• Montaje cinematográfico. Arte de movimiento. Editorial La Crujía. Ciudad Autónoma de Buenos Aires

Autor: Rafael Cristóbal Sánchez Docente: María de la Paz Bernadez El autor toma al montaje como principio estructurante del arte cinematográfico. Aborda la cuestión del movimiento dentro de la imagen y entre las imágenes teniendo en cuenta la percepción que esto genera en el espectador. También establece la relación entre la forma musical y el montaje. Finalmente explica la forma de montar tradicional en moviola. Sus supuestos parten de cómo realizar un rodaje con la edición en mente. Es un verdadero manual de montaje para los que se inician en el arte cinematográfico. BREVE COMENTARIO DEL AUTOR Rafael Cristóbal Sánchez nació en Santiago de Chile en 1920. Licenciado en Filosofía estudió además musicología, armonía y composición musical. Sus trabajos y estudios de cinematografía comienzan en 1939 en los Estudios San Miguel de Buenos Aires. Su capacidad profesional lo ha llevado a trabajar, investigar y enseñar fotografía, cámara, iluminación, compaginación, sensitometría y laboratorio, guion técnico y dirección cinematográfica. Desde 1980 en adelante se desempeña como académico de Instituto de Estética de la Pontificia Universidad Católica de Chile, dictando diversos cursos y seminarios tanto a escala nacional como internacional. Ha dirigido más de medio centenar de films y además trabajó en ellos como argumentista y compaginador. ANÁLISIS DE LOS CAPÍTULOS SELECCIONADOS • Materia primera: Cap. 1 a 6. El autor aborda el origen de las leyes composicionales y la aplicación de los principios estéticos de la composición al cuadro cinematográfico. • Materia segunda: Capítulos 1 a 5. El autor aborda cuestiones referidas a la cámara como agente activo dentro del cuadro cinematográfico. Toma la continuidad o “raccord” como principio fundamental del discurso fílmico. • Materia tercera: Cap. 1. Profundiza cuestiones referidas cuestiones de continuidad dentro del discurso fílmico. COMENTARIOS: Manual recomendado para aquellos que se inician en la práctica del rodaje y del montaje. Catálogo de Biblioteca: https://biblio.palermo.edu/EOSWeb/OPAC/Index.asp Ubicación biblioteca UP: 791.43 SAN

  • Había una vez...Cómo escribir un guión. Editorial Nobuko

Autores: Lito Espinosa y Roberto Montini. Docente: María de la Paz Bernadez. Temas: • La estructura narrativa. • El conflicto. • La idea argumental. • El guión. • El personaje. CAPÍTULOS SELECCIONADOS:2,3,4,5,8 El objeto de estudio en su totalidad se refiere a las distintas partes que componen la estructura narrativa .El autor hace hincapié en la idea de conflicto como elemento vertebrador de la historia que se quiere contar. Luego también es importante la creación del personaje y el concepto secuencia y escena como elementos fundamentales para dar al relato características cinematográficas. Es un manual práctico para todos aquellos que quieren comenzar a escribir un guión y deben desarrollar su idea de una forma cinematográfica. BREVE COMENTARIO DEL AUTOR: Lito Espinosa ha sido autor cinematográfico, televisivo y docente de la carrera de Diseño de Imagen y Sonido de la Universidad de Buenos Aires y otras instituciones. Roberto Montini es autor y productor cinematográfico, televisivo y docente de la carrera de Diseño de Imagen y Sonido y otras instituciones. Ambos son autores de “Había una vez…Cómo escribir un guión”, un manual de guionismo con consejos prácticos para todos los que se inician en la escritura cinematográfica. ANÁLISIS DE LOS CAPÍTULOS SELECCIONADOS Contenidos de cada capítulo: • Capítulo 2: La idea argumental: Explica a qué se llama idea argumental, cómo armarla y cuáles pueden ser fuente de selección de las mismas. • Capítulo 3: El conflicto: Toma el conflicto como motor de toda idea argumental. Explica los distintos tipos de conflictos existentes y los errores en la formulación de los mismos durante el proceso de escritura. • Capítulo 4: El personaje: Aborda las características físicas, psicológicas y sociológicas que debemos de tener en cuenta al dar vida a los personajes en las historias de ficción. • Capítulo 5: La estructura dramática: El manejo de la información. Aborda toda cuestión relacionada con la dosificación de la información en el tiempo y el espacio de la historia que se va a contar y señala los distintos momentos en la estructura narrativa. • Capítulo: 8: La secuencia, la escena y los diálogos: Señala cuál es el formato cinematográfico y especifica la diferencia entre escena y secuencia. También formula los inconvenientes que pueden surgir en la formulación del diálogo. COMENTARIOS La bibliografía analizada constituye un práctico manual para todos aquellos que deseen aprender el arte de la escritura cinematográfica Catálogo de Biblioteca: https://biblio.palermo.edu/EOSWeb/OPAC/Index.asp Ubicación biblioteca UP: 791.437 ESP

