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En busca del non finito fotográfico El dispositivo y su proceso

Alvarez Gramuglia, Javier [ver currículum del autor, docente de la Facultad de Diseño y Comunicación]

Escritos en la Facultad Nº128

Escritos en la Facultad Nº128

ISSN: 1669-2306

Trabajos Finales de Grado presentados y aprobados [Resúmenes] de todas las carreras de grado de la Facultad y de los ciclos de Licenciatura en Diseño y de Licenciatura en Negocios de Diseño y Comunicación Cursada Primer Cuatrimestre 2016 - Entreg

Año XIII, Vol. 128, Abril 2017, Buenos Aires, Argentina | 136 páginas

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“El tiempo termina por elevar casi todas las fotografías, aún las más inexpertas a la altura del arte” (Sontag, 1975)


El presente trabajo es un intento por descubrir entramados conceptuales, establecer relaciones dialógicas, y plantear nuevas discusiones en base a la evaluación de tres Proyectos de Graduación de la Licenciatura en Fotografía de la Universidad de Palermo. Dos de estos proyectos abordaron la temática de la fotografía documental, aunque lo hicieron con enfoques (valga la terminología técnica del campo) completamente diferentes. El tercer proyecto se centró en el estudio de los procesos químicos de la fotografía analógica. No obstante, en el corpus de los proyectos, existe un punto de encuentro inicial, que de hecho se trata de un tema recurrente en los proyectos de graduación del área. En los tres casos se recurre a la historia de la fotografía, mas específicamente a la historia de sus avances tecnológicos, como primera fundamentación conceptual. 
Permítaseme, para continuar, una pequeña transgresión inicial al género de este artículo. El pedido no es en vano. Intentaré relatar, evitando en todo momento no perder los formalismos del lenguaje académico, una experiencia personal que derivó en una serie de pensamientos que constituyen el fundamento de las ideas que se abordarán en este ensayo, y que considero puede funcionar eficazmente como una forma de introducción. Durante un viaje a la ciudad de Nueva York en 2016 tuve la posibilidad de visitar la recientemente inaugurada nueva sede del Metropolitan Museum of Art. Se trata de una sede adicional a la del histórico museo neoyorquino, denominada MET Breuer en homenaje al arquitecto responsable del diseño original del icónico edificio. La particularidad de este nuevo lugar consiste en que su programación está centrada exclusivamente en la investigación de los lenguajes del arte contemporáneo, o bien en el diálogo entre lo contemporáneo con otras expresiones artísticas de épocas diferentes. Concurrí atraído por una de las exhibiciones inaugurales, que consistía en mas de cien fotografías, la mayoría de ellas inéditas, de los primeros años de la carrera de la influyente fotógrafa Diane Arbus. La muestra cumplía con las expectativas en todo sentido, a tal punto que casi me conduce a pasar por alto otra de las exhibiciones inaugurales del museo, una exposición denominada Unfinish, thoughts left visible. En este caso se trataba de una recopilación de obras de arte plástico, principalmente pinturas, de diferentes épocas artísticas, que por un motivo u otro habían sido dejadas inconclusas. En algunos casos las obras quedaron incompletas al verse interrumpidas de forma accidental por decisión del comitente, del artista, o bien por la muerte del propio artista. Pero en otros casos, la cualidad inacabada de la obra de arte resulta parte de una estética que ha dado en llamarse non finito, cuyos orígenes se remontan hasta el renacimiento italiano. La intención manifiesta de dejar una obra de arte incompleta plantea por un lado su carácter abierto, y por otro lado nos obliga a preguntarnos acerca de cuándo y según qué criterios puede considerarse que una obra de arte está finalizada. La exhibición resultaba interesante en múltiples aspectos, visualmente impactante y curatorialmente innovadora. La pregunta por el proceso de la obra de arte es también una indagación acerca de su ontología. A esta altura el lector podrá comenzar a preguntarse cuál es el sentido de este relato en un texto que versa sobre fotografía. La respuesta la encontrará intentando establecer una relación entre las dos exposiciones que se llevaban a cabo paralelamente en sendos pisos del museo. Las fotografías de una joven Diane Arbus estaban completas en su totalidad, en cambio las obras plásticas expuestas en la otra muestra pertenecían a artistas consagrados de diferentes épocas y lugares históricos, que dejaban al descubierto los procesos de creación, sus pensamientos e intenciones. La duda, que se desprende casi naturalmente de lo expuesto, es la siguiente: ¿Existe el non finito en fotografía?. En el potencial caso de una respuesta afirmativa, cabe preguntarse de qué procesos adolecería, y qué aspecto tendría una fotografía inconclusa. De esta manera, volvemos a la temática omnipresente en los proyectos de graduación sobre fotografía, la historia de sus avances tecnológicos y el estatuto de la relación que establece la imagen fotográfica con la realidad. 
