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Trabajos ganadores del Concurso Proyectos de estudiantes - Ensayos sobre la Imagen Segundo Cuatrimestre 2019 (presentados por cátedra)

Carballo, Manuel

Creación y Producción en Diseño y Comunicación

Creación y Producción en Diseño y Comunicación

ISSN: 1668-5229

Ensayos sobre la Imagen. Edición XXVI Escritos de estudiantes. Segundo Cuatrimestre 2019 Ensayos Contemporáneos. Edición XXIV Escritos de estudiantes. Segundo Cuatrimestre 2019

Año XVI, Vol. 160, Octubre 2020, Buenos Aires, Argentina | 160 páginas

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La fotografía de Luciana Moreno y el Arte Pictórico

(Primer premio)

Dangelo, Rocio

Asignatura: Taller de Reflexión Artística III

 

Moreno es una joven fotógrafa y mexicana residente en Canadá. Toma fotografías analógicas de personas. Fotografía mayormente con luz natural cálida, por la mañana o por la tarde. Moreno logra transmitir cierto estilo través de la fotografía, ya que toda imagen presenta una mirada. Nosotros como espectadores captamos un poco de su perspectiva la cual podemos enlazar con ciertos artistas y movimientos pictóricos del pasado.

El arte pictórico al igual que la fotografía logra captar instantes eternos. También en ambos casos se puede distorsionar la realidad. En una obra artística pictórica hay más herramientas para lograr mostrar subjetividad y una distorsión total.

Igualmente hubo muchos artistas en el pasado que estaban interesados en reproducir la realidad. Una realidad que fue mucho más fácil captarla con una cámara que con un pincel. La fotografía cambió la historia. Recién en 1824 el científico francés Nicéphore Niepce obtuvo la primera imagen fotografía. Una manera de captar un instante de una forma nunca antes vista. Más rápido y mucho más fácil que la pintura. En la fotografía hay mucha inspiración en el arte pictórico como también movimientos que se inspiraron en la fotografía.

Es casi imposible no relacionar la fotografía con el impresionismo. Los fotógrafos que trabajan con luz natural como Luciana Moreno están relacionados con este movimiento. Es una tendencia que nace en el siglo XIX. Cuando el crítico de arte Louis Leroy expresa “impresión” al ver el Sol Naciente de Monet.

Monet como otros artistas rompieron con todos los movimientos anteriores.

Intentaban captar un instante. Los impresionistas entendieron que lo importante era la luz y sus efectos cambiantes. Por eso mismo suprimieron el uso del color negro, ya que este es justamente la ausencia de luz y es por eso que no existe en la naturaleza. No solo se enfocaban en el color, como expone Gombrich (1950):

“Las nuevas teorías no se refirieron tan solo al manejo del color al aire libre, sino también a las formas en movimiento” (p. 500). Los fotógrafos entendieron que era la cantidad de luz la que nos ofrece la calidad de la misma. Los impresionistas pintaban a la luz del día, intentando representar la realidad con pinceladas cortas y vigorosas. No había mucho tiempo, el día avanzaba y así la luz por lo cual era captar un instante rápidamente. Luciana Moreno en su fotografía logra captar un instante similar ya que utiliza un tiempo de exposición rápido y un diafragma muy abierto.

Provocando una poca profundidad de campo, una imagen más bien plana. Muy bella en color, pero con poca profundidad al igual que los impresionistas.

Moreno está interesada en el desnudo y el semidesnudo como tema de sus fotografías. Hoy en día no nos parece nada extraño, pero hace mucho tiempo atrás esto era totalmente obsceno. Cada cuerpo desnudo debía estar justificado y atado a un tema mítico o religioso. Esto duró por siglos especialmente durante la edad media donde el arte era sinónimo de religión.

Antes de la edad media cuando seguía funcionando el imperio romano había una búsqueda en la fisonomía humana y se la representaba desnuda o vestida con cierta idealización, pero sin necesariamente estar atada a lo religioso o místico. Esta búsqueda vuelve a renacer después de la edad media con el renacimiento. El hombre vuelve a ser el centro del mundo y hay una indagación por cierta definición científica de belleza. Se vuelve a estudiar y conocer la fisonomía humana.

Igualmente se seguía atando a tramas místicos y religiosos, pero más moderado que la edad media.

Durante el Renacimiento nace una nueva técnica que lo caracteriza, llamada la perspectiva matemática. Creada por el arquitecto Filippo Brunelleschi en el siglo XV. Los artistas del Renacimiento se preguntaban cómo generar tridimensionalidad en una superficie de dos dimensiones. La perspectiva matemática es un sistema de relación de magnitudes que logró dar la sensación de tridimensionalidad.

