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La fotografía híbrida. De Ródchenko a la era digital

Méndez, Agostina

Escritos en la Facultad Nº142

Escritos en la Facultad Nº142

ISSN: 1669-2306

Proyecto de Graduación Edición XLII: 12 de julio de 2018 Trabajos Finales de Grado presentados y aprobados [Resúmenes] de todas las carreras de grado y de los ciclos de Licenciatura de la Facultad de Diseño y Comunicación

Año 14, Vol. 142, Julio 2018, Buenos Aires, Argentina | 128 páginas

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El presente escrito tiene como objetivo desarrollar una mirada integradora sobre dos Proyectos de Graduación (PG) de la carrera de Licenciatura en Fotografía de la Universidad de Palermo. En este caso los proyectos se encuentran dentro de las categorías Creación y expresión, y Ensayo, y a su vez dentro de las líneas temáticas Historia y tendencias, y Nuevas tecnologías. A lo largo del desarrollo de los capítulos de estos proyectos se abarcan una gran variedad de temas entre los que se destacan la fotografía de moda, la evolución y cambios en la escultura, los arquetipos de género, la gestualidad, los medios de comunicación, las funciones de la imagen, entre otros. Pero hay un tema que se repite en ambos y es el uso de la fotografía como herramienta de expresión. Los dos proyectos lo abordan desde diferentes ángulos, uno desde la capacidad de la fotografía de mezclarse con otras disciplinas para la creación de una obra híbrida, y el otro desde los cambios y nuevas posibilidades que otorga el surgimiento de la fotografía digital. 

Machado (2008) explica la convergencia de los medios artísticos y de comunicación imaginando a las distintas disciplinas como círculos. Sostiene que cada rama artística está representada por un círculo cuyos bordes no son precisos sino que se difuminan cada vez más a medida que se alejan del centro hasta desaparecer. El núcleo de cada uno de ellos es denso, y representa la especificidad de la disciplina. Cada círculo es interceptado por sus vecinos en mayor o menor medida dependiendo la cercanía de las distintas ramas artísticas. Al respecto el autor explica que por ejemplo las circunferencias que representan a la fotografía y el cine van a estar más encimadas en comparación a la fotografía y la música, lo cual no quiere decir que en ciertos casos específicos estas dos últimas no puedan llegar a compartir gran parte de su superficie. Las áreas convergentes según el autor varían dependiendo de cada caso, y sus combinaciones son infinitas. 
A medida que los bordes de cada círculo se vuelven más difusos es más difícil diferenciar uno del otro, ya que en las áreas donde se interceptan es cuando las disciplinas comienzan a compartir conceptos, prácticas y tecnologías, lo que las enriquece y las vuelve extremadamente atractivas para los artistas que buscan nuevos medios para expresarse, ya que muchos de ellos encuentran los límites altamente improductivos. 
En las últimas décadas con el surgimiento de los medios digitales se multiplicaron las herramientas que los artistas tienen a su disposición para crear sus obras, difuminando cada vez más los límites de los círculos disciplinares propuestos por Machado (2008). El mundo digital pone al alcance de los artistas recursos de distintas disciplinas para que puedan expresarse tomando lo mejor de cada una de ellas y combinándolas en un sinfín de posibilidades. Esta nueva era plantea a la digitalización como facilitador de la hibridación. 
Si bien en la actualidad es notable el gran aprovechamiento por parte de los artistas de la hibridación de la imagen fotográfica, la búsqueda de herramientas creativas en otras disciplinas por parte de los fotógrafos comenzó mucho antes.