Por lo tanto, a continuación se realizará una breve presentación de los proyectos evaluados en el presente ciclo junto con un análisis de sus intenciones y aportes. 
El Proyecto Reivindicación del Documentalismo Fotográfico. Festividades Religiosas Correntinas de Virginia Stadius Maldonado se encuadra en la categoría Creación y Expresión ya que su objetivo es la creación de un portfolio fotográfico, en este caso de índole documental, que expresa la mirada de la autora acerca de las festividades religiosas correntinas. La línea temática corresponde a Diseño y Producción de Objetos, Espacios e Imágenes ya que culmina en la realización de un foto libro que reúne las fotografías realizadas en el marco del Proyecto. La documentación de esta serie de costumbres y rituales sociales puede resultar una actividad de relevancia para la cultura de la Provincia de Corrientes. Según afirma Stadius Maldonado, uno de los objetivos del presente Proyecto fue “motivar la documentación de las festividades dado que es algo muy emocionante para el correntino y sobre todo para las nuevas generaciones" (p. 7, Cuerpo A). 
En la introducción al Proyecto la autora afirma que “se introducirá teórica y conceptualmente al lector, presentando la idea de reivindicar el documentalismo fotográfico, ya que no se ve actualmente la esencia del mismo en los medios en general cuando se muestran series de este carácter.” (Stadius Maldonado, p. 7, Cuerpo B). Esta afirmación nos resulta llamativa en un primer momento, ya que en al actualidad el auge de las redes sociales ha permitido nuevas formas de producción, circulación y recepción dando lugar al surgimiento de una gran cantidad de sujetos y colectivos fotográficos dedicados al documentalismo. No obstante, si nos adentramos en el desarrollo del Proyecto, podremos constatar que lo que la autora reclama es la presencia de un documentalismo que se ubique teóricamente en lo que Dubois caracterizó como “la fotografía como espejo de lo real”, refiriéndose a una relación específica entre la fotografía y su referente que toma la forma de una analogía objetiva y transparente. (2010, p. 20). Esta postura aparece en los últimos párrafos del capítulo uno donde la autora afirma que “se concluye desde un punto de vista particular que la fotografía contemporánea ya no es la misma. La mirada, la intención, la forma y el mensaje ya no es igual a la inicial.” (Stadius Maldonado, p. 18, Cuerpo B). En contraposición a la idea de la imagen como representación fidedigna de la realidad en los últimos años varias investigaciones y estudios han avanzado en demostrar como la fotografía periodística en los medios masivos de comunicación ha sido la herramienta utilizada por las clases dominantes para ocultar o tergiversar hechos y procesos sociales. Como ejemplo en nuestro país véase el artículo de Gamarnik donde ha trabajado sobre las políticas de ocultamiento y visibilidad que llevo adelante la última dictadura militar. (Gamarnik, 2011). 
El Proyecto de Graduación Testimoniar a través de la fotografía. Un camino hacia los derechos de los Pueblos Originarios en Argentina de María Vanesa Altamirano se sitúa correctamente en la categoría de Creación y Expresión al concentrarse en la mirada personal de la autora y la construcción de un ensayo fotográfico documental sobre las acciones de protesta de las comunidades originarias agrupadas en la organización Qo.Pi.Wi.Ni. La elección de la línea temática de Diseño y Producción de objetos, Espacios e Imágenes le permite a la autora materializar las imágenes en un libro de fotografías que condensa el proceso de investigación, reflexión y producción por el que ha transcurrido al realizar el Proyecto. La acuciante problemática de los Pueblos Originarios constituye un tema no solo de actualidad, sino también gran de relevancia social e histórica. Altamirano se propone contribuir construyendo con sus imágenes “un testimonio visual de los distintos momentos de la lucha que sostienen los Pueblos Originarios” (p.7, Cuerpo A). 
