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El factor humano. Diseño objetual vs diseño para habitar

Gallarato, Paola [ver currículum del autor, docente de la Facultad de Diseño y Comunicación]

Escritos en la Facultad Nº98

Escritos en la Facultad Nº98

ISSN: 1669-2306

Trabajos Finales de Grado presentados y aprobados [Resúmenes] de todas las carreras de grado de la Facultad y de los ciclos de Licenciatura en Diseño y de Licenciatura en Negocios de Diseño y Comunicación Cursada Segundo Cuatrimestre 2013 - E

Año X, Vol. 98, Julio 2014, Buenos Aires, Argentina | 92 páginas

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Cuando se habla de hombre y espacio, oímos esto como si el hombre estuviera en un lado y el espacio en otro. Pero el espacio no es un enfrente del hombre, no es ni un objeto exterior ni una vivencia interior. No existen los hombres y además espacio porque cuando digo ‘un hombre’ y pienso con esta palabra en aquél que es al modo humano — es decir: que habita — entonces con la palabra ‘un hombre’ ya estoy nombrando la residencia. […] La relación del hombre con los lugares y a través de los lugares con espacios, descansa en el habitar. El modo de coexistencia de hombre y espacio, no es otra cosa que el habitar pensado de un modo esencial. (Heidegger, 1951, p.70)


El proyectista – arquitecto o diseñador – cumple una doble función, encarna un dúplice rol: por un lado es Dios, es quien prefigura lo que todavía no existe, quien posee el poder de modificar el entorno habitable, transformando al mismo tiempo tambiénla manera de hacerlo, estimular el nacimiento de nuevas costumbres e inventar distintas posibilidades de habitar y vivir. 
Por otro lado también es ser humano, es usuario, es quien recorre, quien atraviesa y permanece, habitando aquellos espacios que conforman el cauce de nuestro fluir. 
Las tecnologías digitales de modelado bi y tridimensional que han remplazado el dibujo analógico han permitido una simulación virtual de la realidad cada vez más sofisticada y verosímil, generando una cierta sensación de poder y control que hatransformado el proceso proyectual en una experiencia de operaciones formales y gestos mecanizados. Los espacios así generados adquieren una cualidad objetual, son entidades funcionales y eficientes, hábilmente decoradas en los mejores casos, en donde, sin embargo, el factor humano queda en sordina: el proyectista se olvidó de ser también usuario. La ciudad abunda de objetos construidos, grandes utensilios a veces desproporcionados, cuyos espacios son mera consecuencia de la prepotencia formal de sus líneas, planos y volúmenes concretados y que lo ocupan.La habitabilidad como variable se ha vuelto fría y automatizada, establecida según dispositivos fijos y estándar. 
Humanizar los espacios implica un compromiso profundo que lleva el proyecto más allá de las capacidades técnicas y estéticas de quien lo piensa, presupone otro grado de involucramiento personal y una cierta empatía con quienes serán sus habitantes. Esta actitud consciente y responsable es la que puede realmente hacer una diferencia en el entorno habitable, contribuyendo a una mejor calidad de vida en todos los campos en donde se desempeñan acciones humanas. De hecho, es éste el objetivo principal del diseño: poder encarnar los dos roles – proyectista y usuario – al mismo tiempo, proyectando espacios que sean pensados por y para seres humanos, y no solamente como ejercicios conceptuales y comerciales, desvirtuados de su identidad y su calificación de lugar. 
El proyecto de graduación que ha desencadenado estas reflexiones es el de Laila Seleme con su Humanización Pediátrica, donde la autora analiza con profundidad y compromiso un aspecto del diseño que debería ser imprescindiblemente el más importante a tener en cuenta: su lado humano. La autora plantea con precisión y una amplia fundamentación un proyecto que quiere humanizar los espacios hospitalarios – en particular los infantiles – ofreciendo una reflexión que toca las raíces de la disciplina a través de un desarrollo teórico completo y unas propuestas proyectuales viables y bien presentadas. 
La autora explicita su aporte muy claramente cuando dice que “se considera de extrema relevancia valorar el Diseño de Interiores en espacios donde las características del usuario se ven disminuidas, ya sea por el contexto espacial o porque sus cualidades psicológicas se encuentran afectadas.” (Seleme, 2013) 
En este trabajo se observa una fuerte componente de empatía y acercamiento a los usuarios desde un punto de vista psicológico-social, además que desde una perspectiva funcional y decorativa: la profundidad con la que la autora conduce el análisis de casos demuestra un acercamiento personal que permite al diseño de ocuparse de la intervención desde adentro, detectando problemas y falencias para generar soluciones cuya calidad se ve reflejada en los detalles y en las variables formales de la propuesta. 

