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Commedia all'improvviso

Forero, Elizabeth Milena

Creación y Producción en Diseño y Comunicación Nº31

Creación y Producción en Diseño y Comunicación Nº31

ISSN: 1668-5229

Trabajos de estudiantes de la Facultad de Diseño y Comunicación

Año VII, Vol. 31, Agosto 2010, Buenos Aires, Argentina | 88 páginas

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"¿Qué es necesario hacer para que el mensaje del actor sea eficaz y para que le sea fácil proyectarlo del escenario a la sala?" Meyerhold, V.E.

La actuación es una manifestación artística que tiene su origen y desarrollo fundamental en el teatro. El arte teatral se fundamenta en elementos biológicos, psicológicos y culturales, que conforman una herencia milenaria en constante transmisión y transformación, para lo cual se vale de ciertos lenguajes: la palabra escrita y hablada, el manejo de elementos visuales, sonoros, táctiles, etc.

Su origen se pierde en el tiempo, pero encontramos noticias en el hombre primitivo. Este realizaba representaciones de tipo ritual, a partir del momento en que logra una división social del trabajo. La más antigua manifestación de arte representacional es el rito; rito es todo aquello que realiza con fines de culto y se determina por el sistema de creencias de aquellos que lo desarrollan. En el caso del chamanismo, es posible alcanzar el estado de posesión sin perder la conciencia de las propias acciones. El chamán realiza un “viaje” utilizando el canto, la danza, el vestuario y relato de cuentos.

Aquí el espectador (participante de la experiencia) se compromete a un nivel más profundo. Desde este punto de vista, el chamanismo puede ser considerado la técnica más antigua de representación actoral.

Por mucho tiempo el oficio del actor ha sido concebido como mediación espiritual, como un puente entre el espectador y el actor. En la continuidad de los tiempos este oficio ha sido objeto de estudio y han surgido diferentes teorías teatrales que apoyan al actor al momento de interpretar. Pero si hacemos una recopilación, grandes directores han utilizado dentro de sus programas de estudios actorales, procedimientos de la Commedia dell'arte. Según Meyerhold, los movimientos del nuevo actor deben estar emparentados con los de los actores de la comedia del arte.

Mucho se ha escrito de la Commedia dell'arte nacida en Italia, sobre la poca o inexistente dramaturgia, los fabulosos decorados, que fueron una suerte de provocaciones para la creación de nuevas escenografías, los coloridos vestuarios y los personajes con rasgos tan marcados, gracias también al uso de las máscaras que manifestaban las características psicológicas del personaje.

He querido ahondar, en esta ocasión sobre las rutinas utilizadas por los actores de la Commedia dell'arte y su influencia en el teatro contemporáneo.

En la segunda mitad del siglo XVI, en un período en donde el estilo de teatro predominante era el clásico, estilizado, frío y riguroso, encontramos -tal vez como reacción- lo opuesto: llamativas y coloridas representaciones que florecían en toda Italia, y que progresivamente suplantaron las reglas del teatro hasta ese momento.

El director Jean Baptiste Poquelin “Moliere” (1622-1673), impone en toda Europa la comedia al estilo francés - la comedia del arte recoge toda esta tradición cómica ateniense propuesta por Plauto. Durante esta época se produjo la verdadera profesionalidad del actor, este encuentra la posibilidad de afirmar su absoluta autoría como responsable del espectáculo.

Según apunta en una entrevista Jean Louis Barrault, actor, director de cine y mimo francés, discípulo de Étienne Decroux, el hombre primitivo se expresa con los quejidos de su voz y las contorsiones de su cuerpo, utilizando una síntesis muy próxima a la música; y entiende por música a la mezcla homogénea de verbo, ritmo y movimiento corporal.

Así, pues, en el año 514 de Roma, Livio Andrónico, griego de origen, compuso una acción dramática total en la que mezclaba poesía, música y saltación o arte de hacer gestos. Estos saltadores o histriones, mantuvieron ellos solos la débil llama del período post-alejandrino. Solían actuar en los entreactos, repitiendo y parodiando mímicamente lo que ha sucedido en el acto anterior, y se especializan en el arte del gesto y de la pantomima. Saltus de Arcadia fue el primero en enseñar este arte a los romanos, de aquí el nombre. La palabra hister viene del toscano y quiere decir saltador, o procede de un famoso saltador de Etruria, Hister (Histrión).

La Commedia dell'arte surge cuando, después de morir Ariosto (1474-1533) y Maquiavelo (1469-1527), la comedia erudita entra en un período de decadencia. La académica frigidez y falta de realismo de la comedia llevó a que el público se cansara de ella, y se preocupara de aquella nueva manera de hacer teatro que, parodiando y en reacción con la comedia erudita, iba obteniendo un gran éxito.