Moreno en su fotografía toma imágenes con diafragmas muy abiertos provocando una imagen más bien plana. Sin embargo, la imagen fotografiada muestra la realidad plasmando cierta mimesis de la misma, como sucedía en el Renacimiento.

Durante el Renacimiento quienes podían pagar estas obras era la iglesia y también personas de la realeza. Se pintaban retratos de personas importantes para ser recordados. La iglesia por otro lado buscaba trasmitir sus ideas y emociones través de las obras artísticas. Además, los artistas no podían expresarse libremente, el arte era una fuente histórica más que expresiva. Por otro lado, Moreno retrata a sus modelos, pero no para ser recordados sino para expresarse. En el Renacimiento como dije previamente se comienza a estudiar la fisonomía humana. Los estudios científicos progresaron notablemente. Los artistas de la época a través del naciente naturalismo dedicaron mucho tiempo a la anatomía. La fotografía de Moreno realizada en estudio me recuerda a las esculturas de Miguel ángel como al “Adolescente”. Ambos interesados en los modelos de la figura humana.

Los artistas del pasado tardaron siglos en mostrar un arte expresivo y subjetivo. Dejar llevarse por sus gustos parecía imposible. Hasta que en el siglo XVI los artistas entienden que la perfección no siempre resulta interesante y se formó un movimiento llamado Manierismo. Gombrich (1950) afirma: “Todos los artistas de esa época que deliberadamente trataron de crear algo nuevo inesperado, aun a costa de la belleza natural establecida por los grandes maestros, acaso sean los primeros artistas modernos” (p. 367). El artista se expresa y se muestra con un estilo propio, pero un poco caótico. En el siglo XIV Martin Lutero un teólogo alemán impulsó la reforma religiosa, debido a ciertas objeciones que tenía hacia los textos religiosos. Luego sus enseñas inspiraron a la Reforma Protestante. La iglesia era muy corrupta, se pedía dinero por la salvación. Lutero creía que no era necesario, uno se salvaría con su fe. Este revuelto social y religioso, más el saqueo de Roma en 1527 provocó un nuevo paradigma. Los aristas comienzan a expresarse de una forma nunca antes vista. Dejaron completamente por fuera la idealización y las características clásicas para el cuerpo humano. Adoptaban representar posturas forzadas o complejas. Luciana Moreno también muestra movimientos extraños del cuerpo humano en algunas de sus fotografías. Posturas forzadas y complicadas.

Al igual que el Manierismo se demandan figuras retorcidas desembocando un efecto serpentino donde se alternan curvas y contra curvas ascendentes. Las fotografías de Moreno donde se observan posturas extrañas son en unas imágenes particulares. Fotografías creadas en estudio a diferencia de sus otras fotografías con luz natural. Por otro lado, los artistas del manierismo pintaban con un trazo difuso como Parmigianino un artista muy importante de este movimiento. Este efecto se puede notar en algunas imágenes de Moreno. Parece que sus modelos se encuentran mayormente fuera de foco y nos logra guiar y darles atención a ciertas partes de cuerpos o gestos.

El movimiento siguiente al manierismo es llamado Barroco. Fue un movimiento impulsado por la iglesia, llamado el movimiento contra reforma. La iglesia buscaba afianzar su relación con sus seguidores. Mostrando sus ideas y emociones a través de la pintura. Fue un movimiento que afectó a diferentes países como también a distintas ideologías. Nació en Italia donde se dividió. Por un lado, el italiano Clasicista por otro el Italiano Naturalista. Gian Lorenzo Bernini es un artista perteneciente al Italiano Clasicista. Él era un escultor y arquitecto que tenía cierta atracción a la escultura helenística. Creaba obras con temas mitológico como bíblicos. Las imágenes de Moreno creadas en estudio tienen cierto eco a las obras de Bernini. Bernini estaba interesado en la naturalidad, el efecto de materialidad y de claroscuro. La fotografía de Moreno de estudio (ver imagen) tiene ciertos rasgos del artista también trabajando en claroscuro para su iluminación. El claroscuro es una técnica de pintura que consiste en el uso de contrastes fuertes entre volúmenes, unos iluminados y otros con mucha sombra. En la fotografía es el arte de disponer el contraste de luces y sombras. Moreno, es probable que se allá inspirado también en Mapplethrope, un artista del siglo XX interesado en la fisonomía humana y en el juego de la luz sobre la misma. Moreno tiene cierta repercusión a este artista. Aunque las fotografías de Mapplethrope tienen más contenido sexual. Ambos artistas trabajan estas imágenes en estudios.

