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Docente: Patricia Andrea Dosio

[ver currículum del autor, docente de la Facultad de Diseño y Comunicación]

Creación y Producción en Diseño y Comunicación Nº82

Creación y Producción en Diseño y Comunicación Nº82

ISSN: 1668-5229

Ensayos sobre la Imagen. Edición XXII Escritos de estudiantes. Segundo Cuatrimestre 2017 Ensayos Contemporáneos. Edición XX Escritos de estudiantes. Segundo Cuatrimestre 2017

Año XV, Vol. 82, Julio 2018, Buenos Aires, Argentina | 210 páginas

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Abstract

(Taller de Reflexión Artística I) 

El curso de Taller de Reflexión Artística I, este año centrado en el tema Vanguardias en Exposición, focaliza en las vanguardias y postvanguardias del siglo XX y XXI. Específicamente, a lo largo de la cursada, al mismo tiempo que los alumnos se introducen en el conocimiento y comprensión de los movimientos artísticos del periodo acotado, desarrollarán el diseño de una muestra o exposición artística sobre un artista o diseñador vinculado a alguna de las tendencias estudiadas. Cada trabajo práctico (TP) será una instancia parcial en ese desarrollo que culmina en el proyecto de la exhibición, la confección del catálogo y la escritura del texto del catálogo de la muestra diseñada, de acuerdo a la estructura de un ensayo crítico académico. Este ensayo, justamente, consistirá en el trabajo práctico final (TPF) que participará del Proyecto Pedagógico del que forma parte la asignatura: Ensayos sobre la Imagen. Este texto versará sobre las obras del artista o diseñador elegido y su organización bajo la forma de un recorrido temático y exposición de las producciones seleccionadas en función del tema.

Producción de los estudiantes

Blanco y negro 

Gonzalez, Lucía

Mi tema para el proyecto de exposición y texto del catálogo se centra en el blanco y negro de Mapplethorpe. Robert Mapplethorpe (Nueva York, 4 de noviembre de 1946 – Boston, 9 de marzo de 1989) fue un fotógrafo estadounidense, conocido por sus fotografías en blanco y negro principalmente de flores y desnudos. Su trabajo se concentró en las dé- cadas de los 70 y 80, comenzando por hacer collages con recortes de revistas pornográficas y generando polémica en la sociedad de aquel periodo. 

Su intención era encontrar lo inesperado y capturar imágenes que no se hubieran visto antes. Debido a esto la simplicidad y sencillez eran características propias de sus fotografías, donde suele haber un único elemento. También se puede notar un tratamiento delicado de la composición, para poder generar equilibrio visual y dicha simetría que exprese el concepto de belleza, erotismo y perfección. El artista representa la figura humana desde una visión clásica relacionada con los cuerpos hercúleos de la escultura griega, transmitiendo claramente los conceptos mencionados anteriormente. El tratamiento de luces y sombras genera un fuerte impacto sobre el espectador, al intensificar aún más el contraste entre el blanco y negro. Este tema es el cual me interesa tratar a mí a través del trabajo práctico final, centrándome en la figura desnuda del género masculino y femenino que representan la belleza. Además, centrándome en el contexto histórico se puede considerar relevante el tema sobre la discriminación del color de piel, el cual pudo haber generado polémica en aquel entonces. A continuación se puede observar “Ken Moody and Robert Sherman”, una fotografía tomada por Robert. El contraste cromático entre un personaje de raza blanca y otro de raza negra, le lleva a buscar otras cuestiones esenciales como son lo positivo y lo negativo, lo masculino y lo femenino, y sobre todo la vida y la muerte. La ausencia de pelo les aporta más naturalidad, más suavidad y sensibilidad, y expresa perfección y simetría.