[…] se entiende que el humanizar la salud es un trabajo interdisciplinar de varios campos sociales. Por un lado, los trabajadores de los hospitales deben estar a la altura de comprender los sentimientos de angustia, temor y depresión del paciente internado. Por otro, los organismos gubernamentales deben brindar el apoyo necesario, ya sea económico o con políticas de salud de manera que en los centros de salud existan espacios para que el niño se sienta contenido, motivado y con buen estado de ánimo. En otro ángulo, se observa a las clínicas y sanatorios privados, que ya empezaron a humanizar los espacios de salud, y muchos cuentan hoy en día con unidades de hospitalización diseñadas especialmente para pediatría. (Seleme, 2013)

Hablando de factor humano, Laila Frydman en su Entre tiempos, va a tocar una de las claves fundamentales que constituyen la esencia de la disciplina de diseño de espacios. En su ensayo la autora se pregunta de qué forma se perciben y utilizan los espacios en la actualidad, insertando al sujeto – junto con sus transformaciones – directamente en el entorno que lo constituye como tal: el espacio construido. En particular, la autora se ocupa de estudiar aquellos espacios intersticiales identificados como entre tiempos, asociándolos a aquellos momentos de transición a lo largo del día que coinciden con las pausas, los tiempos muertos, de paso desde una actividad a otra. 
La autora reflexiona sin miedo de ahondar en terrenos resbalosos e inciertos, tratando constantemente de preguntar sin la certeza de encontrar respuestas a sus interrogantes: sus búsquedas incluyen estudios sobre el habitar en su sentido más abstracto, así como lo hizo Heidegger (1951) en Construir, Habitar, Pensar, llegando hasta Illich , quien especificó que “habitar es ser consciente del espacio vital y la limitación temporal…El carácter del espacio habitable ha sido determinado a lo largo de los milenios, no por el instinto y los genes, sino por la cultura, la experiencia y la reflexión. Habitar es valorar el pasado, tener recuerdos de un presente, en una actualidad que se vive como un umbral de memoria activa.” (1988) 
La autora reconoce la importancia del factor humano en todos los pasos de su planteo conceptual, detectando, además, los riesgos generados por la tentación de objetualizar el proceso de diseño:

El Diseño de Interiores y la Arquitectura son disciplinas atravesadas por la dimensión social. En este sentido, las formas de vida son objeto de estudio de las ciencias humanas y sociales, incluyendo a la Antropología, la Filosofía y la Psicología. El diseño en su especificidad las problematiza como insumo de sus proyectos, porque es el modo en que el mundo real ingresa y se cristaliza en ellos. Se trata de satisfacer las necesidades y deseos de los usuarios desde soluciones que atiendan sus formas de vida reales, ofreciendo nuevas alternativas de diseño. (Frydman, 2013)

Y llega a la conclusión de que 

Habitar, tal como se expresó en párrafos anteriores, es un concepto complejo con muchas capas de significación, donde sin embargo se vislumbra un rasgo concluyente: el habitar es más que ocupar o usar un espacio. Existe experiencia del habitar cuando se está en presencia de otras maneras de producir lugar. […] En un momento en el cual el mundo, y la ciudad contemporánea sobre todo, se ha convertido en una multitud de fragmentos inhabitables, la construcción de lugares habitables resulta decisiva. (Frydman, 2013)

Hablar del factor humano en el diseño quiere también decir hablar de sustentabilidad y cuidado del medioambiente, así como lo desarrolla Araceli Marino en su Nuestra evolución no debe dañar el planeta. 
En su trabajo la autora estudia los nuevos materiales y productos cuyo uso ayuda a reducir el impacto ambiental y estimula la generación de un diseño conscientemente sostenible. 
La autora recopila con precisión la información necesaria para demonstrar la urgencia de un cambio de hábitos bilateral, por parte de los diseñadores así como por parte de los consumidores y usuarios. Este Proyecto de Graduación proporciona pautas y ofrece posibles direcciones a tomar para que el impacto de nuestra manera de vivir sobre el medioambiente sea lo más orgánico y sinérgico posible. La autora reconoce que intervenir espacios va más allá del ámbito decorativo, reconociendo en qué mesura el diseño puede llegar a afectar el entorno y en qué proporción nosotros – diseñadores y usuarios – somos los responsables de su estado y nivel de habitabilidad. La autora concluye su Proyecto de Graduación observando que

Así como [..] los diseñadores de interiores surgieron como una rama de la arquitectura y su inserción en el mercado se fue expandiendo gracias a los avances tecnológicos y los pedidos de los clientes, los cambios en sus rutinas de vida, etc, […] esos mismos clientes hoy están exigiendo un nuevo estilo de diseño que sea responsable y que llegue a satisfacer esta demanda con mucho más énfasis que cualquier otra por todo lo que trae aparejado consigo, donde el profesional se ve involucrado en un proyecto que ya no le será ajeno si no que deberá ser estudiado minuciosamente porque lo afectará a él también. (Marino, 2013)

Las culturas orientales desarrollaron históricamente una relación entre el ser humano y el medioambiente que posee, en su esencia, una búsqueda mucho más sinérgica que las occidentales. El trabajo de Guissel Jiménez Galeano, llamado Espacios multifuncionales mediante habitaciones tatami, desarrolla con profundidad un ensayo que explora las raíces de la concepción japonesa del espacio habitable, sus elementos constitutivos y sus características semánticas para luego trazar un puente entre ésta y la realidadcolombiana de la ciudad de Bogotá. La autora analiza los principios que determinan la estética y la manera de configurar usos y desplazamientos en los espacios japoneses, reconociendo el vacío como criterio regulador, es decir el dejar libres los espacios lo más posible, para que sean llenados por el habitar.

