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“En los ensayos busco que no se interponga de antemano lo intelectual sino que haya un proceso lúdico”

Dijo Guillermo Cacace, director teatral

El 2 y 9 de noviembre se llevaron a cabo los dos encuentros del último seminario del ciclo Escena Creativa 14,

20/3/2012

“En los ensayos busco que no se interponga de antemano lo intelectual sino que haya un proceso lúdico”

En el primero de los encuentros, Guillermo Cacace habló sobre su concepción de la dirección: “Dirigir es generar las condiciones de posibilidad para alterar la percepción del tiempo y el espacio entre dos grupos humanos en vivo”. Dentro de esta concepción, trabajó cuáles serían las situaciones portantes de teatralidad. “El teatro como acontecimiento puede divorciarse de la literatura dramática. Pese a esto, yo trabajo mucho con textos clásicos, me parece que es interesante el ejercicio de crear desde un texto y sentir una relación de libertad con lo que fue mi disparador, poder tener una fidelidad irresponsable, una fidelidad con lo que me pasa a mí con ese disparador y luego con el grupo humano con el que lo voy a montar”.

Esta concepción la contrapuso a la idea de un director que toma un texto, intenta comprender su mensaje y junto con su grupo lo transmite, ya que esto generaría un cierre de sentido y lo que a él le interesa es abrir el campo semántico: “En los ensayos busco que no se interponga de antemano lo intelectual sino que haya un proceso lúdico. La tarea del director es arbitrar los medios de que dispone para que el elenco entre al montaje abriendo su posibilidad de escucha para poder encontrar más sentidos que significados. El sentido se genera por un compromiso con lo que pasa. La idea es que el flujo sensible también entre en contacto con el espectador desde ese lugar”.

Analizó luego, la creación de los “dispositivos de percepción” que trabajó en dos espectáculos recientes: Stéfano (2008) y Mateo (2011), ambos de Armando Discépolo, deteniéndose en cómo planificó y llevó a cabo los primeros ensayos en ambos proyectos, teniendo en cuenta los sistemas de producción diferentes en los que se llevaron a cabo. El segundo encuentro se focalizó en cómo hace el actor para crear trama entendiendo al actor como el eje de la producción de teatralidad. Una de las cuestiones que diferenció es la acción como algo compulsivo y la acción transformadora. En este sentido definió la acción como “lo que hago para transformar y que a la vez me transforma. Es necesario que el actor le de más importancia a “estar” en escena, como vía para estar presente y no a accionar compulsivamente, que lo coloca en un “como si” donde no genera nada porque esas acciones no son de un carácter transformador”.

Una de las preguntas que se hizo fue: ¿cómo hacer para que un actor esté? “Darle importancia a la percepción. No hay acción que quede escindida de un acto de percepción. Que el actor esté atento, relajado, con su cuerpo disponible. Se trata de un trabajo de deconstruirse, preocuparse más por lo que le está impidiendo percibir que por construir”. Planteó entonces, un esquema en donde la Percepción, lleva a la Necesidad que a su vez lo lleva a la Acción. Explicó cada una de estas instancias resaltando que prefiere el concepto de Necesidad porque instala al actor en un lugar más físico, que los conceptos de quiero o deseo. El camino que propone es el compromiso físico en escena y de ahí comenzar a deducir las necesidades del personaje. “Yo dono, como actor, mi cuerpo para que tenga percepciones, que generen necesidades y acciones. La necesidad tiene que nacer de un estado sensible de percepción que comienza por el “estar”. Las intervenciones como director, primero, tienen que desbloquear todo lo que anule el estado de percepción del actor, hacer intervenciones sobre el cuerpo del actor para desbloquearlo, que se habiliten impulsos que lo lleven a accionar”. La idea es que el actor primero meta el cuerpo, ver qué infiere y luego que reflexione sobre lo que sucede en escena. “La tarea del director es facilitar que algo suceda en el marco de unas decisiones estéticas, sabiendo que cuando facilito, puedo atentar contra las decisiones estéticas que tomé... ya que lo que el actor hace puede generar cambios en mis primeras hipótesis de lenguaje”.


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