Ródchenko: El revolucionario 
A principios del siglo XX las máquinas tenían un papel fundamental en la sociedad, y el arte no estaba exento. Tal como sostiene Colorado Nates (2013) la invención de la fotografía puso en cuestionamiento la función de la pintura y las reglas del arte en general. Con la diversificación del arte y la aparición de las vanguardias surgió hacia 1915 el movimiento Suprematista en el que prevalecían la simplificación de la forma, la línea, la geometría y el uso del color. Según Colorado Nates este grupo manifestaba que el arte era una construcción, y fomentaba la producción en serie y la mecanización de los procesos creativos. Estos artistas de distintas disciplinas creían en la abstracción de las formas y se consideraban constructores de productos visuales. Uno de los exponentes más importantes de este movimiento fue el ruso Aleksandr Ródchenko (1891 - 1956). Comenzó como pintor, pero como era común en esta época incursionó en distintas disciplinas que le dieron una mirada más amplia sobre la realidad. Rechazaba la concepción artística de la época, las ideas bohemias y el arte burgués. Formaba parte del proletariado obrero y se consideraba a él mismo como un ingeniero visual. Dorment explica que: 

Ródchenko concibió al artista como un ingeniero y la obra de arte como un diseño impersonal, casi científico, como un edificio o una máquina. Se deducía que el ego del artista no tenía cabida en la obra de arte. Ródchenko utiliza una regla para dibujar líneas y aplica la pintura al lienzo mecánicamente, para que nada de su personalidad las contamine. (Dorment, 2009) 

Dentro de este movimiento no era usual que los artistas se dedicasen a un área de trabajo en particular, sino que todos ellos eran productores multidisciplinarios, por lo que era frecuente que en sus obras predomine la hibridación y mezcla de técnicas. Pero tal como asegura Colorado Nates (2013), Ródchenko logró destacarse en una disciplina en particular, la fotografía. Esta nueva invención brindaba la posibilidad de reproducir la realidad de forma supuestamente objetiva y seriada, y en una época en la que prevalecía la producción, la técnica y las maquinarias, nada mejor que la cámara fotográfica para comunicar una idea. 
Ródchenko junto a otros artistas soviéticos del constructivismo consideraban que el arte debía estar al servicio de la revolución, y tal como sostiene Colorado Nates, las obras ya no eran mercancías, sino que eran valoradas por su rol social. El autor explica que este movimiento proponía que los artistas dejen sus refugios y se mezclen con los obreros, para poder crear así obras que representen al hombre nuevo surgido de la revolución de 1917. Lenin, quien en ese momento estaba al mando en Rusia, ve al arte como una herramienta imprescindible para reeducar al pueblo. Dada la alta tasa de analfabetismo de la sociedad rusa de postguerra se utilizó a la fotografía para crear carteles de propaganda política de agitación con imágenes y algunas pocas palabras que podían ser leídos por todos. Es en ese momento que la fotografía se convirtió en una herramienta para adoctrinar a la sociedad. Secher (2008) pone de manifiesto el nivel de trascendencia que tuvo en ese momento a la fotografía cuando explica que Lenin pensaba que los soldados a la guerra no solo debían llevar un arma, sino también era necesario que llevasen una cámara fotográfica. Lo mismo explica Jobey cuando dice que ¨las imágenes comunicaban lo que las palabras no podían, y lo más importante para un régimen que se basaba en la propaganda de masas: Se creía que la fotografía registraba la verdad.” (Jobey, s/f en Colorado Nates, 2013) 
Dorment (2009) explica que este momento tiene una gran importancia en la historia, ya que fue una de las pocas veces hasta la actualidad en que los intereses y objetivos del gobierno de turno y las vanguardias artísticas coincidieron. Para ambos el arte no era el fin, sino el medio para amoldar a la sociedad a una línea de pensamiento determinada. 
Ródchenko produjo una serie de posters propagandísticos compuestos por montajes o collages inspirados en las técnicas de los dadaístas berlineses. Estas obras tomaban lo mejor de dos disciplinas, combinaban lo atractivo y en cierto punto novedoso de la fotografía, y lo simple y pregnante del diseño gráfico. Esta hibridación dio como resultado carteles que lograban trasmitir un mensaje eficazmente y que podían ser reproducidos industrialmente de manera seriada, lo que los hacía para la época aún más interesantes. Según Bilbao Fullaondo los carteles de Ródchenko eran:

