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Los primeros pasos en el largo camino del conocimiento. Una aproximación a siete Proyectos de Graduación

García Recoaro, Nicolás [ver currículum del autor, docente de la Facultad de Diseño y Comunicación]

Escritos en la Facultad Nº121

Escritos en la Facultad Nº121

ISSN: 1669-2306

Proyecto de Graduación Edición XXXV: 14 de Septiembre del 2016 Trabajos Finales de Grado presentados y aprobados [Resúmenes] de todas las carreras de grado de la Facultad y de los ciclos de Licenciatura en Diseño y de Licenciatura en Negocios de Di

Año XII, Vol. 121, Septiembre 2016, Buenos Aires, Argentina | 156 páginas

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Este pequeño ensayo, producido dentro del programa del Equipo de Evaluación de los Proyectos de Graduación de la Universidad de Palermo, intenta posar su mirada sobre siete trabajos encuadrados en las categorías Ensayo, Proyecto Profesional y Creación y Expresión. Hacer aflorar sus aportes disciplinares e intentar reflexionar sobre las novedosas y emergentes propuestas que surgen de sus pesquisas. 

Los PG muestran en algunos casos una preocupación latente, aunque no en un único sentido, por generar investigaciones con una marcada relevancia disciplinaria sobre tópicos emergentes en el campo del diseño y la comunicación, principalmente ligados al mundo de la moda, la fotografía, el diseño de espectáculos y el mercado editorial. Pero además estos Proyectos de Grado, de alguna manera, encaran abordajes sobre objetos de estudio que marcan “tendencia” en el floreciente campo de la investigación académica latinoamericana. Textos que nos pueden dar una mano a la hora de esbozar una posible cartografía sobre los cruces entre la búsqueda de tópicos con notoria actualidad y relevancia disciplinaria y social, y la posibilidad de generar investigaciones que rompan con el estandarizado modelo de investigación académica, y además aportando una visión con acento latinoamericano. Visiones críticas sobre nuestra realidad social, política y cultural. 
Max Weber, en su clásica conferencia La ciencia como profesión, advertía que los investigadores muchas veces son estigmatizados fuera de los claustros como “excéntricos intelectuales” dedicados a la construcción de un “dominio irreal de abstracciones artificiales”, poco prácticos para los seres humanos. Desmontar estas creencias es uno de los primeros desafíos que debieron enfrentar los jóvenes autores de estos trabajos. ¿Lo habrán conseguido? 