  • Entre dibujos, marionetas y pixeles. Buenos Aires. Editorial: La Crujía

Autor: Cáceres German Docente: María de la Paz Bernadez. TEMA: La animación. CAPÍTULOS SELECCIONADOS: 1, 2,5 Dentro de la temática de la imagen en movimiento el autor aborda el tema de la animación. A través de entrevistas con distintos artistas de dicho género, se describen procesos de producción de films de animación como también sus técnicas de creación. También hay una relación entre la historieta y la animación. Se citan para ello diversas películas con descripciones puntuales de cada una de ellas. BREVE COMENTARIO DEL AUTOR Germán Cáceres es autor de cinco ensayos de historietas, tres libros de cuentos, dos novelas, tres libros de literatura infantil y juvenil, cuatro obras de teatro y dos compilaciones de cuentos. La Secretaría de Cultura del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires le otorgó el 1°Premio Especial Eduardo Mallea por su ensayo la aventura en América. El 5 de Agosto de 2003 fue nombrado socio honorario de S.A.D.E (Sociedad Argentina de escritores) ANÁLISIS DE LOS CAPÍTULOS SELECCIONADOS Contenidos de cada capítulo: Capítulo 1: Tienen la palabra. Mediante una entrevista con el realizador Rodolfo Mutuverría explica las etapas del proceso de producción de un film de dibujos animados. Capítulo 2: Ciclos de animación. Aborda la relación existente entre la historieta y el cine. Realiza un recorrido por historietas que posteriormente fueron llevadas al cine. Capítulo 5: Tienen la palabra II. Mediante una entrevista al realizador Juan Antín, se describen las técnicas de animación en 3D y 2D por computadoras. COMENTARIOS: el estilo de entrevista que utiliza el autor hace que resulte amena la descripción de una técnica de trabajo. Muy buen enfoque para hacer una bajada de la teoría a la práctica. Catálogo de Biblioteca: https://biblio.palermo.edu/EOSWeb/OPAC/Index.asp

  • De Altamira a Toy Story. Evolución de la animación cinematográfica. Proyectos en el aula.N°8. Centro de Estudios en Diseño y Comunicación.