(…) auténticos poemas visuales repletos de sugerencias. Con ellos alienta las corrientes constructivistas y roza los influjos dadaístas. Además, como tratan de alejarse del arte por el arte con hábito tildado a la burguesía, buscan acercarse al sentir de las clases más populares y terminan publicándose en las páginas de periódicos y revistas. (Bilbao Fullaondo, 2003)

Quizás el poster más conocido mundialmente de Ródchenko sea Lengiz de 1924, que según Fernández Villaverde (2015) constituyó un ícono para aquella época. El artista lo realizó como un encargo para la Imprenta Estatal de Leningrado, más conocida justamente como Lengiz. En el cartel se puede ver una fotografía recortada de Lilya Brik, escritora y cineasta. Esta imagen fue una de las primeras tomadas por el mismo Ródchenko, y en ella Brik lleva un pañuelo en la cabeza que indica, tal como lo explica Fernández Villaverde, que el cartel estaba dirigido a la clase obrera. Ella sostiene su mano junto a su boca en una expresión de grito y junto a ella se encuentra una inscripción en ruso que según la autora se traduce como ¨Libros de todas las ramas del conocimiento¨ (Fernández Villaverde, 2015). Este cartel tenía como objetivo principal incentivar a los trabajadores a cultivar sus pensamientos y educarse. El uso de la tipografía, junto con los grandes planos de colores, las líneas simples y la fotografía en blanco y negro lograron una combinación difícil de ignorar, que cumplió su objetivo en la época de la revolución y que aún hoy en día sigue siendo una obra referente tanto para la fotografía como para el diseño gráfico.
A partir de ese momento Aleksandr Ródchenko comenzó a adentrarse cada vez más en la fotografía, al principio para obtener las imágenes que necesitaba para sus montajes y luego para producir obras puras de esta disciplina. Su manera de mirar el mundo a través de la cámara fue, fiel a su estilo, completamente revolucionario. Experimentó con el punto de vista, no se conformaba con las tomas aburridas de la época que según Colorado Nates (2013) él llamaba de ombligo, ya que en esa época las cámaras se apoyaban en el estómago y las tomas resultantes siempre tenían este punto de vista, a media altura y de frente. Ródchenko decidió explorar las posibilidades de perspectiva que le daba una cámara de formato pequeño, por lo que para realizar sus tomas se tumbaba en el piso o se trepaba a algún techo o escalera. Jugaba con las leyes de gravedad, utilizaba planos picados y contra picados extremos, sombras duras y planos fuera de lo común que dieron como resultado fotografías con fuerza y gran dinamismo que siguen siendo hasta la actualidad las bases de la fotografía moderna.

Descripción y aportes de cada PG 
A continuación se presenta un resumen de los dos Proyectos de Graduación que formaron parte de este análisis.

El PG titulado El gesto de la moda en la fotografía. El uso de la pose escultural pertenece a Antonella Picone y tiene como objetivo principal crear una serie fotográfica inspirada en algunas de las poses de la escultura clásica. Para esto analiza la evolución y los cambios en la fotografía posada de moda a lo largo de la historia, como así también las características de los distintos periodos de la escultura clásica. A lo largo del desarrollo de los capítulos reflexiona sobre la relación entre el cuerpo y el indumento, y los plantea como portadores sociales de signos y atributos de poder. También analiza el trabajo de fotógrafos de moda que se han caracterizado por el posado de sus modelos. La autora concluye el PG con una serie fotográfica de creación propia en la que muestra la influencia de la escultura clásica en el posado de moda contemporáneo. A través de este PG se muestra una de las tantas posibilidades de hibridación de la imagen fotográfica con otras ramas del arte que ofrece infinitas posibilidades a los artistas para expresarse.

