

Los recortes temáticos elegidos permiten que los alumnos trabajen con recursos bibliográficos para la elección de un marco teórico apropiado que organice los criterios de interpretación y análisis, con recursos digitales para la obtención de información actualizada, y la posibilidad de realizar una investigación de campo con entrevistas para recoger la voz de los protagonistas y observaciones directas, como una forma de participar del proceso de producción de un evento artístico. Acercarse al arte y a los aspectos de su producción, permite al alumno de investigación involucrarse en un proceso multidisciplinario muy rico de ser abordado.

Producción de los estudiantes

Sin pan y sin trabajo 

Levy, Obadia Saúl 

Visité el Museo Nacional de Bellas Artes donde encontré una pintura que me llamó mucho la atención, una obra que me quería comunicar algo importante, más que un simple mensaje. Me gustó, me pareció muy atractiva y con un mensaje por descifrar. No dudé en elegirla para mi investigación. 

Con respecto a la relación entre esta investigación con mi carrera de Publicidad podemos encontrar varios puntos en común. Estudiar la carrera de Publicidad significa para mí poder desarrollar una sensibilidad estética, gusto y la emotividad, estableciendo un código propio de comunicación hacia productos y servicios. Todos estos temas están presentes en mi investigación de esta obra maestra y el estudio del estilo que la enmarca.

El vínculo de nuestra obra con el realismo se evidencia por la temática centrada en lo social, ya que los pintores Realistas tomaron conciencia de los terribles problemas sociales como la falta de trabajo y la pobreza y lo plasmaron en sus pinturas. En referencia al estilo, claramente se observa que De La Cárcova pintó su cuadro de manera agitada como si el pincel arrastrara la ansiedad del desocupado. Los colores oscuros, las grandes proporciones de sombra, la inestabilidad de los personajes y la expresión de su cara ayudan desde lo pictórico a comunicar la protesta.

Iturrino González y el fauvismo español 

Faraboschi, Bárbara 

El siguiente trabajo, corresponde al análisis de una obra seleccionada entre las que se encuentran en el Museo Nacional de Bellas Artes. La pintura elegida para realizar dicho análisis es Mujer Mora y pertenece al artista español Francisco Iturrino González. 

Este análisis se va a centrar en gran medida en el aspecto pictórico de Mujer Mora, debido a que el movimiento con el cual relacionamos a la obra se caracterizó principalmente por ello. Dentro del aspecto principal que se va a investigar, vamos a indagarnos en primera instancia acerca de qué influencia recibe el artista de los fauvistas y principalmente del personaje que, sin dudas, más se ha destacado dentro de esta corriente, Henri Matisse. Vamos a cuestionarnos también si existen diferencias entre el movimiento en España y en Francia, y en tal caso, tratar de entender cuáles son y por qué se dan las mismas. 

Este trabajo apunta básicamente a conocer un poco más acerca del Fauvismo en España, del cual poco sabemos, y tratar de comprender sus lineamientos fundamentales. 

(Ver introducción y conclusión del trabajo en p. 38)

El estricto orden de las cosas 

Ferrari, Chiara

El caos para Noé, es desorden, un orden que no entendemos, un orden abierto. Es un conjunto de relaciones de elementos distintos. Este concepto del caos nos lleva directamente a preguntarnos que es el orden y este concepto es más complejo. No solo va a hablar de estos temas tratando de encontrarles un significado, sino que también los relaciona con la pintura, con la evolución de arte a lo largo del tiempo y como se relacionan los mismos con la evolución de la sociedad. Ningún concepto es estático, a medida que pasa el tiempo las cosas cambian, como también la forma de pensar de la gente, la opinión se transforma y evoluciona. 

Podríamos decir que según Noé “Un artista reúne, entonces, frente a él una cosmovisión del desorden.” El artista reúne frente a él una cosmovisión del desorden y como consecuencia propone en su obra su nostalgia de orden. Sería lo que él entiende del mismo, su propia visión. Por lo tanto en El estricto orden de las cosas mediante el uso de recursos plásticos como la tinta y el acrílico sobre papel y poniendo los papeles con dibujos con movimiento y figuras abstractas de forma superpuesta sobre un marco que es irregular, Noé da su propia visión del mundo, su cosmovisión, lo que él entiende del orden y el desorden.