Un mapa con las propuestas y aportes de los autores 
Este ensayo aportará algunas reflexiones que surgen a partir de la lectura de siete Proyectos de Graduación, un entramado forjado con investigaciones encuadradas en las categorías Creación y Expresión, Ensayo y Proyecto Profesional, de estudiantes de las carreras de Licenciatura en Negocios, Diseño de Espectáculos y la Licenciatura en Fotografía. A continuación detallaremos los títulos de los Proyectos de Graduación, los nombres de sus autores y una breve síntesis de los mismos. El Proyecto de Graduación de Wilson Esteban Argoti Vásquez, titulado Cultura fúnebre quiteña. Análisis semiótico de la grá- fica popular en el cementerio de San Diego y encuadrado en la categoría Ensayo, de la línea temática Historia y Tendencias, se propone por objetivo principal analizar a través de diversas “herramientas semióticas” los soportes visuales donde se “representa” la muerte, en la cual “se evidencia el imaginario colectivo, símbolos, signos, íconos, arquetipos, entre otros, que están presentes en la cultura popular.” Haciendo foco en su PG en el cementerio San Diego, de la capital ecuatoriana, Quito, Argoti Vásquez postula que “La representación visual de la muerte en las lápidas, mausoleo, tumbas, sarcófagos, entre otros, de un cementerio (…) es un pensamiento y acción común en la sociedad quiteña, que viene desde hace varios siglos y nunca ha sido analizada desde una perspectiva de la comunicación visual a través de herramientas semióticas” (Argoti Vásquez, 2016). Un trabajo que demanda el aporte de diversas disciplinas, desde la antropología, la comunicación visual y la sociología, y por último, pero no menos importante –y más por el enfoque del trabajo- la semiótica. Es un buen ejemplo de trabajo interdisciplinario que intenta, al abordar un tópico no demasiado explorado por la academia con este enfoque, hacer las primeras armas a la hora de generar bibliografía con peso teórico. Para Argoti Vásquez, en su PG se puede encontrar “una metodología de análisis semiótico, un listado de signos símbolos e íconos funerarios que están presentes en el imaginario colectivo y se pueden aplicar en logotipos, ilustraciones, señales, y otros elementos gráficos”, además de una aproximación ligada a lo cultural y antropológico sobre la cosmovisión sobre la muerte en la región andina, pero con una curiosa perspectiva desde la comunicación visual. Y eso nos da una idea de la relevancia que puede tener la pesquisa realizada por este joven investigador. 
En el PG de Argoti Vásquez se aprecia el abordaje de un tópico con pocos antecedentes académicos, con el enfoque que decide darle su autor en el PG. Es interesante que profesionales ligados al diseño comiencen a posar su mirada sobre fenómenos de la cultura popular, no demasiado explorados, como en este caso la “cultura funeraria” latinoamericana. Para el autor: “el arte funerario no es una expresión artística, es comunicación gráfica y textual; el deudo comunica sus sentimientos de pérdida, de dolor, entre otros; esto se revela en la lápida que informa la clase social de donde proviene, su equipo favorito y varios elementos más de la singularidad del individuo” (2016). Como ya expresamos, el autor se vale de herramientas de diversas disciplinas para abordar y reflexionar sobre su objeto de estudio. Y en ese diálogo se incorporan aportes de la antropología, la sociología y la psicología en el PG, que son aprovechados por momentos por el autor. Se valora el trabajo de campo desarrollado por el autor y también las diversas entrevistas que aportan a la reflexión. Casi al cierre de su trabajo, Argoti Vásquez (2016) sostiene enfáticamente: “Analizar las lápidas desde el lenguaje visual, desde la perspectiva de la semiótica es poder examinar el imaginario social de la sociedad quiteña en sus expresiones visuales de la muerte. La retórica visual es simplemente el diseño de las connotaciones, es crear un sistema de preguntas y de parámetros para analizar una imagen.” El trabajo es un interesante primer paso para seguir profundizando en el tema. Por otro lado, el Proyecto de Graduación de Juan Sebastián Di Siervi, titulado Fotorreportaje de bodas. La mirada del autor, encuadrado en la categoría Ensayo, de la línea temática Nuevos profesionales se propone hacer foco sobre la fotografía de bodas, más precisamente en la nueva tendencia del fotorreportaje de bodas y el trabajo de autor que se aprecia en este tópico. Con una dilatada historia dentro del área del documental social, la fotografía de bodas ha sido ignorada con puntualidad a la hora de generar reflexiones dentro del ámbito académico. Di Siervi afirma que la fotografía de bodas muchas veces “ha sido vista con desprecio, olvidada en los libros, desestimada de concursos, eventos, talleres o cualquier actividad común relacionada con el mundo de la fotografía” (2016). Sin embargo, en los últimos años está tendencia ha tomado el camino inverso, y la fotografía de bodas viene tomando un dinamismo y valor que hace realmente relevante el abordaje que realiza Di Siervo en su trabajo. El carácter técnico, sus rasgos retóricos y la posibilidad de desarrollar una mirada de autor son algunos de los ejes que, con ciertas limitaciones en algunos capítulos del PG, orientan su pesquisa. Para el autor: “La fotografía de bodas ha documentado breves historias desde lo cotidiano, lo cercano, lo íntimo, llegando a convertirse, hoy en día, en una práctica sin limitaciones, integrada, conducida y estimulada por las áreas del fotoperiodismo, del documental, la fotografía artística y de autor. También, complementada desde las áreas del diseño, del mundo audiovisual y del arte en general” (2016). Un abordaje que recibe aportes de diversas disciplinas, con pocos antecedentes dentro del mundo académico y que puede ser tenido en cuenta como el puntapié para profundizar sobre esta temática en futuros trabajos de investigación. Se reconoce la elección de un tópico realmente novedoso para el campo académico, y eso también marca la relevancia disciplinaria que cobija el PG. El autor explica que “la fotografía de bodas se ha vuelto una especialidad dentro del documental social. Hoy en día, cuenta con profesionales altamente capacitados y con una formación que poco tiene que envidiar a las especialidades de otras áreas. Debido a la competitividad de los mercados, el profesional debe dominar la técnica fotográfica en su totalidad, debe estar al día con la demanda del mercado, incorporando e internalizando las nuevas tecnologías y tendencias” (Di Siervi, 2016). Es en los primeros apartados y en el dedicado al método donde se pueden marcar fortalezas del trabajo, teniendo en cuenta que el autor desempeña en forma profesional la actividad. El rol documental, la función artística y creativa y también la veta comercial son tres tópicos que surcan este trabajo sobre la fotografía de bodas. Y en ese sentido, se valora la aproximación académica a una temática realmente novedosa de la disciplina. 