Cabe destacar la forma en que la primer fotografía del libro, la imagen de Yamila, una niña de la comunidad Qom mirando a través del visor de una cámara fotográfica, nos introduce en la serie fotográfica. Yamila es fotografiada por Altamirano, pero a su vez ella nos fotografía a nosotros. La imagen que funciona como introducción al ensayo nos plantea el problema de la autoría en la mirada del otro y a su vez, es una referencia a esta capacidad de la fotografía de volver constantemente sobre sí misma. Mas adelante, el retrato de una integrante de la comunidad Wichi, realizado en el acampe Qo.Pi.Wi.Ni. en septiembre de 2015, una de las fotos mas conmovedoras de la serie, replantea el tema de la mirada del otro, ya que a pesar de que no conocemos su nombre logra establecer una conexión íntima con la fotógrafa, quien generosamente la transmite por extensión al espectador. De la misma forma resulta importante destacar que a lo largo de toda la serie se observa que la autora ha logrado realizar un trabajo profundo. No se trata de fotos instantáneas tomadas al pasar. Especialmente en los retratos, el clima logrado y la fuerza de las miradas, dan cuenta de los dos años de trabajo. En palabras de Altamirano: “Para llegar a retratar este grupo humano, la autora tuvo que adentrarse en su ambiente e informarse sobre la problemática que éstos atraviesan” y confirma que esta actitud “facilitó el diálogo que se estableció con los diferentes miembros de las comunidades. De esta manera, se generó un espacio de confianza y se logró construir una relación más profunda.” (2016, p.66. 
En tercer lugar, Laboratorio 291. Procesos Fotográficos Alternativos, Proyecto de Graduación de Fátima Tatiana Gallardo, se encuadra en la categoría Proyecto Profesional donde se abordan las temáticas relacionadas con desarrollos proyectuales vinculados al campo profesional, partiendo de la detección de una necesidad hasta la elaboración de un proyecto tendiente a satisfacerla. En este caso se propone la creación de Laboratorio 291, un laboratorio fotográfico que también ofrece servicios como estudio fotográfico y que se distingue por utilizar técnicas características de la fotografía del siglo XIX como el cianotipo, la goma bicromatada, el ferrotipo y el colodión húmedo. La línea temática corresponde a la de Nuevos Profesionales, según afirma la autora “A raíz de este trabajo, se creará un profesional destacado por su estilo fotográfico mediante la construcción de su marca. Este nuevo profesional contará con la práctica y conocimientos necesarios para originar su estética.” (Gallardo, 2016, p. 6). 
El proyecto aborda un tema de actualidad y relevancia para el campo disciplinar y se inserta en el movimiento que intenta recuperar los procesos fotográficos antiguos frente al paradigma de la fotografía digital. Según afirma Gallardo “El Laboratorio 291 ofrece a la sociedad opciones fotográficas fuera de los sistemas digitales y a los artistas, otro medio de expresión mediante la manipulación química sobre una serie de diversos soportes.” (2016, p. 4) . Ya desde el primer capítulo el Proyecto se ubica desde la teoría estética para analizar la producción fotográfica del siglo XIX, realizando así mismo un recorrido histórico por las principales técnicas fotográficas, continuando en los capítulos subsiguientes un desarrollo consistente y completo del Proyecto para la creación del Laboratorio donde se tienen en cuenta todos los detalles de su realización material. Al proponer revalorizar los procesos fotográficos químicos, como alternativa al auge de la fotografía digital y destacar su importancia en la historia de la fotografía, rescatándolos al mismo tiempo del paso del tiempo y el olvido, no solo se opera desde lo simbólico, sino en una dimensión material concreta estableciendo una estrecha relación con espacios de arte, galerías, coleccionistas y artistas. Por último, cabe destacar un aspecto que aparece en forma embrionaria en el Proyecto, que consiste en repensar cuál es la relación entre estos procesos y técnicas de laboratorio rescatados y como se articulan en la actualidad con el desarrollo de un estilo personal, una estética distintiva, o el tratamiento fotográfico de una temática en particular. 
Presentados los proyectos resulta interesante observar como a pesar de poseer puntos de contacto entre sí los tres trabajos podrían vincularse claramente con tres diferentes perfiles de profesionales. El Proyecto Testimoniar a través de la fotografía de Vanesa Altamirano, si bien posee una dimensión material en la ejecución del foto libro, denota una impronta hacia un perfil de producción académica en tanto se preocupa por indagar en cuestiones epistemológicas, filosóficas y estéticas. El Proyecto de María Vanesa Altamirano, Testimoniar a través de la fotografía podría encuadrarse en un perfil de producción profesional, un trabajo fotográfico sostenido durante dos años de forma sistemática que culmina en una producción material concreta. Por último, el Proyecto de Laboratorio 291 de Fátima Tatiana Gallardo se inclina claramente hacia el modelo del profesional emprendedor, analizando cada una de las etapas necesarias para la instalación del laboratorio fotográfico. 