Por otro lado María Gabriela Terán presenta el Proyecto de Graduación titulado El camino de lo analógico a lo digital en la fotografía. Cambio en la mirada y su efecto en los medios. Este PG tiene como objetivo principal analizar qué impacto tuvo la aparición de la fotografía digital en la forma en la que los medios de comunicación transmiten su mensaje. A lo largo del desarrollo de los capítulos se tratan temas como la ética profesional, las especificaciones técnicas de las cámaras digitales, y la veracidad de la imagen en la era digital. También se reflexiona sobre la manera en que los reporteros gráficos aprovechan los beneficios y las nuevas posibilidades creativas que ofrece la fotografía digital y las consecuencias que el mal uso de estas herramientas puede tener.

Referencias bibliográficas 
Bilbao Fullaondo, J. (2003). Rodchenko. Disponible en: https://elpais.com/diario/2003/12/16/paisvasco/1071607213_850215.html. Recuperado el día 6 de mayo de 2018. 
Colorado Nates, O. (2013). Alexander Rodchenko, fotógrafo revolucionario. Disponible en: https://oscarenfotos. com/2013/05/11/alexander-rodchenko-la-revolucionfotografica/. Recuperado el día: 20 de abril de 2018. 
Dorment, R. (2009). Rodchenko and Popova at Tate Modern - Review. Disponible en: https://www.telegraph.co.uk/ culture/art/4928225/Rodchenko-and-Popova-at-Tate-Modern-review.html. Recuperado el día: 22 de abril de 2018. 
Fernández Villaverde, M. (2015). Alexander Ródchenko - ¨Lengiz¨. Disponible en: http://www.elcuadrodeldia. com/post/127220918042/alexandr-ródchenko-lengiz- 1924-fotomontaje. Recuperado el día: 6 de mayo de 2018. 
Jobey, L. (s/f), Revolutionary photographs by Alexander Rodchenko. Disponible en http://www.ft.com/intl/ cms/s/2/b8cbd3fe-28ee-11e0-aa18-00144feab49a. html#axzz2Stwbnyh4. Citado en Colorado Nates, O. (2013). Alexander Rodchenko, fotógrafo revolucionario. Disponible en: https://oscarenfotos.com/2013/05/11/ alexander-rodchenko-la-revolucion-fotografica/. Recuperado el día: 20 de abril de 2018. 
Machado, A. (2008). Convergencia y divergencia de medios. La Habana: Miradas. 
Secher, B. (2008). Rodchenko, a man who took life lying down. Disponible en: https://www.telegraph.co.uk/ culture/art/3671028/Alexander-Rodchenko-A-manwho-took-life-lying-down.html. Recuperado el día: 22 de abril de 2018.

(*) Licenciada en Fotografía (UP). Miembro del Equipo de Evaluación de Proyecto de Graduación de la Facultad de Diseño y Comunicación de la Universidad de Palermo.

Resúmenes de Trabajos Finales de Grado aprobados 
Organizados alfabéticamente por apellido del autor 

Antonella Picone Menchaca 
El gesto de la moda en la fotografía. El uso del posado escultural 
Licenciatura en Fotografía. Categoría: Creación y expresión. Línea temática: Historia y tendencias

El Proyecto de Graduación se ubica en la categoría Creación y Expresión y sigue la línea temática Historia y Tendencias, creando de esta manera una producción fotográfica poniendo en práctica los conceptos de las posturas y gestualidades de las esculturas griegas. 
A través del recorrido de la fotografía y de su rama la fotografía de modas, se analiza la transformación del cuerpo humano desde la Antigua Grecia, pasando por las diferentes décadas hasta llegar a la actualidad, exponiendo el uso de estos conceptos en producciones de fotógrafos de modas de este periodo. 
Se enfoca en los conceptos adoptados por los griegos que tomaban la idealización matemática como metáfora de simbolizar a los dioses en la Tierra y lo representaban en su espejo corporal humano a través de regulación de la proporción orgánica donde la modificación de la pose contribuye a la transformación de la silueta, de esta forma utilizaban el cuerpo como principal herramienta para la creación artística, por ello aspiraban a crear obras que trascendieran el tiempo, buscando crear la belleza eterna. La fotografía de moda, en cierto modo retoma una y otra vez no solo esta ideología, sino que también utiliza el posado de muchas de las obras escultóricas con el fin de crear hipertextos, es por ello que la motivación para el desarrollo de este Proyecto de Graduación se basa en el interés del uso constante de determinadas gestualidades corporales como herramienta en la construcción en la fotografía de moda. El posado fotográfico crea un cuerpo que abandona las posturas naturales para exigirle torsiones y expresiones que respondan a determinados modelos de proporción, forma, líneas, texturas, asociados a los conceptos como la belleza, la juventud y el buen estado físico, convirtiendo al cuerpo en un medio de expresión mediatizado que reutiliza los moldes para nuevos fines.