Facultad de Diseño y Comunicación. Universidad de Palermo.49-56. Buenos Aires. Autor: Falcone, Jorge (2002) Docente: María de la Paz Bernadez TEMA: La animación Pag.49 a 56.Todo el artículo. Capítulos 1 a 6 El presente artículo constituye un trabajo de análisis que recorre el fenómeno de la animación cinematográfica desde su génesis a los tiempos que corren. Ejemplifica con films las técnicas de animación que menciona, pasando por diversas escuelas. BREVE COMENTARIO DEL AUTOR Realizador cinematográfico especializado en Animación (IDAC, 1992) Escritor y documentalista. Profesor de la Universidad de Palermo en el Departamento Audiovisual y el de Investigación y Producción de la Facultad de Diseño y Comunicación. Fue Director de RRPP de la Sociedad Argentina de Escritores, jurado en numerosos concursos literarios, y publica artículos periodísticos regularmente en diversos medios. ANÁLISIS DE LOS CAPÍTULOS SELECCIONADOS • Capítulo 1: Introducción .El autor da los lineamientos generales de los temas que va a tratar en el artículo y hacia quiénes estarán dirigido. • Capítulo 2: Definición y principio de Stop Motion. Se explica la definición de la presente categoría y en qué consiste la animación. • Capítulo 3: Técnicas. El autor aborda y explica citando ejemplos las diversas técnicas de animación. • Capítulo 4: Escuelas. El autor menciona y describe las diferentes escuelas de animación de todo el mundo. • Capítulo 5: Evolución. El autor realiza una cronología del tema de la animación. • Capítulo 6: Prospectiva: El autor realiza una crítica a los dibujos de animación actuales y su lugar en la sociedad. Queda desdibujado el lugar del héroe, del bien y del mal. COMENTARIOS: El artículo es eficaz para describir técnicas, escuelas y dar un pantallazo de la situación actual del género tanto a nivel local como internacional. http://fido.palermo.edu/servicios_dyc/publicacionesdc/vista/detalle_articulo.php?id_libro=97&id_articulo=4995

  • La composición de la imagen en movimiento. Barcelona Ed. Gedisa

Autor: Feldman Simón Docente: María de la Paz Bernadez CAPÍTULOS SELECCIONADOS:1,2,3,4 RESEÑA DEL LIBRO EN SU TOTALIDAD El autor aborda el pasaje de la imagen fija a la imagen en movimiento y a los descubrimientos que posibilitaron dicho pasaje. Desde la era prehistórica la preocupación del hombre fue la de dar movimiento a las imágenes estáticas. Esto tuvo su correlato en distintas etapas de la historia del arte hasta cristalizar en el invento del cinematógrafo. También se hace un estudio de la composición estructural de la imagen dedicada especialmente a todos aquellos que desean dar los primeros pasos en la realización audiovisual. Breve comentario del autor: Simón Feldman se formó en pintura , diseño y cine en Buenos Aires y en París. Ha dirigido largometrajes y cortometrajes de ficción así como también documentales y films de animación. Es profesor titular consulto de la Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo de la Universidad de Buenos Aires. y también de otras universidades argentinas. Ha escrito obras referidas a la temática audiovisual como La composición de la imagen en movimiento, La fascinación del movimiento, La realización cinematográfica y El director de cine ,entre otras 8-ANÁLISIS DE LOS CAPÍTULOS SELECCIONADOS Contenidos: Cap.n°1: “La percepción visual”: Contenidos: Representación y percepción del movimiento. La percepción por el espectador. Ilusiones ópticas. Existe aquí un recorrido por la imagen de todos los tiempos y desde las distintas etapas de la historia del arte. Se trata de demostrar la existencia de la necesidad humana de dar vida a las imágenes estáticas. Desde la pintura rupestre pasando por la fotografía, los juguetes ópticos y culminando con el cinematógrafo se mostrará el pasaje de la estaticidad al movimiento a través de las ilusiones ópticas. Cap.nº2: “Componer las imágenes, para qué” Contenido: Creatividad e imaginación. Este capítulo parte de parámetros composicionales para realizar una imagen. Se muestra el concepto de estructura y se advierte sobre la necesidad de utilizar un método más allá de toda improvisación. Se trata de determinar parámetros compositivos a partir de la observación de ejemplos pictóricos que promueven la reflexión y el pensamiento crítico. Capítulo 3: “Las estructuras de la imagen” Contenidos: Función de la cámara. Toda la superficie de la imagen es válida. Organización del cuadro. Aquí se trata de mostrar la composición de la imagen en sí misma y se determinará que la composición es un medio y no un fin que puede ayudar a la expresión pero que no la suplanta. También se establecerá la relación entre forma y contenido. Cap. 4: “La composición de la imagen en movimiento” Contenidos: La continuidad. El conflicto. La estructura narrativa. El encuadre gráfico o storyboard. En este capítulo se establece una relación entre los diversos elementos que componen la estructura narrativa audiovisual. Se dan los lineamientos generales a los realizadores principiantes para poder concretar la obra audiovisual. Catálogo de Biblioteca: https://biblio.palermo.edu/EOSWeb/OPAC/Index.asp (791.43 FEL)