En lo conceptual los orientales tradicionalmente utilizan el piso denominado tatami, uno de los elementos constructivos originarios del Japón que contiene unos lineamientos que acogen los ideales Zen, mantiene unas medidas específicas, materiales y diseño que se ha regido siempre bajo una mirada propia a través de la ergonomicidad y necesidades básicas del hombre.
[…] se aportarán conocimientos valiosos mediante una línea de investigación educativa y aplicativa sobre el rol de los modelos culturalmente consolidados y afianzados en los usos y costumbres del pueblo del Sol Naciente convergentes al proceso de diseño; lo que se persigue es dar un paso más en la consolidación de la integración de dos culturas al permitir que se revaloren y se reafirmen en sus legados y patrones culturales como una unidad en el Diseño de interiores. (Jiménez Galeano, 2013)

Similmente, también Daniel Goya Rebes, en su Un diseño con inspiración en Minas Gerais, busca cruzar dos culturas – esta vez más cercanas – en una propuesta para un restaurante que transporte el binomio estético-gastronómico de Minas Gerais en Buenos Aires, reconociendo así que la experiencia culinaria, acompañada por una ambientación acorde, puede ofrecer una experiencia cultural de otro País sin la necesidad de viajar muy lejos. 
El autor respalda las decisiones proyectuales con un extenso estudio histórico de la cultura brasilera y de la evolución de su gastronomía: esto demuestra una vez más que estilos y estéticas no son una característica superficial y cosmética, sino sus principios residen en las capas de vivencias que han sido depositadas a lo largo de la historia de un lugar y de una identidad cultural.

Mediante este proyecto de grado se elabora una propuesta basada en la aplicación del diseño de interiores en un local [...] inspirado en lineamientos arquitectónicos que rescatan por un lado, aspectos de influencia barroca y por otro retoma los aspectos relevantes de la arquitectura moderna y contemporánea de la República Federativa de Brasil junto a su historia, geografía, características demográficas y económicas que nos permiten comprender el sentido y la fundamentación del lugar elegido. 
Desde la época colonial, el estado de Minas Gerais se destaca en el país por su cultura, su música, la arquitectura, la literatura y las artes plásticas son algunos de los sectores cultivados con éxito por los artistas del lugar. 
[...]La cuestión substancial del proyecto, es la propuesta de integración cultural al proponer aspectos culturales brasileños en el emplazamiento de un local comercial de gastronomía que responde a esas características. (Goya Rebes, 2013)

Hablando de elementos o situaciones espaciales característicos de un lugar, Jesica Carla Nisim, en su Actualidad, estilo y galerías comerciales, propone el proyecto de una galería comercial en el barrio de Flores, Ciudad Autónoma de Buenos Aires, desarrollado a partir del estudio analítico e histórico de los distintos módulos de agrupación de emprendimientos comerciales, desde los pasajes hasta los shopping malls y galerías boutique. 
La autora, además, genera una propuesta de identidad de marca para la galería, ofreciendo también sugerencias para la gráfica de comunicación. 
El análisis de las galerías comerciales de Buenos Aires demuestra puntualmente un aspecto de la evolución social de la que éstas han sido testigos, declarándose como alternativa a las plazas como punto de encuentro barrial y foco comercial. 

El origen de los espacios comerciales da cuenta de cómo el consumo re-significa y crea entornos urbanos diferentes y cómo evoluciona el sujeto social. Pero la pregunta esencial es hacia dónde evoluciona la sociedad de consumo. El individuo generó, ya en el siglo XIX, espacios comerciales que no eran exclusivamente de consumo. El arte, la arquitectura, la decoración y el diseño de interiores se pusieron al servicio de los espacios comerciales en esos tiempos. En la actualidad, los espacios comerciales son lugares de consumo, que han perdido la capacidad para que el arte, la arquitectura y el interiorismo se apropien de los espacios. Eso genera un invaluable deterioro en la calidad de vida de los usuarios y consumidores. (Nisim, 2013)

Por su lado, Mauren Anabel Cabrera Tobar en su Manual para el diseño de vidrieras escenográficas, se ocupa de un ámbito muy específico y particular cual es la vidriera de un emprendimiento comercial, estudiando su influencia en el consumidor y postulando una estrategia creativa y proyectual que utiliza la fuerza innovadora de la escena para generar un impacto visual.
La autora construye su discurso planteando un paralelismo entre la caja escénica y la vidriera, caja comercial por antonomasia, y examina el ascendente que los efectos teatrales poseen sobre el imaginario del ciudadano, como pequeñas islas ideales que acompañan el pasear por las calles de la ciudad. 

Un diseño escenográfico bien logrado necesita un buen conocimiento de composición de escena. Para ello en el segundo capítulo se recurrió a elementos de diseño gráfico que explican los métodos de composición en un lienzo en blanco. Para poder aplicar estos métodos se debió estudiar los elementos que contiene una vidriera, en donde se analizaron los diferentes tipos de soportes, lugares de exhibición y maniquíes. Se hizo énfasis en que el diseñador será quien debe acomodar los elementos de tal manera que la escena remita a una escena teatral para captar la atención del cliente potencial.(Cabrera Tobar, 2013)

Por última, Sheila Mekler en su La Bauhaus de acero cierra este ciclo con un ensayo que estudia el significado de la Bauhaus a lo largo de la historia del diseño, examinando con seriedad y compromiso investigativo sus fuentes y, sobretodo, el alcance de sus influencias y la naturaleza de su legado. En particular, se detecta el uso – conceptual y concreto – del acero como hilo conductor y criterio de una mirada selectiva, a través de la cual la autora reflexiona sobre un período y una entidad paradigmáticos. 
La autora recopila con precisión la información necesaria para relatar los distintos factores que han originado la conformación de una identidad estética, tejiéndolos con hechos históricos y acompañándolos con productos concretos. 
El enfoque específico planteado en este trabajo permite filtrar la amplia información y estudios disponibles, ofreciendo una clave de lectura e interpretación que ordena las reflexiones hablando de tendencias y hechos históricos, para poder descubrir las huellas que el movimiento iniciado con la Bauhaus ha dejado en el diseño contemporáneo. 