Por su lado, el Proyecto de Graduación de Milagros Melzi, titulado Entre el clasicismo y la posmodernidad. Análisis de la fotografía de moda en las revistas Para Ti y Catalogue y encuadrado en la categoría Creación y Expresión, de la línea temática Diseño y producción de Objetos, Espacios e Imá- genes se plantea construir una reflexión sobre la fotografía de moda, desde la fotografía “clásica” a la fotografía “posmoderna”, según el recorte propuesto por la autora en su PG. Pero el trabajo de Melzi no se limita únicamente a generar una reflexión desde el plano ensayístico, sino que también su PG se complementa con la realización de dos producciones gráficas que intentan materializar las características de la fotografía clásica y posmoderna en publicaciones dedicadas a la moda. Melzi (2016) apunta que “la fotografía de moda, durante el siglo XX, ha evolucionado a través de los años acompañada por las nuevas tendencias en el diseño de indumentaria, la evolución de los diferentes roles del hombre y de la mujer, los adelantos tecnológicos y el desarrollo de los medios gráficos”. El tópico abordado por la autora, aunque ya tratado por otros estudios académicos, permite el desarrollo de un puente entre la reflexión sobre el devenir de la fotografía de moda y la posibilidad de construir una propuesta creativa. En su PG, Melzi enfatiza que su trabajo le permite reflexionar sobre “la fotografía clásica de moda, donde la prenda es la protagonista de la imagen, y la fotografía posmoderna de moda, con un concepto tal, que puede ser más protagónico que la prensa, y transmitir determinadas experiencias” (2016). 
La propuesta gestada por la autora intenta mostrar las características de estos dos estilos. Y ese es todo un desafío creativo. En el PG de la autora se observa desde el planteamiento de los objetivos el abordaje de un tema con cierta relevancia disciplinaria, sobre todo por la posibilidad que brinda de reflexionar sobre el devenir de la siempre renovada fotografía de moda (de la etapa clásica a la posmoderna), la práctica profesional de los fotógrafos, la historia de las publicaciones gráficas de moda y por último, pero no menos importante, la ambiciosa propuesta de pensar la representación del cuerpo femenino en estas publicaciones. La autora afirma: “Desde el retrato que perseguía al arte pictórico, individual, formal, rígido y coloreado hasta la fotografía de moda, con las características con las que se la conocen en la actualidad, han pasado adelantos técnicos y tecnológicos, cambios en las distintas sociedades con respecto a la estética, la manera de pensar y el gusto, y la condición de vida de las personas (Melzi, 2016)”, tópicos abordados en el PG, aunque podría extenderse la reflexión en varios apartados. Aunque se valora el diálogo entre reflexión y creación que termina mostrando el trabajo con su propuesta. Un sendero que marca el camino para profesionales de esta disciplina, que enriquecen sus producciones con una reflexión sobre la propia práctica y el contexto social y cultural. Y este es un punto que se materializa en este PG. 
A su vez, el Proyecto de Graduación de Camila Magalí Minutella, titulado Fotografía creativa. Nuevos soportes. De la pintura a la fotografía, encuadrado en la categoría Creación y expresión, de la línea temática Diseño y producción de objetos, espacios e imágenes, se propone realizar una reflexión sobre la resignificación de la imagen a partir del uso de soportes “nuevos” para el campo de la fotografía. Un tópico realmente novedoso, y que la autora aborda con dosis parejas de rigor teórico y creatividad expresiva, ya que el PG incluye la presentación de una serie fotográfica cuyo soporte es tela adhesiva. Minutella (2016) afirma que con su propuesta pretende explorar “las posibilidades estéticas, técnicas y expresivas que se pueden generar con este material (…) una estética fotográfica vinculada al lenguaje artístico, ya que expresa a partir de su textura y absorción de las tintas una nueva significación simulando casi, en su acabado, ser un cuadro pictórico”. Este puente entre pintura y fotografía es uno de los tópicos que explora en profundidad el trabajo de la autora. Y de alguna manera este terreno híbrido orienta su búsqueda creativa. 
Para Minutella: “originar nuevas reflexiones e ideas para utilizar la imagen como medio expresivo, ayuda a la interpretación del campo visual. Dado que la tecnología hace que las imágenes fotográficas circunden permanentemente a las personas, experimentar con la fotografía proporciona distintas conductas, mediante técnicas e instrumentos que crean transitoriedad” (2016). La autora ha elegido dar sus primeros pasos profesionales siguiendo ese rumbo. En el Proyecto de Graduación de Minutella se pueden señalar que aborda una problemática no demasiado abordada por la disciplina que ha estudiado. Y además hay que destacar que logra hacer aflorar en su PG una reflexión con fuerte personalidad, con reflexión fundamentada en teoría y con argumentaciones sólidas. Con diálogo entre teoría, autores y producción personal. Sobre todo sorprende a la hora de reflexionar sobre la serie de seis imágenes creadas por la autora. Explorando, desarrollando una estética y formas de expresión novedosas. Y eso es muy valorable en un trabajo atado a la categoría Creación y expresión. Diálogo entre la pintura y la fotografía, entre las nuevas tecnologías y lo artesanal, algunos tópicos que afloran en su PG. Y por supuesto, la realización de piezas con contenido crítico (las “vanitas consumistas del presente”) aportan un extra al PG. Para Minutella: “entre los millones de fotos que circulan en los distintos medios cotidianamente, surge la necesidad del fotógrafo artista en lograr una resignificación de la imagen que lo destaque por su lenguaje artístico.” La exploración de nuevos soportes puede aportar en esa búsqueda. La autora-creadora eligió explorar ese rumbo. 
Por otro lado, el Proyecto de Graduación de Jason David Ortega Ruiz, titulado Drap-Art, otra opción de reciclaje. Proyecto editorial para difundir el reciclaje artístico, encuadrado en la categoría Creación y Expresión, de la línea temática Diseño y producción de objetos, espacios e imágenes, se propone la gestación de una reflexión sobre tópicos como los residuos, el reciclaje y la sociedad de consumo contemporánea, con un enfoque anclado en el arte y el diseño. Al comienzo de su trabajo, Ortega Ruiz se pregunta de qué manera el diseño gráfico puede promover el reciclaje artístico en una sociedad posmodernista como la porteña. La respuesta que esboza el autor apunta a la difusión de la obra de un artista plástico argentino, Jorge Tovorovsky, cultor del Drap-Art (disciplina que se nutre del uso de objetos de desecho como materia prima para elaborar esculturas planas y tridimensionales) y la creación (en formato físico y digital) de un catálogo de arte reciclado para incentivar en la sociedad estas prácticas ligadas a esta problemática. Un tópico con notable actualidad en la agenda social, pero que también ha sido abordado con renuencia en diversos estudios académicos en los últimos años. Para Ortega Ruiz, la actividad y temática del Drap-Art “resulta interesante en sí misma como una estrategia de recolección de basura, de entretenimiento, de desarrollo social o creatividad que podría aplicarse conceptualmente a diseños gráficos y/o editoriales” (2016). Y esta reflexión sobre el tó- pico abordado también dispara la posibilidad de repensar la propia labor profesional de los diseñadores contemporáneos. Un trabajo acertado desde su recorte temático y el abordaje del mismo, con la categoría Creación y expresión. En el Proyecto de Graduación de Ortega Ruiz se puede señalar una actitud reflexiva y de análisis no sólo de la sociedad posmoderna (haciendo foco en la producción, el consumo, los residuos, el reciclaje, la ecología, etc.), sino que