  • El lenguaje del cine. Barcelona

Autor: Marcel Martin 2008 Docente: María de la Paz Bernadez CAPÍTULOS SELECCIONADOS:2,3,5.6 Marcel Martin hace un detallado estudio de la historia del cine en su totalidad, pasando por diversas obras cinematográficas. Realiza así un análisis exhaustivo de dichas obras reflexionando en todos los componentes que hacen a la imagen cinematográfica. Para aquellos que se inician en la escritura cinematográfica brinda las herramientas de lenguaje necesarias para poder realizar sus propias creaciones audiovisuales a partir del análisis de textos fílmicos diversos. Se convierte este texto en manual de referencia para todos aquellos que quieran abordar el lenguaje del cine desde la semiótica cinematográfica. BREVE COMENTARIO DEL AUTOR: Marcel Martin (1908-1980) fue crítico de cine, secretario general de la FIPRESCI (Federación Internacional de la Prensa Cinematográfica) y director de películas experimentales como Jeux des mains(1948), Terra Vague(1957), L’assurance(1962), o Golden Ophelia (1974).Entre sus principales escritos se encuentran Charlie Chaplin, Jean Vigo, y Le cinema français depuis la guerre. Capítulo n°2. La función creadora de la cámara. Encuadres. Distintos tipos de planos. Movimientos de cámara. Ángulos de toma. El autor realiza un recorrido por obras cinematográficas de autores diversos introduciendo las categorías básicas del lenguaje cinematográfico y constatando la teoría con la ejemplificación fílmica. Capítulo n°3. Los elementos fílmicos no específicos. La iluminación. El vestuario. Los decorados. El color. La pantalla grande. El desempeño actoral. El autor aborda cuestiones de puesta en escena ejemplificando los elementos significantes que hacen a la misma a partir de films diversos. Capítulo n° 5. Enlaces y transiciones. Enlaces de orden plástico. Enlace de orden psicológico. El autor explica cómo se logra la articulación del texto cinematográfico a partir de diversos signos de puntuación, como son los distintos enlaces y transiciones mencionados arriba. Capítulo n|°6: Metáforas y símbolos. Las metáforas. Los símbolos. El autor aquí apela al sentido que posee la imagen en sí misma y en su relación con otras imágenes. Se trata de encontrar una lectura de la imagen que va mas allá de lo aparente. Marcel Martin muestra literalmente a la imagen en sí y al segundo significado que aflora a partir de la reflexión. Catálogo de Biblioteca: https://biblio.palermo.edu/EOSWeb/OPAC/Index.asp (791.430MAR)

El 10 de abril se proyectó el film El Gabinete del Dr Caligari (1919) de Robert Wiene, intervenido sonora y musicalmente. El artista, compositor y performer Miguel Rausch utilizó diversos recursos, formales e informales.

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  • Multimedia aplicada 2ª Edición México – Interamericana Editores

Autor: Mc Graw Hill – 2001 Docente: Ponce, Osvaldo En los últimos años se ha modificado el uso que se le daba a las computadoras. Anteriormente se utilizaban en el área administrativa para la elaboración de cartas, memorándums, balances, inventarios, etc. Posteriormente con la creación de nuevos dispositivos periféricos se abrió un nuevo panorama: el de utilizar a la computadora para crear animaciones, reproducir música y combinar música con imágenes. Este nuevo enfoque es Multimedia. En “Multimedia Aplicada” se incentiva a los usuarios a conocer las herramientas básicas para diseñar nuevas aplicaciones multimedia. Reflexión: Hoy en día en la multimedia, el video es uno de los más importantes protagonistas por su capacidad de combinar sonido e imágenes con gran precisión. En su aparición como herramienta análoga comenzó a dar cuenta de no lineal han hecho posible esto. ello, pero a partir de la llegada del universo digital tanto desde la captura como de la edición de imágenes se abrió un nuevo campo de aplicación artística, que se democratizó con las cámaras digitales y los nuevos sistemas de edición, donde con mínimos recursos los artistas se pueden expresar. La computadora con los programas de captura, digitalización y edición de video Esta nueva forma de vincular la ciencia con el arte ha seducido a los artistas consagrados y a los emergentes a trabajar en nuevos y específicos diseños de Multimedia. Catálogo de Biblioteca: https://biblio.palermo.edu/EOSWeb/OPAC/Index.asp 006.6 MUL - 042397