El retrato político 

Fuentes, Marianyeli

La comisión que se encargaba del retrato para ese entonces decidió que Manuelita sería retratada de pie, el traje debía ser rojo según la divisa federal y tanto su postura como su expresión en el retrato debían resaltar su bondad y la dignidad de su rango. Para poder cumplir estos requisitos el pintor solicito colocar encajes blancos en el vestido con la finalidad de resolver plásticamente la majestuosidad de la figura con contrastes, el artista desarrolla una magnifica distribución del color utilizando una grandiosa gama de rojos en sintonía, abarcando la figura, el cortinado, la alfombra, el sillón y las flores junto al dorado para las maderas y pasamanería, el marfil de los encajes y en fondo de gama verdosa. Crean así un ambiente idóneo que también posee elementos simbólicos. La expresión risueña del rostro y la mano derecha apoyada en un papel blanco (que se interpretaba como una carta para su tatita) completan un cuadro de apreciables dimensiones.

El caos en la obra de Noé 

Ricardo, Dolores / Repetto, Renata

En esta investigación buscamos relacionar las variables identificadas (fragmentación del marco, colores, contexto, etc.) con la obra Introducción a la Esperanza. De esta forma queremos comprender la elección de los recursos del autor al realizarla y conocer por qué utiliza cada recurso y cómo manifiesta lo que ocurría en la Argentina en el momento de su creación. En otras palabras, nuestra meta es conocer al autor, su vida, y el contexto en el que vivía, para poder explicar la elección que toma Noé en cuanto a la estructura del cuadro.

A través del concepto de caos y la estructura de la obra (los colores, la fragmentación del marco, etc.) el autor responde a un contexto histórico donde predominaba la violencia y el desorden político. El arte de Noé tiene una función política y la expresa en su obra Introducción a la Esperanza. Tiempo después de la caída del presidente Arturo Frondizi, las manifestaciones de la población fueron captadas por el autor, donde se plasmaban las diferentes facetas existentes en aquel entonces. Estos acontecimientos generaron en la sociedad una tendencia creciente como cultura y sociedad en crisis; una crisis cuya interpretación consiste, según Noé, en la imagen misma del caos. 

Bailarinas 

Rodríguez, Samantha / Bourlot, Jordana

Al ver las obras de Edgar Degas nos transmiten tranquilidad, sencillez y la sensación de relajarnos a través del baile, pero no solo eso ya que también generan sentimientos de alegría, tristeza o emoción. Para nosotras las obras de Edgar Degas tratan de transmitir algo que nos hace indagar más sobre qué es el baile y los distintos estilos, el movimiento, el vestuario, entre otras. 

En esta investigación vamos a relacionar las tres obras elegidas como corpus (Bailarinas basculando de 1873, Bailarinas de rosa de 1883 y Bailarinas de azul de 1893) en las que el artista trata el tema de las bailarinas, el movimiento y el cuerpo para relacionarlas con las características del estilo Impresionista y tratar de entender sus coincidencias. 

Degas es un pintor que trabajó y expuso durante y con los artistas impresionistas pero en su obra no se vincula totalmente con este estilo en el uso del color, pinceladas y preferencia de temas en interiores.

Le moulin de la Galette 

Jaichenco, Ivan / Lee, Adrian 

El Moulin de la Galette es un molino de viento ubicado en Montmatre, Paris. Es tan conocido que fue representado por varios grandes artistas, cada uno representa el mismo espacio de manera diferente tomando distintas decisiones de su obra con distintas técnicas y vistas lo cual es interesante. Decidimos realizar una investigación eligiendo dos cuadros para analizarlos desde diferentes aspectos: Baile en el Moulin de la Galette de Pierre Auguste Renoir y Le Moulin de la Galette de Pablo Picasso. 