su trabajo permite esbozar caminos alternativos para la propia disciplina que el autor desarrolla en su tarea profesional. Para Ortega Ruiz el Drap-Art puede entenderse como una opción popular, o en camino a serlo, que “ayuda al medioambiente frente al exceso de basura y a los desechos, consecuencia de la sobreproducción y el consumo de objetos industriales, que promueve la concientización del ser humano para establecer una mejor relación con la naturaleza” (2016). El trabajo entonces intenta trazar puentes entre la problemática de los residuos, la experiencia creativa del arte y la práctica consciente y renovadora de los profesionales del diseño. Y lo logra. El catálogo Aplastalalata logra darle cuerpo a la propuesta creativa esbozada por Ortega Ruiz, pero a la vez su trabajo es una reflexión socioeconómica y cultural sobre la posmodernidad. Además de una propuesta de difusión sobre alternativas para el cuidado del medioambiente. Para el autor: “el diseño gráfico es una profesión de vital importancia en una sociedad donde la imagen toma cada vez más fuerza, si bien el diseñador es un actor casi invisible, la recompensa está en aportar a construir un mundo mejor informado y comunicado, apoyado en el arte como fundamento estético que enriquece al diseño” (2016). Y este joven diseñador está yendo en ese rumbo. 
A su vez, el Proyecto de Graduación de Ludmila Peralta, titulado La fotografía como medio para la inclusión social. El síndrome de Down a través de la moda y la publicidad, encuadrado en la categoría Ensayo, de la línea temática Medios y estrategias de comunicación, se propone reflexionar sobre el rol social de la fotografía, haciendo foco en sus posibilidades de convertirse en una disciplina que genere conciencia en referencia a temáticas como la discapacidad. Pero a su vez, es un PG que indaga en forma general sobre la fotografía de moda y publicitaria, pero que se mete de lleno en la reflexión sobre el canon de belleza, los estereotipos sociales y el rol inclusivo de la fotografía. Peralta asevera en su trabajo que “se suele pensar que la fotografía representa la realidad, pero las propagandas fotográficas emitidas con el fin de difundir cierta inclusión social representan sólo una parte de la misma (…) Darle importancia a cómo luce una persona y estar dirigidos por patrones de belleza de la actualidad genera cierto distanciamiento de parte del receptor debido a que se crea una imagen casi irreal de una persona” (2016). El tópico que aborda la autora ha sido tocado por otras investigaciones académicas en el pasado, pero resulta oportuna su renovada actualidad, ya que guarda notable relevancia social y a su vez realiza propuestas superadoras para futuros trabajos profesionales. Para Peralta: “Las campañas y publicidades fotográficas inclusivas significan un gran avance en la sociedad debido a que las mismas proponen cierta igualdad de condiciones, permitiendo que niños o adultos que, en ciertos casos no poseen oportunidades sólo por el hecho de poseer una discapacidad, puedan acercarse a mundos donde en tiempos anteriores no era posible, lo cual demuestra que la inclusión social no se ve del todo alejada del mundo de la fotografía comercial” (2016). Ruptura de paradigmas que son interesantes de analizar desde disciplinas como la fotografía. 
En el Proyecto de Graduación de Peralta se puede marcar que logra un acertado equilibrio a la hora de realizar una reflexión sobre la “fotografía inclusiva”, un tópico que amerita ser abordado por los nuevos profesionales ligados a esta disciplina (y que abre la posibilidad de repensar los cánones de belleza que construye el discurso fotográfico contemporáneo). El abordaje de esta temática con marcada relevancia social, como ya hemos señalado, permite a la autora gestar una reflexión sobre la disciplina y la práctica profesional de los fotógrafos, que realmente enriquece el PG. En su trabajo, Peralta arriesga que “al producir imágenes con modelos más realistas o que no cumplen con los rangos de belleza establecidos para vender un producto, se podría lograr una mejor inclusión, ya que no sería necesario remarcar, como es el caso de las personas con síndrome de Down, que la misma tiene una discapacidad y que por eso debería ser incluida en la sociedad” (2016). La “fotografía inclusiva” implica la irrupción de una mirada crítica del profesional sobre las formas tradicionales de la fotografía de moda y la comercial, y a su vez sobre el discurso de “lo bello” que circula en nuestras sociedades contemporáneas. La producción y materialización de una campaña superadora puede ser el próximo objetivo para Peralta. El primer paso, reflexivo e inclusivo, ya ha sido bien logrado. 
Finalmente, El Proyecto de Graduación de María Fernanda Ciucio, titulado Big Bang Show. Un nuevo director teatral en escena y encuadrado en la categoría Proyecto Profesional, de la línea temática Nuevos profesionales, se propone la creación de un taller para adolescentes que trabaje sobre la teoría y la práctica del teatro. Pero sobre todo, haciendo foco en el rol renovador del director teatral contemporáneo. ¿Qué es lo que hace un director teatral? ¿Qué importancia tiene su rol? ¿Cómo nutre al arte escénico con su trabajo? Estas son algunas de las preguntas que se formula la autora al comienzo de su trabajo. Y más allá de abordar una tarea reflexiva sobre este tópico, Ciucio decide materializar una propuesta pedagógica en un taller anual de dirección teatral para jóvenes. 
En el comienzo de su PG, Ciucio advierte que intentará crear “la propuesta de un taller de dirección teatral en donde se analice el rol del director teatral en la actualidad, y de ese modo se expandirá el verdadero significado de lo que es un reggiseur, se evidenciarán qué herramientas usa para desarrollar su creatividad y por qué tiene la necesidad de plasmar en el escenario un mensaje que será recibido por el espectador” (2016). Aunque por momentos navega en la argumentación sin demasiada solidez teórica, el trabajo y su propuesta logra reflexionar sobre el rol actual del director teatral, y ese es un punto importante a la hora de generar renovadora bibliografía para carreras jóvenes como Dirección Teatral. En sintonía, Cuicio afirma que “el taller de dirección teatral es una base para que el joven pueda navegar sobre el mar de la creación, junto con las herramientas brindadas por el educador”. Es una apuesta muy abarcadora, que podría ser más concreta en su exposición. En el PG de Ciucio se puede observar la intención de materializar un taller de dirección teatral para jóvenes preuniversitarios. La propuesta de la autora guarda un aporte disciplinar desde la intención que tiene de reflexionar sobre el trabajo del director teatral, y a su vez en la posibilidad de redefinir y enriquecer este rol. 
Como síntesis parcial, a propósito de los principales tópicos abordados en los PG, podemos sostener que los trabajos anteriormente detallados han logrado generar potentes reflexiones y propuestas creativas. Tópicos con fuerte relevancia social, como los trabajos de Ciucio, Peralta y Ortega Ruiz, pero también con el foco puesto en el aporte disciplinar y la creatividad, como puede apreciarse en los trabajos de Argoti Vázquez, Minutela y Melzi. 
Anticipar tendencias, repensar las viejas escuelas y gestar propuestas creativas son tres líneas que hacen cuerpo en las propuestas. Y ese es un buen comienzo para estos jóvenes profesionales.

