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“Hay una coreografía permanente entre lo que pasa en vivo y lo que pasa en la pantalla”

Expresó el director teatral Federico León

Se realizó la décima edición de Escena Creativa, seminarios gratuitos de capacitación y actualización donde los protagonistas y creadores presentan su producción, reflexionan sobre su obra, explican técnicas. Allí estuvieron presentes Federico León, José María Paolantonio y Héctor Calmet.

14/12/2009

“Hay una coreografía permanente entre lo que pasa en vivo y lo que pasa en la pantalla”

En el sistema teatral actual, las tecnologías se han incorporado a la escena ampliando la gama de posibilidades en el aspecto visual del espectáculo, al mismo tiempo que modifican el concepto total de puesta al incorporar la virtualidad audiovisual al aquí y ahora del hecho teatral. En un primer encuentro, el 30 de septiembre, Federico León junto a su equipo creativo, trabó la dialéctica que se impone entre la organicidad marcada por la presencia actoral y su fusión con técnicas cinematográficas, tomando como caso testigo el montaje de Yo en el futuro (CTBA: 2009). En un segundo encuentro, el 7 de octubre, José María Paolantonio y Héctor Calmet, abordaron la utilización de las técnicas audiovisuales en la puesta de Titulares (CTB A: 2009)

En el seminario Escena y Nuevas Tecnologías realizado por Federico León, junto a su equipo creativo: Jimena Anganuzzi (actriz y autora), Esteban Lamote (actor y autor) y Julián Tello (Técnico general y autor) trabajaron la correlación entre teatro y tecnologías a partir de su creación Yo en el futuro (TMGSM, 2009). La idea partió de haber compartido los tres una casa-teatro durante tres años y el deseo de realizar un proyecto en donde se mezclara el cine y el teatro. Tuvieron una idea motora que era que tres adultos de 80 años tenían unos videos caseros que hacían repetir a dobles suyos adolescentes y chicos. En este espectáculo no hay una idea de escena, ni de personajes, casi no hay textos, “hay una coreografía permanente entre lo que pasa en vivo y lo que pasa en la pantalla. Fue muy interesante mezclar ambos mundos: el de la gente de cine con la de teatro. Por ejemplo, el iluminador de pantalla tenía que trabajar con el iluminador del escenario. Usamos el video de referencia para explicarles a los técnicos qué tenían que hacer. Lo que no fue fácil. Recién tres semanas antes del estreno se pudo ver cómo iba a ser la obra. Hay una cantidad de objetos que se asocian con cosas del vivo: Las líneas son muchas, tantas que probablemente algunas se le escapan al espectador. Hay un montón de trabajo que no se ve. Es importante que el espectador no se trabe la cabeza en un intento por comprender todo. Hay otra inteligencia que me interesa, que tiene que ver con lo intuitivo y emocional”.

El lugar para desarrollar el proyecto fue la Sala Lugones del Teatro San Martín. Se trata de una sala que ahora se utiliza para proyectar cine, pero que fue construida en la época de Perón y era un lugar de variedades. Esto resultó ideal para el proyecto porque “la obra pide que haya cine y que se proyecte en una sala de cine. No se trata de un espectáculo multimedia. Es la lógica de un sueño en el que convive el pasado con el futuro: “Este trabajo sobre lo teatral y lo cinematográfico, además de ser muy costoso, implicó mezclar la gente de teatro con la de cine, lo cual no resulta fácil, y por otro lado requirió un trabajo de posproducción muy complicado donde se trató de conjugar los elementos en diez meses. “Uno siempre es productor de sus obras y tiene que ir desarrollando estrategias para llevar adelante su proyecto”.

Este seminario concluyó en un segundo encuentro donde José María Paolantonio y Héctor Calmet desarrollaron la utilización que hicieron sobre las nuevas tecnologías en su puesta de Titulares (Teatro Alvear, 2009) sobre la vida de Natalio Botana. “Esta obra de Bernardo Carey está escrita como un guión cinematográfico, entonces la idea fue tener ambientaciones proyectadas e incorporar al teatro como tal. Dado que sólo contábamos con un proyector, decidimos dividir el fotograma en cuatro partes lo cual nos dio la posibilidad de cambio rápido de decorado y a la vez una estética muy atractiva. Por otra parte se necesitaba tiempo para realizar los cambios de utilería pesada sin que los maquinistas rompieran con el clima, entonces, tuvieron la idea de bajar un friso donde se proyectaran titulares de la época para conservar el clima mientras se realizaban los cambios”, explicó Paolantonio.

Luego Calmet agregó: “El mérito del director es intuir cómo va a quedar el espectáculo 4 meses antes, para prever los problemas. Había, por ejemplo, que evitar la sombra de los actores sobre la pantalla. La luz se hizo con cenitales y luces en picada para que el reflejo no compitiera con la proyección. Proyectábamos sobre tela negra porque da una imagen mejor que la blanca ya que no compite tanto ni deja una aureola de luz”.

Estéticamente toda la puesta se trabajó en una paleta de blancos y negros excepto la escena del mural de Siqueiros, se buscó un concepto de iluminación basado en El ciudadano de Orson Welles incorporando un tratamiento expresionista a la luz y al espacio. La obra tuvo una duración de una hora quince minutos con 27 cambios, es decir que había escenas de 2 minutos, lo cual se condecía con el ritmo apurado de la vida de un periodista y esta idea se pudo resolver estéticamente a través de las proyecciones. Todas estas ideas fueron desarrolladas en el seminario a través de una presentación muy exhaustiva de todos los bocetos, planos e imágenes del espectáculo. También se incorporó un tratamiento expresionista a la luz y al espacio.


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