Noticias de la Facultad de Diseño y Comunicación

"Los iluminadores organizamos la mirada en el teatro"

Afirmó David Seldes, diseñador de iluminación

El 19 de septiembre se llevó a cabo un nuevo Seminario de Autor sobre "Creando luz" dentro del marco de Escena Creativa, organizado por la Facultad de Diseño y Comunicación.

30/9/2014

Durante el segundo cuatrimestre de 2014 se realizó la 20° edición de los Seminarios de Autor Escena Creativa. Estos cursos conforman un espacio de capacitación y actualización donde los protagonistas y creadores presentan su producción, reflexionan sobre su obra y explican técnicas.

Partiendo de las preguntas que originan un diseño de luces, David Seldes hizo un recorrido introductorio por cada una de las etapas de este proceso creativo que tiene como fin materializar la luz de la escena. La "creación" de una puesta de luces tiene varias instancias. En cada una de ellas hay emociones e ideas que emergen y se vuelven “intenciones”. Las mismas se nutren y modifican a partir de lo observado en los ensayos y en los encuentros con el equipo creativo (director, escenógrafo, vestuarista, músico, etc.). A partir de esta dialéctica el iluminador elaborará los aspectos formales y narrativos-emotivos que constituirán su diseño de luces.

Con la coordinación académica de Héctor Calmet y Andrea Pontoriero, el segundo seminario fue Creando Luz por David Seldes, dijo: “Se dice que el iluminador es como el vestuarista de la puesta en escena porque cuando está todo hecho aporta el último ropaje y con nuestro trabajo podemos potenciar o arruinar un espectáculo. La idea es trabajar sobre las posibilidades creativas de la luz desde el diseño”.

Para esto tomó la propuesta de McCandless quien propone cinco ítems para trabajar sobre la luz y los analizó con ejemplos a partir de las puestas de los espectáculos Tepeste de Azul Borenstein, Mateo de Guillermo Cacacce y Al final del arco iris de Ricky Pashkus. Como primera distinción planteó que si bien estos ítems se plantean por separado para el análisis, la mayoría de las veces funcionan juntos en el escenario. El primero es la “visibilidad selectiva”, esto tiene que ver con la posibilidad que tiene la iluminación de organizar el espacio. A través de los elementos de la luz, del brillo, los colores, el contraste y las texturas, se puede organizar la mirada y atraer al espectador al foco de atención. El segundo aspecto de la composición lumínica que analizó fue la revelación de la forma, este aspecto lo considera el más formal y utilizó un ejemplo de iluminación en danza para trabajarlo: “En danza nos interesa el volumen y la dinámica que generan esos cuerpos en el espacio, entonces las calles modelan las formas y nos dan la posibilidad de hacer aparecer y desaparecer sombras en los cuerpos mientras que la luz frontal aplana”, explicó.

El tercer aspecto tiene que ver con la composición del espacio, en este sentido trabajó el tema de los planos longitudinales y transversales y cómo se trabaja la luz, con y sin cámara negra, para establecer límites. El cuarto aspecto tiene que ver con el impacto directo que tiene la luz sobre los estados de ánimo, tomó como ejemplo escenas donde se trabaja el aspecto interno de un personaje y cómo desde la iluminación se logra expresar esa interioridad. El último aspecto es la información que en realidad aparece siempre acompañando a todos los otros ítems. “En el cine la mirada la tiene la cámara, en teatro somos los iluminadores los que organizamos la mirada”, concluyó.

Texto: Andrea Pontoriero

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