Retomando el planteo de los primeros párrafos del presente artículo nos encontramos además con dos temáticas recurrentes, la historia de la fotografía a través de sus avances tecnológicos y la pregunta sobre la relación entre la imagen fotográfica y su referente. Para un repaso más en profundidad de este último tema puede consultarse el artículo “Entre la polisemia, el índex y el píxel. La fotografía como un campo heterogéneo”, que corresponde a la reflexión alrededor de los proyectos evaluados en el primer ciclo inmediatamente anterior al presente. (Alvarez Gramuglia, 2016). De todas formas, una pregunta urgente que probablemente debamos hacernos es porqué ya entrado el siglo XXI, en pleno auge de las tecnologías digitales, muchos de los actores dentro el campo de la fotografía continúan manejando criterios o posturas teórico-filosóficas ligadas al positivismo del siglo XIX, posiciones que han sido superadas históricamente como la concepción de la imagen fotográfica como espejo de lo real. Mas allá de esto, en esta oportunidad en cambio, intentaremos centrar el análisis en la relación entre ambas temáticas recurrentes, tomando como puntapié inicial la pregunta que se generó alrededor de la posibilidad de existencia de una obra fotográfica inconclusa (non finito), tal como existe en las artes plásticas. 
Entendemos que la pregunta acerca de cuando una obra puede considerarse completa es una pregunta acerca de los procesos del dispositivo. En el caso de la fotografía los manuales de composición y diseño fotográfico no se cansan de repetir que una buena foto debe ser de lectura clara, sencilla y visualmente impactante. Al respecto dice Webb que “Al contrario de la pintura, donde la imagen parte de una superficie blanca, la fotografía puede calificarse como una búsqueda reductiva. Empieza encarándose con ‘todo’ y, gracias a los márgenes del visor, extrae un aspecto minúsculo de ese todo” (2012, p. 12). Según esta idea, la pintura procede por adición y la fotografía por sustracción. Si seguimos este razonamiento hasta el final, podríamos decir que el non finito en fotografía correspondería a esa instancia donde aun no se ha encarado este camino reductivo que plantea Webb y nos encontramos aún en presencia de un todo significante. Pero esta solución no parece aportarnos nada, una fotografía donde no se ha iniciado esta búsqueda sustractiva puede ser considerada perfectamente como una fotografía completa, pensemos por ejemplo en las composiciones de Andreas Gursky, uno de los fotógrafos mas renombrados de la contemporaneidad. Siguiendo en esta búsqueda, podríamos indagar también en los procesos de revelado y copiado, para el caso de los materiales sensibles analógicos, y en la edición digital y la impresión, para el caso de las cámaras digitales. No obstante, situar la no completitud en esas etapas posteriores, implica resignar la posibilidad de seguir intentando comprender el proceso completo/incompleto esencialmente alrededor del acto fotográfico. 
En efecto, todo parece sugerir que no hay posibilidad de dejar una fotografía inconclusa. Por lo menos, comparándolo con el sentido que el non finito tiene para la pintura. La fotografía se nos manifiesta como un todo, como un bloque que se expresa todo junto en solo una fracción de segundo. 
Pero realicemos un intento más por comprender el dispositivo fotográfico a través de uno de los autores que mas profundamente ha indagado la filosofía del dispositivo fotográfico. Para Flusser la objetividad de la fotografía es una ilusión, opina que “las imágenes técnicas son, en verdad, imágenes, y como tales, son simbólicas. De hecho son un complejo simbólico aun mas abstracto que las imágenes tradicionales” (1990, p.18). Pero este carácter de ilusoria objetividad hace que el observador mire las fotografías, no como símbolos, sino como si fueran una ventana al mundo. 