[…] se ha validado la hipótesis que sostiene que el rol de la escuela de la Bauhaus, fue determinante en la incorporación del acero como parte de los proyectos y experimentaciones surgidas en los talleres de su escuela. Si bien influyen en esta incorporación factores de diferente índole, será precisamente el espíritu innovador de sus maestros y aprendices quienes integran en su repertorio, soluciones vinculadas y articuladas al uso del acero. Como se ha dejado expresado a lo largo del presente ensayo, la institución logró en su breve existencia replantear y diseñar numerosos proyectos atendiendo a las necesidades y condicionamientos que el contexto social y político de la Alemania de posguerra ofrecía como marco de acción. Tal como se ha mencionado, la escuela de la Bauhaus es en la actualidad, sinónimo de una modernización radical del arte. Su vocación de intervenir, reformar y remodelar los campos de la Arquitectura, el Diseño y la Fotografía, por sólo mencionar algunos de los ámbitos en los cuales trabajó, es indiscutible. (Mekler, 2013)

Resumiendo, se puede observar que en todo Proyecto, de graduación o de pre-figuración, el enunciado inicial no se puede olvidar del factor humano,para evitar la tentación de caer en un ejercicio conceptual o en un resultado sin fundamento, que no contempla la creación de una nueva habitabilidad.

Referencias bibliográficas 
Heidegger, M. (1951): Construir, Habitar, Pensar. Conferencia. 
Ilich, I. (1988). La reivindicación de la casa. Planeta Editorial. Citado en Cuervo Calle, J.J …(2008, diciembre). Habitar: una condición exclusivamente humana. Iconofacto. (Vol 4)5. …P.43 – 51.

(*) Maestranda en Lógica y Técnica de la Forma (UBA). Especialista en Lógica y Técnica de la Forma (UBA). Posgrado en Fotografía de Arquitectura y Espacio Urbano (UP). Diseñadora de Interiores (UP). 

Resúmenes de Trabajos Finales de Grado aprobados Organizados alfabéticamente por apellido del autor

Mauren Anabel Cabrera Tobar 
Entre sombras. Manual para el diseño de vidrieras escenográficas 
Diseño de interiores. Categoría: Creación y expresión. Línea Temática: Diseño y producción de objetos, espacios e imágenes

El Proyecto de Graduación, inscripto en la categoría Creación y Expresión y en la línea temática Diseño y producción de objetos, espacios e imágenes, propone el diseño de vidrieras escenográficas como primera opción en locales comerciales. Para poder comprender este tipo de diseño es necesario el conocimiento histórico de los comienzos del escaparatismo y su relevancia. El diseño de vidrieras se genera en base a la necesidad de mostrar los productos para la venta. La relevancia empieza cuando los locales comerciales comenzaron a competir entre sí para obtener ganancias, cabe recalcar, que después de la revolución industrial se realizó una producción en serie de productos. Motivo que lleva a los negocios a competir para intentar vender objetos similares o apuntados a un mismo target. 
También es importante estudiar el diseño escenográfico, para de esa manera poder conjugarlo con las vidrieras. En escenografía se intenta adentrar al espectador en una historia, entonces, el diseñador genera lugares que al visualizarlos resultan verosímiles y combinados con otros elementos e iluminación crean un ambiente realista. Al conocer los métodos utilizados en el teatro se puede conjugar ese tipo de diseño en una vidriera, con el fin de que los clientes potenciales se conviertan en espectadores y el escaparate la boca de escena. La idea surge del intento de conectar al cliente con los productos e inclusive para ganar adeptos hacia la marca. Al generar una vidriera escenográfica se busca que las personas se identifiquen con una escena al igual que en un teatro, entonces se logra plasmar la marca en la mente del comprador. 
Son importantes los conocimientos sobre composición al momento de la creación de un escaparate. El diseñador debe contar con la creatividad y astucia para colocar objetos de tal manera que se cree un peso visual, y así, se capte la atención del cliente potencial. La creación de un diseño no es solamente el acomodar piezas de forma agradable, para la creación de vidrieras existen leyes de composición, las cuales garantizan óptimos resultados al momento de mostrar un producto y multiplicar las ventas de la marca. La composición viene acompañada de la planificación del proyecto, el cual, se basa en la metodología de diseño que parte desde la planificación hasta la solución del problema. 
El diseño escenográfico se conecta con varias disciplinas, todas con la búsqueda de la creatividad para la generación de proyectos. Estas disciplinas son diseño gráfico, diseño industrial, publicidad, dirección de arte, marketing y escenografía. Todas influyen al momento de la creación, si bien para un proyecto de vidrierismo se necesitan gremios que ayuden a llevarlo a cabo, también son indispensables los conocimientos de las disciplinas ya mencionadas. De estas áreas se desprenden la creación de mobiliarios, tipografías llamativas, composición en un espacio reducido, colocación de elementos para generar mayor atracción visual y realización de espacios que conecten a la marca con la vida del posible cliente. 
Es necesario conocer si la escenografía genera un aporte positivo al diseño de escaparates, por lo tanto, se realizó un análisis de vidrieras tanto en la Ciudad Autónoma de Buenos Aires como en grandes marcas de Europa y Estados Unidos. Gracias a este análisis se logra entender que las vidrieras escenográficas también ayudan a incrustar la marca en clientes que posiblemente no hubieran comprado antes en aquellos locales. Lo que se genera es una escena logrando que las personas se sientan identificadas con algún momento de su vida, o algún anhelo futuro. 
Para concluir el proyecto se genera un manual para el diseño de escaparates escenográficos, en donde se explican los métodos del planteamiento de proyectos acompañado por los procesos de elección de materiales y el uso del color. Es importante para el diseñador tener conocimientos sobre estos temas pues al conjugarlos con las leyes de composición se pueden generar obras que ganen adeptos a la marca para la cual se diseña. 