No son situaciones espontáneas más bien fueron pensadas bajo un concepto. Las pociones de los cuerpos también fueron analizadas previamente provocando cierta artificialidad. Me recuerdan a Bernini en cuanto a la puesta en escena. La obra llamada “La Santa Teresa” muestra una puesta en escena espectacular, trabajado con la iluminación del claroscuro. Se puede coincidir con la opinión “Concebido con un prodigioso sentido escenográfico, y utilizado sabiamente la iluminación central de la capilla…” (Ristori, 2003, p. 340). Todo lo

que se ve tiene un significado, la escenografía, el vestuario, y las acciones que estén realizando los personajes. Todo fue pensado previamente, como las acciones de los personajes que retratan Mapplethrope y Moreno.

Por otro lado, durante el Barroco en Francia Luis XIV quería homogeneizar los estilos y trajo a su país pintores italianos como también pintores franceses fueron a Francia. En Holanda se origina el Barroco Protestante. Estos artistas formaron un nuevo esquema de producción ya que ni la iglesia ni la corona francesa le pedían cuadros. Pintaban más bien escenas cotidianas y paisajes de género. Un pintor que quiero remarcar del Barroco es Pedro Pablo Rubens nacido en Alemania. Él no era protestante pero tampoco estaba dentro del clasicismo. Era una figura muy destacada del estilo Barroco de la escuela flamenca con un estilo muy propio. Él tenía una mentalidad renacentista y admiración a la belleza de la Grecia Antigua, pero en sus retratos trabajaba con cierta particularidad. Hace una puesta en escena muy propia poniendo foco y expresión a ciertas partes del cuadro. Los fondos en sus retratos estaban más bien disfumados y se podía notar sus pinceladas sueltas.

Es justamente parecido el efecto cuando se toma fotografías con poca profundidad de campo. El diafragma muy abierto y la velocidad muy rápida generan que la cámara no pueda tomar tanta información. Se podría decir que la cámara trabaja con planos y distancias. Con una apertura muy grande más una velocidad rápida solo toma información de los primeros metros de distancia dejando un efecto disfumado en el fondo. Este efecto se puede notar en algunos cuadros de Rubens como “El Retrato de Niña” de 1615 y también en ciertas fotografías de Moreno. Además, Rubens tenía un concepto propio de belleza y lograba trasmitir una mirada. Como expone Gombrich (1950) “…la tarea de un pintor consistía en pintar el mundo en torno a él; pintar lo que le gustase, hacerlo sentir su complacencia en belleza múltiple y palpitante de las cosas” (p. 382). Rubens nos mostraba un poco de su mundo, como lo veía y a qué le prestaba atención. Por otro lado, hay un pintor que tiene cierto eco a Moreno. Ambos deciden trabajar mayormente con luz natural y ubicar a sus modelos cerca de las ventanas. Este mismo también pertenece al Barroco y es llamado Johannas Vermeer. Los dos generan sus obras en interiores utilizando la iluminación de ventanas. Vermeer logra captar la iluminación de una manera muy representativa de la realidad, al igual que sucede con la fotografía. Una pintura muy verosímil.

El movimiento siguiente al Barroco en la pintura occidental fue el Rococó. El primer movimiento que se forma en Francia. La monarquía francesa se encuentra en crisis.

Después de la muerte del Luis XIV comienza el período de regencia con Felipe de Orleands al mando del poder. Hay una muy mala distribución de riquezas y mucha pobreza. La monarquía vive de lujos para poder tapar la realidad. Se hacen fiestas aristocráticas en los jardines de los palacios. El Rococó representa estas fiestas y las escenas galantes donde había hombres seduciendo mujeres. Un arte cargado de sexualidad. Se podría decir que Moreno en sus fotografías logra trasmitir cierta sensualidad y sexualidad como hacía uno de los más conocidos artistas del Rococó Jean Honoré Fragonard. Ristori afirma (2003) “El mundo del Rococó, delicado y galante, profundamente sensual, pero vestido de un exquisito refinamiento cortesano, tiene en Jean Honoré Fragonard su más significativo representante” (p. 418). Para el Rococó mostrar una mujer balanceándose en un columpio mientras un hombre la ve desde abajo como el cuadro de Fragonard “El Columpio” (ver imagen) era sumamente explícito en cuanto a la sexualidad. Si las personas del pasado pudieran ver las imágenes de Moreno quedarían impactados, ya que hay mujeres y hombres desnudos, aunque no se muestre ningún órgano sexual. Es curioso como el espectador de hoy se encuentra pasivo frente a estas imágenes muy provocativas a comparación de lo que sucedía con Rococó.