  • El sitio de la mirada. Secretos de la imagen y silencios del artes Buenos Aires: Grupo editorial Norma

Autor: Grüner Eduardo (2001). Docente: Sagristani, Gabriela Primera Parte: Fetichismos de la memoria. El arte: dela religión de la imagen a la redención del cuerpo 1. El dilema de Job, o lo sublime en Auschwitz 2. "Ese crimen llamado Arte..." 3. El arte, el tedio y más allá... 4. Arte/Memoria/Repetición 5. Políticas del arte (de la memoria) 6. La imagen desaparecida, o la invisibilidad (re)presentada 7. El arte del secreto y el nombre de los Otros Segunda Parte: El cine, o la imagen en movimiento de los tiempos modernos 1. El Comienzo contra el Origen. La dimensión crítica de la trasposición Literatura/Cine 2. El año en que murió Pasolini y Sartre perdió la vista 3. La imposible construcción de la modernidad. La relación arquitectura/cine y la dialéctica fetichismo/autonomía 4. Del Fetiche al Pastiche. El cine como síntoma de la cosificación cultural Tercera Parte: Ut pictura Poiesis: la Pintura (no) sabe lo que dice 1. El grito/el silencio: la mirada/el murmullo 2. La abeja y la mosca. El vuelo del ojo de Lucas Cranach 3. Barroco y sus hermanos. Fragmentos con punto final 4. La otra dimensión. Tres entradas al recinto de Las Meninas de Velázquez (y Foucault) 5. Eroticónica (I): Entre el Deseo y el Miedo. El Eros medieval 6. Eroticónica (II): El todo sin partes. Renacimiento y deserotización 7. Eroticónica (III): Fragmentos de amor, de locura y de muerte 8. Trompe-I''oeil: la (ideo)lógica del simulacro 9. El sistema Matisse: un delicado equilibrio Apéndice ANALISIS Y RECOMENDACIONES En este texto ,el autor, situa su mirada y recorre con ojo critico y sagaz el arte del s.XX, partiendo de la hipótesis de que no hay formas puras de la mirada y por lo tanto no hay transparencia visual. Desde esta perspectiva, trabaja desde que punto la imagen ha sido históricamente un aparato constitutivo de la subjetividad colectiva y del imaginario histórico – social. Partiendo de un marco teórico que recorre desde Kant hasta Deleuze, Grüner renueva la relación existente de la producciones que van desde Eisenstein a Pasolini como así también de Velásquez a Bacon renovando de este modo los vínculos entre cine y literatura; cine y pintura o cine y filosofía. El sitio de la mirada propone, entonces, desentrañar el gesto que habita en toda creación sitiando a la mirada que la compone. Eduardo Grüner: Referente en el ámbito teórico argentino. Profesor en las facultades de Ciencias Sociales y Filosofía y Letras de la UBA . Ha publicado varios libros de importancia en diversas áreas como la teoría política, teoría del arte, estudios culturales o la filosofía, además de haber ayudado a mantener viva la discusión en el ámbito cultural de su país publicando en diversas revistas y medios especializados como El Ojo Mocho, Confines, Punto de vista, Diatribas, Conjeturas, El Rodaballo . Asimismo dirigió la revista de crítica de cine Cinégrafo durante los años ´80. DESARROLLO: Relación Pintura -Cine Parte Segunda: :El cine o la imagen en movimiento de los tiempos modernos. En “Las Bocas de Eisenstein y Bacón”, Grüner trabaja la trasposición posible entre pintura y cine y viceversa tomando a Francis Bacon como paradigma privilegiado. De este modo señala como punto de partida para su análisis la infinidad de bocas que el artista plástico ha desarrollado casi a modo de programa iconográfico. Después de la cabeza, la parte del cuerpo fetiche de Bacon es la boca. Para el pintor, funciona como cavidad que une la realidad con el interior del cuerpo, una abertura profundamente sexual que traga y expulsa el mundo. “Todo el cuerpo se escapa por la boca que grita”, escribe Deleuze aludiendo a las versiones que Bacon hizo del retrato de Inocencio X de Diego Velázquez y el cuadro inspirado en el personaje de la niñera de la película El acorazado Potemkin de Sergéi Eisenstein. En ambos, el pintor resalta el grito en la boca de ambas figuras, como escape del horror que transmite cada escena, y en lo que Bacon no se cansará de insistir. Bacon funda de este modo una conciencia pictórica del cine, no tanto por haber pintado lo que Eisenstein filmó, sino por el solo hecho de detener la continuidad diegética del film para devolverla al mundo cerrado y enmarcado de la pintura. Y no es por casualidad que Bacon ha elegido la imagen del grito¿ acaso no es allí, por contraste,donde mejor se revela la mudez y el silencio radical de la pintura? Catálogo de Biblioteca: https://biblio.palermo.edu/EOSWeb/OPAC/Index.asp