El final es en donde partí 
Fotografía, diseño gráfico y de espectáculos, áreas jóvenes dentro de los claustros universitarios. Territorios que empiezan a funcionar como usinas creativas y espacios de reflexión. Los desafíos de estos nuevos tiempos siguen abriendo renovadas dimensiones, y los jóvenes investigadores, ya profesionales, deberán estar prestos para afrontarlos sin temores. Con una actitud, con realismo y sin resignaciones. 
Los nuevos profesionales que hemos leído son parte activa de este movimiento. Hombres y mujeres de ciencia que “que se animan a recibir en pleno rostro el haz de tiniebla que proviene de su tiempo” (Agamben, 2002). Querrán iluminar este complicado presente. Y esa acción trabajosa los interpelará, a ellos y a sus sueños. 

Referencias bibliográficas 
Agamben, G. (2009). ¿Qué es lo contemporáneo?, en revista Ñ de Clarín. Disponible en: http://edant.revistaenie.clarin. com/notas/2009/03/21/_-01881260.htm 
Argoti Vásquez, Wilson Esteban (2016). Cultura fúnebre quiteña. Análisis semiótico de la gráfica popular en el cementerio de San Diego. Facultad de Diseño y Comunicación: Universidad de Palermo. 
Ciucio, María Fernanda (2016). Big Bang Show. Un nuevo director teatral en escena. Facultad de Diseño y Comunicación: Universidad de Palermo. 
Di Siervi, Juan Sebastián (2016). Fotorreportaje de bodas. La mirada del autor. Facultad de Diseño y Comunicación: Universidad de Palermo. 
Ford, Aníbal (1999). La marca de la bestia. Buenos Aires: Norma. 
Melzi, Milagros (2016). Entre el clasicismo y la posmodernidad. Análisis de la fotografía de moda en las revistas Para Ti y Catalogue. Facultad de Diseño y Comunicación: Universidad de Palermo. 
Minutella, Camila Magalí (2016). Fotografía creativa. Nuevos soportes. De la pintura a la fotografía. Facultad de Diseño y Comunicación: Universidad de Palermo. 
Ortega Ruiz, Jason David (2016). Drap-Art, otra opción de reciclaje. Proyecto editorial para difundir el reciclaje artístico. Facultad de Diseño y Comunicación: Universidad de Palermo. 
Peralta, Ludmila (2016). La fotografía como medio para la inclusión social. El síndrome de Down a través de la moda y la publicidad. Facultad de Diseño y Comunicación: Universidad de Palermo. 
Sabino, Carlos (1996). El proceso de investigación. Buenos Aires: Lumen. 
Weber, Max (2006). La ciencia como profesión. La política como profesión. Madrid: Espasa.