Laila Frydman 
Entre Tiempos. Un modelo para re significar el tiempo y el espacio 
Diseño de Interiores. Categoría: Ensayo. Línea Temática: Historia y Tendencias

El Proyecto de Graduación analiza una problemática que se vislumbra asociada a los cambios que se operan en la ciudad contemporánea. Esto es, la emergencia de los denominados tiempos muertos o residuales que emergen entre dos actividades que los habitantes desarrollan en la ciudad a lo largo de su cotidianeidad. De este modo, el presente Proyecto de Graduación se enmarca en la línea temática de Historia y Tendencias proponiendo un análisis y actualización de los conceptos de ciudad, contemporaneidad y modos de habitar, entre otros. Persigue establecer una base teórica que permita integrar perspectivas de análisis provenientes del campo de la Antropología, la Sociología y la Arquitectura, mientras que por otro lado pretende dejar sentadas las bases para que el modelo Entre Tiempos se concrete como una alternativa de espacio en la Ciudad de Buenos Aires. 
Escogiendo como eje articulador los conceptos de lugar antropológico y no lugar, acuñados por el antropólogo francés Marc Augé, se analizan las tensiones que atraviesan las nociones de tiempo y espacio contemporáneos y sobre todo la noción del tiempo de ocio, desde una mirada que convoca replantear al profesional del Diseño de Interiores, las posibles soluciones que permitan satisfacer las necesidades del ciudadano de la metrópolis, donde la emergencia del tiempo intersticial posibilite re significarlo a partir del diseño de un espacio que logre posicionarse dentro de la Ciudad de Buenos Aires. Espacio que aúne en su concepción los ideales de confort, funcionalidad, tecnología y que transmita una fuerte carga de identidad para sus usuarios. 
Por estas razones se considera relevante el rol del diseñador como aquel profesional capaz de ofrecer soluciones, donde a partir de la detección de una necesidad insatisfecha se logre que lo efímero de este transitar sea percibido con una carga positiva. Donde de ser posible, a partir de un análisis de la coyuntura social, pensar y reflexionar acerca de la viabilidad de proyectar un espacio en el cual los individuos experimenten el tiempo transcurrido bajo una perspectiva donde el marco espacial favorezca un habitar positivo, aunque efímero. Se pretende investir el concepto de lo efímero con una carga positiva y reconfortante. 
La meta, por lo tanto, del presente ensayo es la de ofrecer un estudio profundo, como parte sustancial del programa proyectual, donde se actualicen las condiciones bajo las cuáles el diseño dialogará, específicamente la ciudad contemporánea. Entendiendo que los desafíos para el profesional del diseño implican comprender estos nuevos escenarios, será posible integrar y trabajar desde distintas disciplinas, a fin de conocer la trama simbólica y urbana donde se materializa el proyecto.  

Daniel Goya Rebes 
Un Diseño con Inspiración en Minas Gerais. Minas Gerais Buffet 
Diseño de Interiores. Categoría: Proyecto Profesional. Línea Temática: Historia y Tendencias