En este sentido Flusser entiende que hay un factor que media entre la imagen y su significado. En el factor están tanto la cámara fotográfica como el fotógrafo. El factor es como una caja negra porque su proceso de codificación es inaccesible en apariencia. Esto lo lleva a afirmar que toda crítica de las imágenes técnicas debe aportar al esclarecimiento del proceso que sucede al interior de esa caja negra. (1990, p.19). Por este motivo, por esa pregunta acerca del dispositivo, que él denomina factor, y en el cual incluye tanto a la cámara como al fotógrafo, resulta un marco teórico adecuado para abordar la pregunta por nuestro non finito fotográfico. 
En sus postulados puede observarse una suerte de determinismo aportado por el factor cámara/fotógrafo. Flusser dice que “La cámara funciona según las intenciones del fotógrafo, pero estas intenciones funcionan de acuerdo con el programa de la cámara” (1990, p.34) o bien , “en el acto fotográfico, la cámara hace lo que fotógrafo quiere que haga, y el fotógrafo hace aquello para lo que la cámara está programada” (1990, p.35) Además plantea que el fotógrafo solo puede fotografiar “aquello que sea apto para ser fotografiado” y que la elección del objeto a fotografiar es libre siempre y cuando cumpla con la condición de encontrarse en armonía con el programa de la cámara, es decir que “todos los criterios del fotógrafo, aparentemente al margen del aparato, son parte de las virtualidades contenidas en el programa de la cámara” (1990, p.35). Si bien “el fotógrafo puede inventar categorías nuevas para la cámara, unas que no estén programadas. Si lo hace, se extrae a sí mismo del acto fotográfico como tal, colocándose en el metaprograma de la industria fotográfica” (1990, p.35) ¿Qué es fotografiar entonces? ¿cómo podríamos describir al acto fotográfico? Para Flusser fotografiar es “buscar posibilidades no descubiertas dentro del programa de la cá- mara” (1990, p.36). De esta manera desde su perspectiva, la fotografía borra la dicotomía realismo/idealismo “el mundo ‘exterior’ no es lo ‘real’ tampoco son los conceptos ‘internos’ del programa del aparato; lo ‘real’ es la imagen tal cual.” Según esta postura, el mundo exterior y el programa de la cámara son virtualidades que funcionan como premisas que se realizan en la fotografía. Lo real es el símbolo, no lo que el símbolo significa (inversión del vector de significación). Por último, según Flusser la fotografía es fenomenológica, anti-ideológica y programada. El acto fotográfico es “un acto de ‘duda fenomenológica’, en tanto intenta acercarse al fenómeno desde tantos puntos de vista como sea posible” Por lo tanto, “la práctica de la fotografía es anti-ideológica”. No hay un punto de vista privilegiado, y esto va mas allá de la creencia del fotógrafo. Y en segundo lugar “la práctica de la fotografía está sujeta a un programa. El fotógrafo solo puede actuar dentro de un programa.” (1990, p.37). Es decir que no hay posibilidad de existencia de algo similar al non finito fotográfico, excepto si el fotógrafo crea su propio programa, lo cual lo ubicaría por fuera del acto fotográfico. Considero que para comprender los postulados de Flusser, y hacerlos hablar mas allá de lo que nos dicen expresamente es necesario relacionarlos con otros discursos. Poner en claro que su investigación acerca de la filosofía de la fotografía apuntaba a crear un modelo filosófico que fuera extrapolable al resto de la sociedad. Una sociedad que él caracteriza como posindustrial, con un sujeto de conocimiento ahistórico (programado) y anti-ideológico. Flusser escribe en la época del auge del neoliberalismo, de la posterior caída del muro de Berlín y el surgimiento de las teorías que hablaban del fin de la historia y por lo tanto del sujeto de cambio. 
En resumen, tenemos entonces por un lado una postura positivista que considera a las fotografías como análogos de la realidad, como reflejos de su existencia, y por otro lado tenemos a Flusser que construye un sujeto para el cual las fotografías son en sí mismas la realidad. ¿Cómo superamos esta dicotomía? Considero que se torna indispensable volver a colocar la pelota adentro de los límites del campo de juego. Preguntarnos por sus usos sociales. Devolverle a la fotografía su valor en tanto discurso. Interrogarlas. Ubicarlas en un contexto, y una época determinadas, donde entran en juego con otros discursos, donde su significación se transforma en relación a la forma en que se producen, a la forma en que circulan y se consumen. Donde nos hablan de la libertad pero también son usadas para mantenernos en las sombras. Quizás, el non finito sea un derivado del propio dispositivo técnico y tenga que ver con la posibilidad de su reproductibilidad ilimitada, o quizás el non finito funcione para la fotografía como una suerte de más allá, un límite en la significación que proviene de su particular relación con el tiempo y la luz.