Toby Keller 

Cartwright Ponce, Valeria 

Es un fotógrafo estadounidense que vive en Santa Bárbara, California. Se graduó en la Universidad de Santa Bárbara California en Estudios del Arte. Keller domina especialmente la técnica del luminograma; la cual consiste en crear fotografías con el movimiento de la cámara y la luz que capta durante este movimiento formando distintas creaciones. No solo se trata de captar el movimiento en una imagen sino que este debe de complementarse con un entorno que le provea un sentido. Lo más impresionante de sus fotos es el contraste que podemos apreciar entre las diferentes variaciones de luz y los demás elementos de la fotografía. Su obra es atractiva, impresionante y una fuente de inspiración para una nueva generación de fotógrafos que buscan extender los límites de la fotografía como disciplina.

Se ha especializado en fotos nocturnas, de larga exposición. Son especialmente notorias sus fotografías marinas, debido a que consigue reproducir colores muy ricos y vibrantes. Últimamente ha estado trabajando con las técnicas de pintura de luz con LED, utilizando luces negras para crear senderos de luz en la imagen. Las largas exposiciones y senderos de luz se combinan presentando al espectador una etérea sensación surrealista. El tema que escogí para mi exposición es la luz como modo de expresión, el cual trata de cómo a través de las luces se puede mostrar un arte diferente y único; combinando las fotografías con iluminación. 

Alexa Meade 

Moglia, Solana

Alexa Meade nació en 1986 en Washington DC, y se crió en Maryland. Es una artista americana reconocida por sus retratos realizados directamente sobre el cuerpo humano y los objetos inanimados. De esta forma logra “una fotografía de una pintura de una persona, donde la persona real se encuentra escondida debajo de la obra”. En 2009 decidió desarrollarse como artista. Su primera instalación fue Reverse Trompe L’Oeil. La artista pinta retratos representacionales directamente encima de las personas que esta representando, así, los modelos son transformados en la interpretación que tiene la artista de la esencia de los mismos. 

Para poder comprender la técnica que realiza hay que tener en cuenta la técnica de Trompe L’Oeil (engaña al ojo – XVII), ya que ella realiza la reversa de esta. La técnica mencionada anteriormente utiliza imágenes realistas para crear una ilusión óptica, donde los objetos representados existen en tres dimensiones. Se considera que engaña al ojo, ya que juega con el entorno arquitectónico, la perspectiva, el sombreado y otros efectos ópticos, logrando una realidad intensificada. Como he dicho, Alexa realiza una reversa a esta técnica, de hecho su primera exposición fue titulada de esa manera, Reverse Trompe L’Oeil, donde con sus acrílicos, lleva objetos y personas a cuadros, transformando lo tridimensional en bidimensional. 

Además tuvo exposiciones como Tránsito, donde un señor que pintó en su estudio es llevado para realizar la toma fotográfica al subte de Washington. En mi exposición voy a tomar el concepto de Living Paitings para poder mostrar variedad de obras de la artista, además de tener en cuenta que ella misma va a estar en directo realizando una exposición, también habrá diferentes puestos para interactuar, retratos de obras de la artista y uno del siglo XVII para lograr comprender de dónde proviene su inspiración.

Lee Alexander Moqueen 

Moras, Agustina 

Lee Alexander McQueen fue un diseñador de modas inglés nacido en 1969. A sus 16 años dejó la escuela, ya que desde pequeño soñaba con ser diseñador, haciéndoles a sus hermanas su ropa. En 1994 se graduó de la escuela St. Martins College of Art & Design de Londres, convirtiéndose allí en uno de los mejores diseñadores de esa generación. Desde 1996 hasta 2001, trabajó como diseñador de la marca Givenchy, decidiéndose luego por sacar su propio sello llamado Alexander McQueen. Se destacó por su creatividad transgresora y su maestría en el corte, convirtiéndose en uno de los dise- ñadores más polémicos de la historia de la moda. El estilo de McQueen se caracterizaba por una brutalidad atemperada con lirismo y la sensibilidad gótica de los cuentos de los Hermanos Grimm. Fue uno de los diseñadores más influyentes de la llamada moda salvaje. Pero mas allá de los muy oscuros que fuesen sus diseños, siempre poseían una feminidad por la que sus espectadores se dejaban llevar. McQueen presentó sus colecciones en la Semana de la moda de París y cuenta con tiendas en las principales ciudades del mundo. En 2010, McQueen se suicida y su firma pasa a manos de Sarah Burton, mano derecha suya durante doce años. Para este proyecto, elegí una de sus últimas colecciones, la de Otoño/Invierno 2009 llamada Cuervo de la abundancia, inspirada en el drama, las aves, lo salvaje, la belleza y el terror.