El Proyecto de Graduación encuadra en la categoría de Proyecto Profesional dentro de la línea temática de Historia y Tendencias, contempla la problemática del diseño de interiores de un restaurante que toma como referencia la cultura brasileña del estado de Minas Gerais (Brasil) y del diseño como aporte a la cultura brasileña. 
El diseño como expresión de la cultura minera es el eje central del proyecto. Los criterios para la redacción del proyecto responden a la selección de un puñado de variables de estudio como la relación interior-exterior; la funcionalidad y circulaciones; la morfología, la dimensión y la escala; los materiales, los revestimientos, la ornamentación, el equipamiento y el mobiliario; la luz y el color; la percepción sensorial; la simbología y la iconografía de los diferentes ejemplos. Diferentes opciones y propuestas a través del tiempo. 
La idea que orienta el trabajo tiene su origen en la interculturalidad, como hecho novedoso que sucede a nivel global, favorecido por las nuevas tecnologías que impulsan el intercambio tanto comercial como social y cultural. 
En consecuencia el intercambio genera otros espacios y otros lugares, donde la convivencia se da entre personas de distintas nacionalidades y diferentes razas. Como el intercambio entre Argentina y Brasil es cada vez mayor, los espacios para la interculturalidad en cada uno de ellos, también se incrementan. Y los más requeridos son los lugares de comidas, que acompañan y complementan las actividades comerciales, sociales y culturales. 
Se propone un proyecto inspirado en las tendencias del diseño de los grandes maestros de la arquitectura brasileña, como fundamentación del tema y con un recorrido crítico sobre las obras de los exponentes del siglo XX, que constituyen el soporte técnico del presente trabajo. 
Los detalles del decorado, como el mobiliario e iluminación, surgen con los representantes del diseño brasileño actual, para incorporar ideas novedosas como creativas que devienen de estos diseñadores. 
Se materializa en los tipos de artefactos de iluminación así como el mobiliario con un diseño exclusivo de las sillas y mesas y los objetos de decoración. 
La elección del sistema de buffet responde a la forma de servir las comidas en los restaurantes más típicos de la sociedad brasileña, es un estilo y una costumbre que caracteriza a los restaurantes de ese país. 
El proyecto es una conjunción de todo lo citado, como resultado de una investigación que analiza dos aspectos fundamentales del diseño como expresión cultural y representación actual de diseñadores de prestigio y la gastronomía como una vertiente centrada en la tradición y las costumbres. Para su ejecución se consideraron los aspectos esenciales para este tipo de unidades. 
El PG propone un proyecto novedoso de articulación entre el diseño y la gastronomía. Se suma a otros restaurantes de la ciudad que con similares ofertas recrean el diseño y culinaria de otras culturas.

Guissel Jiménez Galeano 
Espacios multifuncionales mediante habitaciones tatami. El interiorismo japonés adaptado en Bogotá, D.C. 
Diseño de Interiores. Categoría: Ensayo. Línea Temática: Diseño y producción de objetos, espacios e imágenes

El Proyecto de Graduación se inscribe en la categoría de Ensayo y en la línea temática de Diseño y producción de objetos, espacios e imágenes. Los objetivos planteados son: el análisis de la fusión de las culturas Oriental, marcada por Japón y Occidental delimitada en la capital colombiana, mediante espacios proyectados para múltiples funciones, bajo los lineamientos Zen y el uso del tatami. Identificar los tipos y características del pensamiento multicultural que influyen en el proceso de diseño. Indagar sobre las particularidades y posibilidades de las diferentes vertientes de las doctrinas Orientales y su incidencia en la construcción de los espacios; diseñar lineamientos de seguimiento en el proceso proyectual, vinculados a la aplicación de las herramientas conceptuales del habitar pluricultural y analizar conceptualmente a Frank Lloyd Wright uno de los mayores exponentes de la arquitectura occidental y estudioso asiduo de la cultura Nipona.
El PG focaliza el análisis del interiorismo Occidental reacondicionado a los principios constructivos de la arquitectura interiorista Oriental quienes por medio de su organización espacial dejaron como legado una clara impresión en la forma como perciben el espacio de manera física y nivel espiritual. La interpretación de cómo la arquitectura oriental, precisamente Japón, logra de manera fluida el complemento ideal entre lo tradicional y lo actual; lo artesanía y la tecnología. Dentro de la estandarización, los orientales tradicionalmente utilizan un módulo preestablecido y prefabricado denominado piso tatami, un elemento constructivo originario, el cual contiene unas medidas específicas, materiales y diseño que se ha regido siempre bajo una mirada propia Zen a través de la ergonomicidad y las necesidades básicas del hombre, enfocadas en el confort.
La idea fundamental al momento de la investigación se enmarca en la manera de adaptar los principios constructivos dentro de la organización interiorista, mediante habitaciones al estilo japonés, washitsu o también reconocidas como habitaciones tatami, particularmente en la inserción de habitaciones de este tipo en espacios pequeños y/o flexibles para Colombia, específicamente en Bogotá, al analizar si efectivamente es posible y cuál es la forma correcta de hacerlo. En dicha capital, como consecuencia de la mixtura de culturas existente y con un claro enfoque de la necesidad de preservar las raíces ancestrales, la colonia oriental se enfrenta actualmente a entornos y espacios dispares que necesitan una compenetración y una re-adaptación. La arquitectura japonesa explora la sencillez, la asimetría, la sensibilidad por el medio ambiente y el uso de materiales naturales que son el sello distintivo. Estos elementos se exploran y aclaran, mediante su recorrido como tradición y como aporte. Inicia con el análisis del manejo espacial de las viviendas y concluye con una descripción de la adaptación del estilo y su aplicación moderna en los edificios contemporáneos.

Araceli Marino 
Nuestra evolución no debe dañar al planeta. Productos plásticos para el diseño y la decoración interior 
Diseño de Interiores. Categoría: Investigación. Línea Temática: Nuevas Tecnologías