El color que se muestra en las fotografías de Moreno es desaturdo y cálido. Hay diferentes pintores en distintos movimientos que utilizaron esta paleta de colores.

Ninguno tenía su particularidad de expresarse o pintar solamente con una paleta de colores. Recién en el Rococó se utiliza una paleta de colores específica, los colores pasteles. El movimiento que es caracterizado por esta planta de colores ocre y marrones es la etapa del Cubismo llamada Cubismo Sintético. El Cubismo se encuentra en el siglo XX. Es muy diferente a todo movimiento anterior especialmente a los movimientos del siglo XV y XVI. Además, la técnica del cubismo en sí es muy distinto a las imágenes de Moreno porque es una corriente que rompió con la pintura tradicional materializando el uso de la perspectiva. Algunos de sus grandes artistas fueron el reconocido Pablo Picasso y Georges Braque ambos pertenecientes al Cubismo Sintético, el cual contiene una platea de colores especifica. Como expone Ristori: “…las premisas analíticas que seguían por entonces Picasso y Braque: los colore apagados, a base grises y tonos verdosos y amarronados” (p. 532). El color se vuelve tenue a favor de tonalidades apagadas, como el collage de Pablo Picasso llamado “Naturaleza Muerta con Silla de Rejilla”. Esta paleta de colores se comienza a formar en el Cubismo Analítico donde se descomponen las formas y figuras geométricas, con una paleta de colores ocre. Moreno utiliza una paleta de colores más desaturados y amarronados en sus fotografías.

Como dije previamente, a Moreno le gusta retratar cuerpos desnudos, la figura humana es lo que más le inquieta. Esto mismo me recuerda a Lucian Freud perteneciente al moviendo de pintura moderna en mitad del siglo XX. Freud pintaba cuerpos desnudos imitando a la naturaleza rechazando la pintura abstracta. Freud vuelve a pintar cuerpos desnudos como la cultura grecorromana o el Renacimiento, pero no busca la perfección. Moreno fotografía gente real como Freud pinta personas reales. Ambos artistas retratan gente real y desnuda. Indistintamente se puede decir que en las imágenes de Moreno hay cierto canon de belleza, pero más bien personal. Asimismo, Moreno como Freud tiene cierta obsesión con los cuerpos desnudos reflejando la mera naturaleza. Otros artistas de movimientos pasados también buscaban representar la realidad, sin idealizar la representación, como Moreno y Freud. Uno de ellos es Carvaggio perteneciente al Barroco naturalista, el representaba cuerpos con su flacidez y sus arrugas. Como en la pintura llamada “San Gerónimo en Meditación”. También Courbet pintaba cuerpos desnudos sin idealizar sino más bien la mera naturaleza. Courbet es un artista perteneciente al Realismo un movimiento previo a la Revolución Industrial. Él era un artista que le gustaba provocar, pintaba genitales sin miedo a la crítica de la época. Esto ocurrió en el siglo 19 por lo cual el artista podía expresarse sin ningún miedo a ser colgado en la hoguera. Se podría sostener que Courbet tenía una actitud más rebelde y provocativa que Moreno, pero sus cuadros representan cuerpos humanos verosímiles al igual que las fotografías de Moreno.

En conclusión, la fotografía de Moreno tiene cierto a eco a artistas del pasado. Movimientos muy diferentes entre sí, pero que comparten ciertas características. Hoy en día muchos críticos del arte creen que no hay un arte nuevo, más bien una mezcla de todo lo anterior. Personalmente creo que, puede ser cierto. Hay cierta confluencia de estilos hoy en día, pero igualmente cada artista tiene su estilo propio. Un estilo trabajado en capas o filtros de representaciones pasadas, pero es una combinación individual. Como dije cada artista expresa su particular mirada, no importa que sea parecida a la de otro artista, es personal.

 

 

Bibliografía

Azcárate Ristori, J. (2003). Historia del Arte. España: Anaya.

Gombrich, E. (1950). La Historia del Arte. México: Conaculta.

National Geographic (2018). Grandes Marcos de la Historia de la Fotografía. Brazil: National Geographic. Recuperado de https://www.natgeo.pt/photography/2019/05/fotografias-irresistiveis-daterra?image=22168


Trabajos ganadores del Concurso Proyectos de estudiantes - Ensayos sobre la Imagen Segundo Cuatrimestre 2019 (presentados por cátedra) fue publicado de la página 42 a página43 en Creación y Producción en Diseño y Comunicación

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