  • El ojo interminable. Cine y pintura. Barcelona: Paidos.

Autor: Aumont, Jaques (1997).
Docente: Sagristani, Gabriela

INDICE:

Lumière, El último pintor impresionista. El ojo variable o la movilización de la mirada. Formas del tiempo, o las intermitencias del ojo. De un marco al otro, el borde y la distancia. De la escena al lienzo, o el espacio de la representación.

Luz y Color: lo pictórico y lo fílmico.

Forma y deformación, expresión y expresionismo. Godard pintor, o el penúltimo artista. Pintura y cine.

ANALISIS Y RECOMENDACIONES

Este libro pretende abordar la posible relación entre cine y pintura apoyándose en el lazo estético de estas dos disciplinas artísticas desde una perspectiva histórica la cual se inicia con el análisis fílmico de Lumière pasando por Godard, Martin Scorsese y el cine experimental de nuestros días. La tesis fundamental del autor radica en evidenciar que la relación cine y pintura no se traduce por correspondencia directa, la cámara no es el pincel ni el cuadro el film, sino por filiaciones y cruces entre estas dos disciplinas artísticas en tanto se traducen primordialmente a partir del uso del lenguaje visual.

Este libro esboza en múltiples direcciones un primer planteo de esta relación, cine - pintura, desde donde poder empezar a comprender y pensar la complejidad de la misma, aportando una mirada critica e histórica apoyándose para ello en el cruce bibliográfico y el análisis fílmico.

Aumont, Jaques Participa del comité organizador de la revista Cahiere du Cinema. Dirige el departamento de cine de la Universidad de Paris. Es autor entre otras obras de:Cine Análisis del film. Estética del cine. La imagen y el rostro en el cine.

DESARROLLO:

Capitulo :Luz y Color. Lo pictórico en lo fílmico. El capitulo trabaja la vinculación entre pintura y cine como filiación de parentesco en tanto el cine como séptimo arte no puede adquirir su sentido pleno si se lo separa de la historia de la pintura.

Asimismo esta filiación no apunta a representar del mismo modo el espacio, el tiempo o la ficción dado que no emplean para ello los mismos procedimientos.

Para ello el autor trabaja conceptos claves del lenguaje plástico como luz y color encontrando su correlato en el tratamiento que de ellos hace el séptimo arte.

Catálogo de Biblioteca: https://biblio.palermo.edu/EOSWeb/OPAC/Index.asp