El Proyecto de Graduación ahonda en el tema del Diseño Sostenible aplicado al diseño Interior de viviendas familiares en Argentina. Se investiga sobre nuevos materiales y productos que se ofrezcan en el mercado que pueden ser utilizados en el diseño y decoración de interiores. Asimismo, se realiza un relevamiento y una investigación mayor en cuanto a productos y materiales ecológicos derivados de los materiales tradicionales de construcción y por último se indaga en la búsqueda de productos que se realicen a partir de materiales plásticos. Se investiga tanto productos comunes que puedan no contemplar algún aspecto sostenible en su producción como otros que sean completamente ecológicos. Aquellos que se creen a través de un proceso que no dañe el medio ambiente, que utilicen poca energía para su producción o que surja de la fusión y reciclaje de otros materiales que ya hayan cumplido su ciclo de vida y que finalizado el mismo puedan volver a ser reciclados. 
Se debe tener en cuenta que para crear los nuevos productos se utilizarán procesos tradicionales o nuevos, gracias al avance de las tecnologías, que permitan que los mismos reemplacen a otros ya existentes. Procesos tales como el reciclaje y fabricación de manera ecológica, evitando la intervención de procesos químicos y tóxicos entre otros. Y que al mismo tiempo lo más importante en ellos sea su posibilidad de ser reutilizados y reciclados. Es por ello que la línea temática elegida es la de Nuevas Tecnologías ya que las mismas causan impacto y cambios radicales a la hora de diseñar, que pueden afectar la vida cotidiana y crear un cambio en la manera de producir y consumir. 
El PG tiene como objetivo investigar, analizar, conocer, determinar y difundir cuáles son los nuevos materiales y productos, significativos e innovadores que existen y se están desarrollando que certifican que su uso ayuda a reducir el impacto ambiental y a la creación de un diseño conscientemente sostenible, que pueda ser utilizados para solucionar problemas respecto de la contaminación del planeta siendo aplicables en el Diseño Interior y en la Arquitectura de viviendas. De este modo, se proveen ideas y recursos que puedan ser aplicados para ayudar a reducir la contaminación. Entendiendo contaminación por la alteración del medio ambiente, suelo, aire y agua, de las propiedades físicas, químicas y biológicas de la biosfera que es causado por productos o materiales químicos inventados por el hombre que es nocivo o tóxico para todo ser viviente y crea condiciones inadecuadas para el desarrollo.

Sheila Mekler 
La Bauhaus de acero. Un recorrido por sus espacios interiores y mobiliario 
Diseño de Interiores. Categoría: Ensayo. Línea Temática: Historia y Tendencias

El Proyecto de Graduación procura inaugurar una reflexión crítica introduciendo una mirada transversal sobre la historia de la escuela de la Bauhaus y la incorporación del acero como material innovador de numerosos proyectos realizados en sus talleres. De este modo, el propósito del trabajo cuya línea temática es Historia y Tendencias titulado La Bauhaus de acero, un recorrido por sus espacios interiores y mobiliario, persigue analizar ciertas problemáticas más específicas y acaso vigentes para aquellos profesionales del Diseño de Interiores en la actualidad, ya que apunta a trascender el modelo de revisión tradicional de la historia de la escuela para ir un paso más adelante. 
La meta es analizar bajo qué circunstancias sociales, políticas y económicas comienzan a incorporarse nuevos materiales en los proyectos que se llevaron a cabo a comienzos del siglo veinte y que hasta ese momento no formaban parte del repertorio del diseño. El acero, en este sentido, se analiza en el marco de este proyecto, como un material que permitió una renovación del lenguaje en las primeras décadas del siglo pasado. 
Los inicios de la escuela de la Bauhaus se dan en un complejo mapa político y será esta dimensión política la que atraviesa, junto a la emergencia de las vanguardias, su desarrollo como institución abocada a la tarea de unir el arte con la esfera de la artesanía y la tecnología. Su producción, de este modo, refleja los cambios que se operan en la sociedad de comienzos del siglo pasado y cristaliza nuevas búsquedas y experimentaciones en el campo del diseño arquitectónico y en el de objetos. Teniendo en cuenta la complejidad y las tensiones que atravesaron a la institución es habitual dentro del ámbito del diseño aludir a cierta herencia que ha llegado hasta la actualidad. Herencia que no sólo habilita a pensarla o a verla traducida en la repetición de ciertos objetos emblemáticos, sino que obliga a cuestionar críticamente si supone una traducción literal del denominado estilo Bauhaus o si por el contrario existen mediaciones y adaptaciones propias de la contemporaneidad. En consecuencia, el presente ensayo inaugura del mismo modo un espacio para reflexionar y constatar si las innovaciones en materia de tecnología, en cuanto al uso de nuevos materiales para la producción en serie originados en la institución, continúan como un paradigma dentro de la profesión del Diseño Interior y de Mobiliario.
Será a partir de la revisión exhaustiva de la bibliografía editada sobre la Bauhaus que se trazará el perfil de la escuela, poniendo en diálogo permanentemente los diferentes abordajes que distintos teóricos han realizado. Por otra parte, se sumarán al ensayo una serie de entrevistas a fin de verificar si, lo que supuso una renovación de comienzos del siglo veinte, permanece y si es así, bajo qué condiciones, en la actualidad. Con esta metodología, se aspira actualizar y profundizar sobre un campo específico, poco explorado aún, aquel referido a la utilización masiva del acero.