(*) Lic. en Ciencias de la Comunicación Social (UBA). Periodista, escritor y documentalista. Docente en el Departamento de Investigación y Producción y miembro del Equipo de Evaluación de Proyectos de Graduación de la Facultad de Diseño y Comunicación de la Universidad de Palermo. 

Resúmenes de Trabajos Finales de Grado aprobados 
Organizados alfabéticamente por apellido del autor

Wilson Esteban Argoti Vásquez 
Cultura funeraria. Análisis semiótico de la gráfica popular en el cementerio de San Diego 
Licenciatura en Diseño. Investigación. Historia y tendencias

El Proyecto de Investigación y Desarrollo se enfoca en los espacios de inhumación, y particularmente en el cementerio de San Diego. Este tema surgió del proyecto de titulación realizado en el Instituto Metropolitano de Diseño en 2013; su producto final, una pieza editorial que contiene una recopilación de imágenes, el objetivo principal del proyecto era contener un registro del patrimonio material de los espacios de inhumación, puesto que, cada año las lápidas populares, (espacios de inhumación de un tamaño específico; que llevan una inscripción relacionada con el difunto), están siendo mermadas por ordenanzas de orden privado, limitando estas expresiones populares, lo cual influencia de manera perjudicial al inconsciente colectivo y minimiza este patrimonio cultural, de ahí que, los objetivos específicos son reflexionar sobre la importancia de la cultura popular en la sociedad, encontrar cuáles son los símbolos que acompañan a la muerte, profundizar cómo estas representaciones se han mantenido a través del tiempo, definir cuál es el imaginario social de la muerte en la sociedad quiteña. 
La muerte y su definición tienen un papel importante en este análisis, desde la cosmovisión andina hasta el imaginario social contemporáneo son factores que influyen al deudo, esto es, al momento de realizar una manifestación visual sobre la pérdida de un ser humano. Estas expresiones de la muerte, expresan la pertenencia cultural que la sociedad maneja, las mismas que se exteriorizan visualmente en la gráfica. La investigación se realizó en el cementerio de San Diego, que más allá de ser patrimonio cultural de la humanidad, es un ícono histórico para la sociedad quiteña. En esta necrópolis se encuentran varias formas de cómo las personas representan y representaban la muerte, en la exploración de campo, el autor de este proyecto las clasificó en tres tipos, primero los mausoleos: obras arquitectónicas de gran tamaño donde las personas, en su mayoría de la época colonial, mostraban su nivel socio económico alto. En segundo lugar se encuentran las tumbas, espacios de inhumación que se ubican bajo tierra, más simples y sencillas; al final están las lápidas: espacios de una medida específica, que conforman la variable más abundante de información del cementerio. 
Para resolver la problemática y desarrollar la propuesta se recurre a una metodología de investigación, análisis e interpretación de los registros fotográficos realizados en el cementerio de San Diego, año base 2012. Para el estudio del corpus, también se adoptarán técnicas exploratorias: entrevistas a diferentes profesionales para poder tener varias opiniones sobre el tema. 
En este último tramo de la introducción al Proyecto, y antes de profundizar en el trabajo, es necesario destacar que el autor considera que el texto realiza un aporte a la disciplina de la comunicación visual, a la sociedad ecuatoriana y al diseño gráfico, esto resulta significativo para los profesionales y estudiantes de la carrera porque en el presente Proyecto encontrarán una metodología de análisis semiótico, un listado de signos símbolos e íconos funerarios que están presentes en el imaginario colectivo y se pueden aplicar en logotipos, ilustraciones, señales, y otros elementos gráficos, también encontrará la cosmovisión sobre la muerte desde la perspectiva de la comunicación visual. Asimismo, se busca crear conciencia social en los cementerios privados, que valoren la importancia de la cultura funeraria en la sociedad y puedan desdecir la norma de estandarizar la gráfica.

María Fernanda Ciucio 
Big Bang Show. Un nuevo director teatral en escena. 
Licenciatura en Dirección Teatral. Categoría: Proyecto Profesional. Línea temática: Nuevos profesionales

El Proyecto de Graduación aborda la creación de un taller para adolescentes que trabaje sobre la teoría y la práctica del arte del Teatro y del Teatro Contemporáneo. El mismo se enmarca dentro de la categoría de Proyecto Profesional, y corresponde a la Línea Temática de Nuevos Profesionales. El proyecto procura, a través de la creación del híbrido anteriormente nombrado, brindar la posibilidad de que el alumno que participe del curso pueda entender al director teatral como un nuevo cargo que se ejerce en la actualidad. 
Se explica el trabajo diario del director, el proceso en el cual crea la obra teatral y tiene como resultado la puesta final. Se compara el regisseur contemporáneo con el trabajo que ejercía un director o productor de teatro en el Siglo XIX en Roma y en Grecia. Se consolida el trabajo del director teatral como formador, se expresan también sus conocimientos, sus saberes, sus cualidades para que se desarrolle de ese modo un proceso creativo y desde luego eso se finalicé creando una obra teatral. Se desarrollan las vanguardias, se entiende que cada director tiene un estilo formado a partir de la experiencia y que la sociedad también es un factor que reporta lo que muestra la actualidad. De este modo logra el director teatral entender al público y se tratará de reflexionar acerca de lo que necesita una obra teatral para mostrar una creación que interese al público y evitar de ese modo la satisfacción individual. 
Se entiende el papel del crítico teatral, de representaciones, de actores, de localidades, de vestuaristas, de obras, de dramatización, de la escenografía y del rol de director teatral. Serán explicados estos conceptos en relación al Proyecto de Graduación. 
Se desarrolla la pedagogía en función de la creación teatral, la formación en base a la creatividad y a las artes en busca de la necesidad individual de expresión. 
Lo teórico y lo práctico se fundamentarán y tendrán como fin plasmar la idea de que el director teatral es un nuevo trabajo reconocido y que se puede estudiar para luego ejercer. Se expresa la creación de nuevos discípulos que buscan direccionar una obra teatral. Se desarrolla un escrito sobre las reglas y los procedimientos por el cual pasan los alumnos del taller de dirección teatral. 
Se implementa un plan de estudios de un año, en el cual se verá a simples rasgos lo fundamental para la creación de una obra teatral, los estudios serán en base a cuadrar y articular un lenguaje personal en cada alumno. 