Vamos a utilizar el libro de Susan Woodford Cómo mirar un cuadro, ya que plantea un modelo de análisis que nosotros vamos a tomar porque aborda algunos aspectos que facilitan la comprensión de la pintura y el análisis de las obras para poder vincularlas a sus respectivos estilos. 

Renoir representa el baile del Moulin de la Galette con la técnica de óleo sobre lienzo y a estilo impresionismo, el notable manejo de la luz y sombra crea una sensación real de movimiento. Representa las diferentes figuras en un espacio ensombrecido con toques de luz, recurriendo a las tonalidades malvas para las sombras. Este artista utiliza una mezcla de perspectivas para crear el efecto de multitud. Por otro lado Picasso representa el Moulin de la Galette también con técnica óleo sobre lienzo pero a estilo post impresionismo. En ambas pinturas se pueden apreciar las identidades de la gente que pintaron y creemos que es por eso que la gente está mirando al espectador de la obra, todo esto hace que se construya el espacio alrededor de las personas.

Un artista no tiene normas, él busca las suyas 

Nicola, Lucía / Granier Zalles, Sylvia Carolina / Rodríguez, Sofía

En esta investigación vamos a tratar de comprender qué relación hay entre el significado que Luis Felipe Noé le otorga al concepto del caos y la obra con la que se trabajará. Creemos que mediante la utilización de la visión fragmentada en la obra Introducción Histórica (con el agregado de dos pequeños cuadros dentro de la obra), Luis Felipe Noé quiso representar el concepto que él entiende como el caos relacionándolo con la sociedad. 

La razón por la que decidimos realizar esta investigación varió dependiendo a cada una de nosotras. En una primera instancia, lo primero que notamos fuertemente las tres fue la combinación del color con la línea, la intensidad de los colores en esta obra llamaban la atención desde cualquier punto de la exhibición. Por otra parte, a algunas les dio la sensación de que la obra se encontraba aislada, cuando la realidad es que se encontraba acompañada por otras obras, esta sensación se debió al tipo de iluminación que recibía la obra. Finalmente, cuando nos encontramos debatiendo sobre qué obra investigar, tanto las tres coincidimos en seleccionar una obra que tuviera cuadros extra que sobresalieran del bastidor principal, ya que estábamos muy intrigadas con aquella técnica. Es por estas tantas razones que decidimos trabajar con la obra Introducción Histórica. 

(Ver introducción y conclusión del trabajo en p. 38)

El primer duelo como ideal de belleza 

Pleites, Benjamín

¿Por qué el nombre El primer duelo? La pintura hace referencia sí a Adán y Eva, quienes lloran desconsoladamente sobre el cuerpo de Abel. El autor se centra en el siglo XIX en obras clásicas francesas, en el cual muestra a estos cuerpos en una escena dramática que va vinculada con una historia bíblica. La obra como tal está basada en muchos factores del siglo XIX, en cuanto a su estilo artístico, es interesante poder identificar estos factores dentro de la obra ya que son estos los que le dan un estilo a la obra y los cuales ayudan a transmitir el mensaje que el autor en conjunto quiere darnos. 

La obra El primer duelo representa el arte del siglo XIX, ya que su autor William-Adolphe pintó esta escena usando técnicas y características propias de la época. El Academicismo es un factor que refleja la obra, ya que esta es una corriente artística que se desarrolla en Francia a lo largo del siglo XIX, responde al estilo e instrucciones de la Academia de Bellas Artes de Paris, basado en ello la obra huye del realismo naturalista y se basa principalmente en ideales de belleza del movimiento clasicista, que está basado en buscar la perfección del hombre en sus aspectos físicos, la obra está basada en cánones de belleza que representan al Academicismo y por lo tanto al siglo XIX.


Docente: Valeria Stefanini Zavallo fue publicado de la página 21 a página23 en Creación y Producción en Diseño y Comunicación Nº81

ver detalle e índice del libro