Jesica Carla Nisim 
Actualidad, estilo y galerías comerciales. Helguera Palace 
Diseño de interiores. Categoría: Proyecto Profesional. Línea Temática: Diseño y producción de objetos, espacios e imágenes

El Proyecto de Graduación tiene como objetivo revalorizar el concepto de galerías comerciales del siglo XIX. Establecer conceptos que se manejarán en el proyecto tales como: origen de espacios comerciales, galerías o pasajes, estética y estilos y re-significación de esos espacios. Explica, además, el origen de las formas de comercializar que tienen los denominados espacios comerciales. 
Los espacios comerciales ya sean nuevos o re-significados, generan en los entornos urbanos un impacto visual, sensorial y de conducta. Hoy existen usuarios y públicos que tienen curiosidad por visitar un espacio nuevo donde encontrar productos diferentes. Algunos consideran que el producto en sí ha pasado a ser un aspecto secundario. El origen de los espacios comerciales da cuenta de cómo el consumo re-significa y crea entornos urbanos diferentes y cómo evoluciona el sujeto social. Pero la pregunta esencial es hacia dónde evoluciona la sociedad de consumo. El individuo generó, ya en el siglo XIX, espacios comerciales que no eran exclusivamente de consumo. El arte, la arquitectura, la decoración y el diseño de interiores se pusieron al servicio de los espacios comerciales en esos tiempos. En la actualidad, los espacios comerciales son lugares de consumo, que han perdido la capacidad para que el arte, la arquitectura y el interiorismo se apropien de los espacios. Eso genera un invaluable deterioro en la calidad de vida de los usuarios y consumidores. 
Existe un nicho en el mercado, en donde los espacios comerciales con estéticas elegantes como las del siglo XIX cobran otro valor comercial. Asimismo, crean entornos diferenciados, no sólo de consumo, sino también artísticos y culturales, donde el comercio se asimila con la vida pero no la invade. 
Los espacios comerciales cobran más o menos valor dentro de un mercado inmobiliario. Una de las tareas del diseñador de interiores es crear espacios diferenciados a niveles estéticos, re-significarlos. 
La propuesta del proyecto de grado se centra, bajo los métodos de observación y entrevistas, en una mirada actual de las galerías de Buenos Aires ubicadas en la calle Florida, en Avenida Santa Fe y en Avenida Cabildo. 
A partir de la reseña histórica del barrio de Flores, en la que se evalúan los espacios comerciales existentes, la zonificación comercial y el público consumidor de la Avenida Avellaneda, se establece la relación con el diseño de interiores, con el comercio textil del barrio de Flores, el interiorismo en el mercado mayorista textil, las influencias socioculturales-económicas que posee la zona y cómo cliente y público conceptualizan ese lugar. 
El trabajo, además de abordar las cuestiones comerciales desde el punto de vista de la estética y los fenómenos sociales, da cuenta de un nuevo concepto de espacio comercial. A modo de síntesis se puede decir que, la contribución del proyecto de grado es mostrar la re-significación lograda en el Helguera Palace. Quienes lo visiten podrán tomar conciencia de la resignificación realizada. 
A partir del análisis del diseño se describe el proceso de resignificación, los referentes e inspiradores y las herramientas utilizadas, las estéticas y estilos empleados, las formas de comercialización y los intereses del público y el cliente.

Laila Seleme 
Humanización pediátrica. Diseño de salas de internación para pediatría 
Diseño de Interiores. Categoría: Proyecto Profesional. Línea Temática: Diseño y producción de objetos, espacios e imágenes

El diseño de interiores es la disciplina que se encarga de la intervención de espacios con el objetivo de brindar una mejor calidad de vida a las personas que los utilizan. El profesional del diseño debe prestar especial atención a las necesidades del usuario, para que el espacio proyectado no solo sea de diseño y de confort sino que también abarque los requisitos psicológicos del beneficiario. 
El Proyecto de Graduación, se inscribe dentro de la categoría Proyecto Profesional y se enmarca en la línea temática de Diseño y producción de objetos, espacios e imágenes. Plantea el diseño de una unidad de hospitalización para pediatría humanizada, para que el niño no sufra de manera psicológica en el proceso de internación, que todos sus miedos y angustias puedan ser reemplazados por el juego y la recreación y brindarle al niño la posibilidad de internarse en un espacio agradable para ayudar al proceso de recuperación. 
El mismo parte desde la investigación de las tipologías arquitectónicas de hospitales y posteriormente se arriba a la conclusión de humanizar el espacio sanitario. Se tendrán en cuenta aspectos del diseño como la iluminación, el color, los materiales y las texturas para las salas de internación. Además, se plantea al niño como usuario hospitalario, abarcando sus temores y cualidades psicológicas al momento de la hospitalización. 
Se propone la importancia de que el paciente y su familia se sientan cuidados y valorados en el centro de salud y que los mismos puedan seguir vinculados afectivamente para colaborar en la evolución de la recuperación. 
Para la realización de la indagación del problema tratado en el presente proyecto de grado, la autora utilizó diferentes métodos que colaboraron en la realización del proyecto profesional para entender la problemática que existe en no brindarle una mejor hospitalización y calidad de vida al paciente. A través de la observación y el estudio de casos de diferentes salas de internación de la Ciudad de Buenos Aires, se pudo comprobar que muchas de ellas carecen de alternativas para que el niño pueda transitar la enfermedad en el centro de salud de forma positiva. 
El trabajo se enfoca en brindar una contribución social a la comunidad, y en aportar un beneficio para un sector de la sociedad en el cual las necesidades no están contempladas de forma completa. 
Humanizar el espacio sanitario es una tarea compleja, y es una mancomunión de varios campos sociales, que deben trabajar en forma conjunta para la mejor atención del paciente en los centros de salud.


El factor humano. Diseño objetual vs diseño para habitar fue publicado de la página 39 a página46 en Escritos en la Facultad Nº98

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