Juan Sebastián Di Siervi 
Fotorreportaje de bodas. La mirada del autor 
Licenciatura en Fotografía. Categoría: Ensayo. Línea Temá- tica: Nuevos profesionales

Tomando la estructura de Ensayo y una línea temática correspondiente al área Nuevos Profesionales, el Proyecto de Graduación pretende reflexionar sobre el fotorreportaje de bodas y el trabajo de autor. Está dirigido a la comunidad de fotógrafos, a los profesionales especializados en el área y a quienes se encuentran en formación. 
La fotografía de bodas es una especialidad dentro del documental social y lleva recorrido, y en silencio, un largo camino de perfeccionamiento. Hoy, se encuentra en pleno proceso de desarrollo y revalorización. La nueva tendencia es el fotorreportaje de bodas con un enfoque de autor donde lo primordial es contar una historia en detalle. 
Trabajar documentando una boda implica un gran nivel de compromiso. Hay que comprender que es un evento único e irrepetible y que, por lo tanto, todo lo que sucede en él, también lo es. Para llevar a cabo esta tarea con éxito es necesario el equilibrio entre conocimiento, técnica, creatividad, imaginación, sensibilidad, compromiso y equipamiento. El avance de la tecnología y las herramientas con las que se cuenta en la actualidad le brindan al profesional todo lo necesario para resolver cualquier situación que se presente en una boda. 
Este trabajo está enfocado en mostrar la evolución técnica, estética y artística de la profesión y la búsqueda llevada a cabo por los nuevos profesionales quienes se desempeñan con gran dedicación. 
Para poder profundizar acerca de esta temática fue necesario estructurar el ensayo en bloques específicos abarcando en detalle los diferentes aspectos que hacen posible la labor profesional. En el primer capítulo, se hablará de la evolución de la fotografía, desde sus inicios hasta la actualidad y de cómo los avances tecnológicos dieron paso a la fotografía de bodas como la conocemos hoy en día. En el segundo capítulo, se hablará del valor de la fotografía como herramienta de comunicación, donde se establecen términos para la comprensión y el dominio del lenguaje visual, así como también, la construcción del sentido y la estructuración del relato. En el tercer capítulo, se reflexionará acerca del equipamiento y de la metodología técnica en función de las situaciones y necesidades específicas. En el cuarto capítulo, se indagará el concepto de arte y de objeto artístico, de los recursos estilísticos en función del embellecimiento del relato y de la perspectiva autoral. En el quinto y último capítulo, se unificarán los conceptos detallados anteriormente construyendo un panorama general de la fotografía actual y de la idea del fotorreportaje de bodas como producto comercial, aplicando técnicas de marketing y promoción. 
Con esta estructura, el ensayo brinda una base teórica que trata la evolución de la disciplina, propone un eje de estudio basado en la tríada: Momento, Imagen, Mirada y, finalmente, da paso al concepto integral de la nueva fotografía de bodas. 

Milagros Melzi 
Entre el clasicismo y la posmodernidad. Análisis de las fotografías de moda en las revistas Para Ti y Catalogue 
Licenciatura en Fotografía. Categoría: Creación y expresión. Línea Temática: Diseño y producción de Objetos, Espacios e Imágenes

La fotografía de moda, durante el siglo XX, ha ido cambiando a través de los años, acompañada por las nuevas tendencias en el diseño de indumentaria, la evolución de los diferentes roles del hombre y de la mujer en la sociedad, los adelantos tecnológicos y el desarrollo de los medios gráficos. A partir de la década de los 80, debido a la fuerte inserción de la tecnología en la sociedad, la fotografía de moda ha evolucionado sin perder su atractivo y autenticidad, en las revistas gráficas nacionales e internacionales. 
El propósito del Proyecto de Graduación es reflexionar acerca de la fotografía de moda, conformada por la fotografía clásica de moda, donde la prenda es la protagonista de la imagen y su escaparate fundamental es el cuerpo humano y la fotografía posmoderna de moda, con un concepto tal, que puede ser más protagónico que la prenda, y ésta puede encontrarse sobre el cuerpo o un objeto inanimado. 
Hacia fines del siglo XIX y principios del siglo XX, junto a la invención de la cámara fotográfica, la moda comienza a democratizarse gracias a la difusión que generan los medios de masas. Las revistas nacionales e internacionales comienzan a dejar de lado la pintura para adaptarse a la fotografía. A partir de entonces, cantidad de fotógrafos publican, alrededor del mundo, sus imágenes de moda hasta la actualidad. Atravesando un siglo de adelantos tecnológicos, la fotografía comienza a evolucionar técnicamente y los profesionales en la materia encuentran distintas formas artísticas de trabajar expresando y transmitiendo una historia visual con el objetivo de vender prendas y accesorios de moda. 
En el Proyecto de Graduación se realiza una investigación previa a realizar las imágenes tomando como referentes fotógrafos nacionales particulares de estos estilos y se analiza su obra. Se establecen sus principales características y las que comparten unos y otros. 
El soporte fundamental de la fotografía de moda son las revistas gráficas. A modo de ejemplo, se han seleccionado dos medios nacionales referentes del campo: Para Ti, como medio clásico de moda, y Catalogue Fashion Book como revista de vanguardia y se realiza para cada uno, una serie fotográfica de moda, enfatizando las diferencias de estilos. Se realizan tomas en estudio, con la misma modelo y las mismas prendas, aunque la estética se modifica. La exposición de las prendas cumple un rol esencial, y la forma de exhibirlas cambia. Las poses, el maquillaje y el estilismo son claves en el momento de comunicar sentido, se transforman en el pasaje de una a otra.