María Gabriela Teran Calderón 
El camino de lo analógico a lo digital en fotografía. Cambio en la mirada y su efecto en los medios 
Licenciatura en Fotografía. Categoría: Ensayo. Línea temática: Nuevas tecnologías

El inicio del arte de la fotografía fue mediante imágenes analógicas, las cuales requerían que los fotógrafos tuviesen grandes pericias para resaltar las mejores cualidades del objeto o persona a retratar, debido a que no existía la posibilidad de realizar cualquier tipo de mejora a la imagen. Las personas encargadas debían conocer a detalle las distintas técnicas que hacen una imagen visualmente perfecta, tales como planos y la habilidad de manejar la cantidad de luz que entraría en el sistema
Gracias a los avances en la tecnología la fotografía no detuvo su camino evolutivo y siguió avanzando a través del tiempo, convirtiéndose en un proceso cada vez más ágil, confiable y seguro. De esta manera, y partiendo desde la fotografía en blanco y negro, se logró que las imágenes fueran más nítidas y con una mayor calidad de resolución, es en este momento cuando nació el proceso de fotografía digital, en el cual se llevaron a cabo grandes logros en relación a movimiento, formas de capturar las imágenes, procesos y colores. Es ahí donde surge la problemática a analizar que se plantea a lo largo del Proyecto de Graduación, en donde las modificaciones en la disciplina, afectan la fotografía sobre editada ya que una fotografía analógica ya no tiene una imagen visual placentera como una digital, en donde la edición de la misma mediante software deja como resultado una imagen estéticamente perfecta. ¿Pero hasta qué punto esta imagen pasada por programas de edición deja de ser una imagen real? 
El Ensayo plantea los cambios que generan las nuevas tecnologías sobre la técnica y la estética fotográfica. Se analiza la fotografía en dos momentos clave de su desarrollo, en la fotografía análoga y la fotografía digital, para de esa manera descubrir el papel de las mismas en la situación actual de los medios, dado gracias a los programas de diseño fotográficos tales como Photoshop, Lightroom, entre otros. 
El Proyecto se inscribe dentro de la categoría Ensayo, ya que se trata de una reflexión y análisis sobre los cambios en la fotografía analógica y digital, los cuales serán expuestos mediante ejemplos e historia. En cuanto a la línea temática se ubica en Nuevas Tecnologías ya que trata de los diferentes programas de diseño. Lo que se buscará demostrar con este Proyecto de Grado es cómo ante una nueva tecnología, la fotografía siempre busca ser real, ya sea desde los diferentes tipos soporte que se use. Por lo tanto, el objetivo general fue analizar la historia y el desarrollo de la fotografía, con la finalidad de exponer los cambios de la misma en relación a la manera en que se proyecta al espectador por medio de la prensa. Además, se investigó la historia y los criterios que existen en el mundo del arte sobre la fotografía digital y analógica. Se reveló información acerca de la prensa y los medios en la época de la fotografía analógica y digital para de esa manera profundizar las ventajas y desventajas de las mismas. Por último, se quiso evaluar hasta qué punto se puede post producir una imagen sin que pierda credibilidad.


La fotografía híbrida. De Ródchenko a la era digital fue publicado de la página 91 a página94 en Escritos en la Facultad Nº142

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