La ropa y el cuerpo 

Balocchi, Valentina 

Mi exposición se basa en las prendas de la diseñadora japonesa Rei Kawakubo. La colección con la que decidí trabajar tiene por nombre Prendas Invisibles y trata sobre la no existencia de un límite que separa la ropa del cuerpo, la ropa de la ropa y la ropa de las emociones. La utilización de piezas exageradas tiene relación directa con la condición humana, desde que nacemos hasta la muerte. Y éste es precisamente el concepto con el que voy a trabajar, la ropa como continuación de nuestro cuerpo.

Campesinos y mineros 

Amaya, Manuel

Para el diseño del proyecto de exposición voy a tratar los temas relacionados con campesinos y mineros a partir de una selección de obras de Vincent Van Gogh.

La incomodidad 

Nofal, Lola

Para realizar este trabajo se eligió a Marcos Lopez. Se decidió realizarlo basándose en uno de los aspectos más recurrentes de sus obras, la incomodidad del que posa.

Terry Dresbach y Outlander 

Brunialti, Micaela

Terry Dresbach es una diseñadora de vestuario Estadounidense, nacida el 14 de junio de 196? (El año de su nacimiento no figura en ningún sitio web). Uno de sus primeros trabajos como diseñadora de vestuario, ha sido para la película Purple People Easter, en el año 1988, y no ha parado desde entonces. Año tras año, ha colaborado tanto en películas como en programas de Tv como That´s Life (2000-2001; 2013-2016), Carnivale (2003) y su más reciente colaboración, en el programa televisivo, Outlander (2013-presente), haciéndose cada vez más conocida en el medio artístico. Fue justamente por su colaboración en este último programa de televisión, que he decidido usar a Terry Dresbach para la realización de mi Trabajo Práctico Final, ya que su colaboración en este programa nos ha regalado piezas de diseño únicas y extraordinarias, que merecen ser conocidas por todos los amantes de la moda. Outlander es una serie televisiva que cuenta la vida de Claire, una enfermera Británica de 1945, que viaja a través del tiempo a la Escocia del siglo XVIII. Allí conoce a Jamie, un guerrero Escocés con el que se ve obligada a casarse. Con una trama que lleva a sus personajes principales a aventurarse, tanto en el mundo de los Highlanders Escoceses, como en la Corte Parisina del Luis XV, Rey de Francia, Terry Dresbach ha tenido que crear vestuarios de época para todos sus protagonistas. Teniendo en cuenta los códigos de vestimenta de la época, los distintos lugares en los que se desarrolla la trama, al igual que las distintas personalidades de sus personajes, esta artista ha creado más de 100 disfraces a lo largo de dos temporadas. Desde vestidos rústicos y simples de trabajo, la vestimenta de los guerreros escoceses, hasta prendas con telas brillosas, voluminosas y ostentosas, para recrear el glamour y la alta sociedad de la Corte Parisina. Sus vestidos y trajes, además de ser únicos y de diseño propio, son piezas con muchísimos detalles y gran cantidad de mano de obra. Algunos de sus vestidos, incluso, tardaron meses en ser confeccionados. Muchos de los vestidos que vemos utilizar a Claire, la protagonista, están inspirados en la moda de 1950 de Christian Dior, mezclando el New Look con la moda de época. Esta combinación es una de las cosas que hace a sus prendas tan exquisitas, visualmente hablando. Bordados, apliques, encaje y una gran dedicación, son cosas que podemos notar en el trabajo de Terry Dresbach, la dise- ñadora de vestuario de Outlander, y la razón principal por la que la he elegido.


Docente: Patricia Andrea Dosio fue publicado de la página 12 a página14 en Creación y Producción en Diseño y Comunicación Nº82

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