Referencias bibliográficas 
Alvarez Gramuglia, J. (2016). Entre la Polisemia, el índex y el píxel. La fotografía como un campo heterogéneo. En Escritos en la Facultad, 125, 11-16. 
Dubois, P. (2010). El acto fotográfico. Madrid: Ediciones Paidós. 
Flusser, V. (1990). Hacia una filosofía de la fotografía. México, D.F. : Sigma 
Gamarnik, C. (2011). Imágenes de la dictadura militar. La fotografía de prensa antes, durante y después del golpe de Estado de 1976 en Argentina. En Pérez Fernández, S y Gamarnik,. C. 
Artículos de Investigación sobre Fotografía. Montevideo: Ediciones CMDF 
Sontag, S. (1975) Sobre la Fotografía. Buenos Aires: Alfaguara 
Webb, J. (2012) Diseño Fotográfico. Barcelona : Editorial Gustavo Gili. 

(*) Fotógrafo profesional (Escuela Argentina de Fotografía). Docente de la Universidad de Palermo en el Área Audiovisual de la Facultad de Diseño y Comunicación. Miembro del Equipo de Evaluación de Proyectos de Graduación de la Facultad de Diseño y Comunicación de la Universidad de Palermo.

Resúmenes de Trabajos Finales de Grado aprobados 
Organizados alfabéticamente por apellido del autor 