Camila Magalí Minutella 
Fotografía creativa. Nuevos soportes. De la pintura a la fotografía 
Licenciatura en Fotografía. Categoría: Creación y Expresión. Línea Temática: Diseño y producción de objetos, espacios e imágenes

Entre los millones de fotos que circulan en los distintos medios cotidianamente, surge la necesidad del fotógrafo artista en lograr una resignificación de la imagen que lo destaque por su lenguaje artístico. Se valdrá de herramientas como el empleo de la fotografía digital y la modificación del material a utilizar. Esto devengará en la alteración de los soportes tradicionales. Por este motivo, el Proyecto de Graduación prioriza el uso de la cinta de tela adhesiva como soporte, con la cual se puede generar riqueza en la imagen para que ésta exprese y signifique de manera correcta la idea a desarrollar. Con este material y a partir de una serie fotográfica conceptualizada a un género específico, se genera una estética similar a un cuadro pictórico, combinando arte y fotografía.
Al avanzar en la lectura de este trabajo, se descubrirá el lenguaje artístico fotográfico y su interpretación estética, analizando el arte de vanguardias fotográficas con propias técnicas. La nueva mirada fotográfica a partir de la hibridación artística y su estética, derivará en objeto de composición. Se expondrán soportes y técnicas de impresiones antiguas o desarrolladas gracias a avances tecnológicos, que permiten plasmar novedosas fotografías. Mencionando y analizando artistas que hicieron de la fotografía un objeto de experimentación a partir del uso de materiales no convencionales, se descubrirá un mundo incipiente en esta rama del arte. Se expondrá el despliegue del proceso creativo para obtener una serie de imágenes que se destaquen por su concepto, soporte, técnica y exhibición.

Jason David Ortega Ruiz 
Drap-Art, otra opción de reciclaje. Proyecto editorial para difundir el reciclaje artístico 
Licenciatura en Diseño. Categoría: Creación y expresión. Línea Temática: Diseño y Producción de Objetos, Espacios e Imágenes

El Proyecto de Investigación y Desarrollo aborda la problemá- tica del exceso de basura producido por los cambios de hábito en la humanidad, y el planteamiento de una solución mediante el campo disciplinar del arte y el diseño. Es importante que la sociedad realice una reflexión acerca del actual modelo social, denominado posmodernidad y como este ha provocado consecuencias negativas en la relación con el medio ambiente. La obsolescencia programada, el consumismo y la producción de objetos desechables, entre otras problemáticas son estudiadas como los principales problemas en la producción excesiva de basura, que con el avanzar del tiempo, se ha convertido en un acontecimiento insostenible. Es por esta razón que se pretende plantear una solución desde el diseño como la disciplina encargada de la proyección de los objetos, formas, materiales, función, son características importantes a tomar en cuenta. Por otra parte desde el arte, se plantea el uso de objetos de desecho como materia de prima para elaborar esculturas planas y tridimensionales. Esta práctica denominada reciclaje artístico o Drap-art, ha tomado cada vez más fuerza entre artistas plásticos, que motivados por su profesión encuentran un motivo para manifestar un cambio social en la humanidad.
El objetivo principal de este PID, es precisamente difundir esta práctica en la sociedad como una actividad que permite reflexión, reciclaje y entretenimiento. El medio utilizado es el diseño gráfico editorial y el mensaje es la obra de Jorge Tovorovsky, artista bonaerense y profesor de la Universidad de Palermo, quien práctica el arte reciclado hace más de veinte años.
El PID consta de cinco capítulos, tres teóricos, en donde se define y analiza conceptos teóricos de la problemática, el entorno y la profesión, un capitulo investigativo, en donde se recopilo la obra del artista y uno práctico, en donde se resolvió la producción del catálogo denominado Aplastalalata.

Ludmila Belén Peralta 
La fotografía como medio para la inclusión social. El síndrome de Down a través de la moda y de la publicidad 
Licenciatura en Fotografía. Categoría: Ensayo. Línea Temá- tica: Medios y estrategias de comunicación

El Proyecto de Graduación se encuadra dentro de la categoría Ensayo, siendo la línea temática Medios y estrategias de comunicación. Esto se debe a que el trabajo estará enfocado en la reflexión y análisis de cómo la fotografía podría funcionar como un factor de cambio en la inclusión social. 
En el presente trabajo se analiza el modo en que la fotografía de moda y publicitaria se encuentran influenciadas por los estándares de belleza perjudicando la inclusión social de personas con discapacidad, lo que lleva a crear una exclusión a la hora de elegir un modelo o crear las técnicas para comunicar mensajes, que solamente tienen como objetivo un fin comercial y estético. A lo largo del proyecto se profundiza cómo la fotografía resulta ser una herramienta de comunicación importante en la sociedad actual y de qué manera la exclusión social se ve presente en las imágenes. El efecto producido en el espectador es variado, tan variado como lo son las personas, por ello, cada fotografía provocara, en cada receptor, sentimientos movilizadores, impactantes, sensibles e incluso discriminatorios. 
Darle importancia a como luce una persona y estar dirigidos por los patrones de belleza de la actualidad genera cierto distanciamiento de parte del receptor debido a que se crea una imagen casi irreal de una persona. Al producir imágenes con modelos más realistas o que no cumplen con los rangos de belleza establecidos, para vender un producto, se podría lograr una mejor inclusión, ya que no sería necesario remarcar, como es el caso de las personas con síndrome de Down, que la misma tiene una discapacidad y que por eso debería ser incluido en la sociedad.


Los primeros pasos en el largo camino del conocimiento. Una aproximación a siete Proyectos de Graduación fue publicado de la página 63 a página69 en Escritos en la Facultad Nº121

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