La Commedia dell'Arte sitúa la acción de sus rudimentarias tramas, en la Italia contemporánea y no en la Antigüedad Clásica, como era costumbre en la comedia erudita. Los actores de la Commedia tuvieron en las comedias del Ruzzante una de sus principales fuentes de inspiración. Ángelo Beolco (1500- 1542), llamado el Ruzzante, fue un gran actor y autor, y uno de los primeros en poseer una compañía absolutamente profesional, hecho insólito en la Italia de la primera mitad del siglo XVI. En las obras del Ruzzante se nota, como dice Ludovico Zorzi, que “el tema no es sino un pretexto para repetir ciertos hallazgos cómicos”, que la habilidad del Ruzzante y de sus compañeros debía saber constantemente renovar y vivificar.

En realidad el Ruzzante fue más lejos: las escenas concentran ante todo los efectos sobre los personajes, en los cuales se puede ya claramente discernir las características de los "tipos fijos" que constituirán el mecanismo propio de las intrigas de la Commedia dell'arte.

En la Edad Media vuelven a surgir los histriones y nuevamente vuelven a florecer en la Commedia dell'Arte. Los actores improvisaban sobre un cañamazo más o menos aprendido, apoyándose en unos personajes fijos que se iban repitiendo.

Con la comedia surge el actor profesional que vive de su oficio.

Así los cómicos vivían de lo que sacaban al distraer a la gente. Estos cómicos eran actores integrales, pues añadían ocurrencias y palabras en el momento de frenesí de la representación.

Y si sus ocurrencias habían sido acertadas, quedaban incorporadas al cañamazo. Los antecedentes de estos actores y esta expresión teatral, estaba muy cerca del teatro primitivo griego-romano, y de todas las manifestaciones de orden más o menos teatral - hechicerías, fiestas, ceremonias rituales - de las tribus primitivas, que aún existen hoy en día.

El modo de trabajar de estas compañías, por las noticias que poseemos hasta la fecha, sobre todo de obras del siglo XVII; se basaba no en el texto, como es habitual, sino en el actor. En efecto, la manera de producir teatro llevada a cabo por los cómicos dell´arte, se caracterizaba por la técnica de la improvisación.

El método de la improvisación, a partir de un escenario o guión preexistente: Un actor llena su imaginación de todas las ideas del autor y busca las diferentes vías para conducir el dialogo, para coincidir con todos los puntos de acción. Dos actores en escena, cada uno con su propio personaje, obligados a contestarse sensatamente, es decir, necesitan que los argumentos sean coherentes con la situación para que no sea forzado y no pierdan lo que ya tenían. Es mantener el carácter de naturaleza y verdad de la escena, así como solo el mejor escritor puede alcanzarlo.

Los actores aprovechaban las experiencias de los otros, aprendían de los errores y de los aciertos, cada vez siendo más innovadores, siempre en beneficio del espectáculo.

Los materiales literarios fueron una parte importante para el trabajo cotidiano del actor, como explica Andrea Perrucci en Dell'arte rappresentativa, premeditata ed all'improvviso cuando trata de definir las categorías de recitación, la premeditada y la improvisada. Por la primera se entiende la gestualidad, el modo de la voz y los movimientos del actor, es decir, la manera de recitar; mientras que la segunda se refiere más bien a lo que se recita, o sea, a los textos de los monólogos, sentencias, etc. De ahí que Andrea Perrucci aconseje, por ejemplo, para las partes de los enamorados, que el actor procure acomodar el texto a su propio estilo según la habilidad que tenga, y que cada uno tenga ciertas composiciones generales que se puedan adaptar a cada tipo de comedia. También dice que los cómicos deben estudiar y aprender de memoria frases, conceptos, discursos de amor y así una serie de temas que puedan aplicar en el personaje que estén interpretando cuando lo necesiten.

El secreto de la improvisación está en la posesión, utilización y combinación de trozos literarios heterogéneos previamente memorizados. Corresponde, por lo tanto, a un espectáculo teatral que no se constituye a partir de un texto escrito con antelación, dividido en partes y aprendido por actores, sino que se organiza gracias a la combinación de fragmentos sabidos de memoria y enlazados, con fuerte capacidad innovadora del actor, merced a la existencia de unos guiones llamados scenari, soggetti o canovacci. Los “scenari” forman la línea narrativa de una comedia, una estructura ya desarrollada y organizada en escenas (de ahí la palabra escenario), donde son indicadas las presencias de los personajes.

Legado

Hay que reconocer que los italianos contribuyeron una innovación muy básica a toda producción dramática. Me refiero a la formación y organización de compañías legales de los comediantes. Es de notar que uno de los rasgos más esenciales de la Commedia dell'arte era su organización profesional.

Estas compañías no fueron formadas de académicos, estudiantes, los de la corte o aficionados, como los que hicieron papeles en las comedias eruditas, sino que eran hombres y mujeres quienes, por primera vez en Europa, ganaron su vida representando sus obras.

Sin embargo, hoy en día es muy difícil juzgar una influencia directa de la fuente italiana por la escasez de manuscritos italianos. Por consiguiente, sólo se puede acercarse a este arte invisible por una manera indirecta; el recurso principal de aproximarse a la Commedia dell'arte es por medio de descripciones u observaciones de las reacciones de los espectadores hacia el espectáculo mismo.

El mayor legado que dejó la comedia del arte al teatro moderno, es el de demostrar la importancia del dominio técnico y la preparación de los actores. En el siglo XIX el mimo Deburau fue el mayor heredero de la comedia del arte en Francia, representando al siervo fiel y melancólico; con su arte y su dominio técnico renovó la pantomima, llegando al control perfecto de sus movimientos. El actual teatro francés utiliza movimientos y métodos teatrales de la comedia improvisada, en la que el mimo Marcel Marceau fundaba toda su técnica.

En Italia, Pirandello usó ciertos recursos teatrales de la Commedia dell'arte y trabajó la técnica de la comedia para renovar el teatro; usó elementos sorpresa y lo imprevisto.

En España, Lope De Vega se convierte en su mayor exponente, él escribía para divertir y distraer a un público que la mayoría de las veces era popular. Tomó elementos básicos de la Commedia dell'arte, como: el juego de lo inverosímil y sorpresivo, la mezcla de personas con deidades, las apariciones, los pactos, los hechizos. Su enorme producción teatral estuvo cargada de una genial improvisación, que en este caso era más literaria que teatral. Contemporáneamente a él se podría mencionar a Cervantes, quién con su “Quijote” muestra caracteres de la comedia del arte en sus personajes como Sancho Panza, con esa personalidad caricaturesca.

En cuanto al teatro ingles, es imposible no referirse a Shakespeare, quién hace pensar que muchas veces escribía sus personajes basándose en los actores, quienes debían tener la misma ejercitación técnica de la Commedia dell´improviso: muchos de sus personajes bailan, cantan y hacen movimientos bufonescos o ridículos. Pero todos los elementos del arte están concentrados en Shakespeare en sus palabras que hacen acrobacias, enmascaran a los personajes, brincan, corren, burlan, intrigan e improvisan.

En cuanto a la influencia a un teatro más cercano, la figura de Chaplin en el cine, su calidad de bufón, con sus movimientos torpes y ágiles y gestos expresivos, se podría comparar con Pulcinella.

En cuanto a la literatura teatral, se encuentra Samuel Beckett que, junto con Ionesco y Pinter, parece buscar la vida instintiva del teatro mediante la parodia del hombre, como la Commedia dell'arte que parodiaba sólo defectos o cualidades, manteniendo siempre un respeto inicial por la condición humana.

Actualmente son muchos los grupos que aún siguen haciendo uso de ese importante legado de la Commedia dell'arte; sin ir más lejos un gran ejemplo de esto son los artistas del Cirque du Soleil, quienes liderados por Guy Laliberté han redefinido la noción de “circo” sin animales. Cada actor, músico o cantante que forma parte del circo deben ser “los mejores”, interpretes profesionales con todas las condiciones necesarias para el canto, el baile y la actuación. El papel del actor ha sufrido grandes transformaciones desde el momento que floreció la Commedia dell'arte; ahora existen instituciones formales que preparan al actor para ser capaz de afrontar cualquier caracterización que se les sea impuesta.

Bibliografía

Meyerhold, V.E. (2003). Teoría Teatral. España: Edit. Fundamentos, 7a Edición, pág. 102 Perrucci Andrea, (1699). Dell'arte rappresentativa premeditata ed all'improviso - coedizione in facsimile dell'edizione bilingue (Scarecrow Press, 2007), con commento italiano a cura di Francesco Cotticell Uribe, María de la Luz: La comedia del arte. Ed. Destino. Volumen 209.

Recursos electrónicos

www.progettovidio.it/livioandronico.asp


Commedia all'improvviso fue publicado de la página 65 a página67 en Creación y Producción en Diseño y Comunicación Nº31

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