María Vanesa Altamirano 
Testimoniar a través de la fotografía. Un camino hacia los derechos de los Pueblos Originarios en Argentina 
Licenciatura en Fotografía. Categoría: Creación y Expresión. Línea Temática: Diseño y producción de objetos, espacios e imágenes

El Proyecto de Graduación se encuadra enla Categoría de Creación y Expresión, ya que se propone profundizar una temática vinculada con el campo de la fotografía, y enla Lí- nea Temática de Diseño y Producción de Objetos, Espacios e Imágenes.El tema elegido trata sobre el género de la fotografía documental y el poder de la imagen como una activa herramienta que acompaña y fomenta los cambios sociales. La investigación se apoya en la importancia de cómo este medio de comunicación representa una herramienta a la hora de generar conciencia y hacer visible los problemas que atraviesa la sociedad. La propuesta consiste en documentar la protesta que llevan a cabo los miembros de las comunidades Qom, Pilagá, Wichi y Nevaclé de la provincia de Formosa, las cuales han formado una organización que se llama Qo.Pi. Wi.Ni (Lafwetes). 
La justificación de la creación de dicho ensayo fotográfico está ligado a la colaboración de la autora apoyando, a través de la imagen, el reclamo causante del acampe. 
Este Proyecto tiene como finalidadcrearun ensayo fotográfico documental, materializado en un libro, profundizando en la importancia que tiene la fotografía como herramienta para acompañar las luchas sociales. 
Para poder alcanzar la finalidad planteada uno de los objetivos será determinar las características del género documental enfocado a lo social, para aplicarlas a dicho ensayo, creando a través de una serie de imágenes, narraciones con fotografías. También, se realizará un abordaje acerca de los derechos de los Pueblos Originarios, centrándonos y ahondando en su situación en la Argentina. El aporte creativo se afirma en la propuesta presentada, un ensayo fotográfico que se caracteriza por ser del género documental con un carácter social, donde se encontrarán imágenes que manifiesten el tema a documentar, resultado final de un trabajo de largo plazo, diseñado a través de la utilización del ensayo fotográfico como herramienta para narrar una historia mediante la combinación de imágenes, donde la unidad de las mismas es el propio tema a documentar

Fátima Tatiana Gallardo 
LABORATORIO 291. Procesos Fotográficos Alternativos 
Licenciatura en Fotografía. Categoría: Proyecto Profesional. Línea Temática: Nuevos Profesionales

En la historia de la fotografía, fueron necesarios diversos descubrimientos aportados por artistas, químicos, sociólogos, escritores para comprenderla como se conoce en la actualidad. A medida que pasa el tiempo, muchos de estos hallazgos se encuentran en desuso, reemplazados por mecanismos y aparatos de tecnología avanzada. Es por esto que el Proyecto Laboratorio 291 fomenta la reivindicación y revaloración de las técnicas antiguas y procesos alternativos del siglo XIX. Se trata sobre la construcción de un laboratorio que se integra en el mercado fotográfico actual creando una marca junto a su esencia establecida. El Laboratorio 291 ofrece a la sociedad opciones fotográficas fuera de los sistemas digitales y a los artistas, otro medio de expresión mediante la manipulación química sobre una serie de diversos soportes. Teniendo en cuenta que cada técnica produce obras únicas e irrepetibles. El espacio cuanta en sus principios con la venta, manipulación y reproducción de los siguientes procesos; colodión, ferrotipo, cianotipia y goma bicromatada. Con expectativas de incorporar otras técnicas a lo largo de su crecimiento. 
Se cree importante divulgar las técnicas antiguas para no generar un nuevo desuso de las mismas, conocer que existen y saber que hay una producción continua de los químicos y soportes necesarios para sus prácticas. También es relevante que los profesionales de la imagen conozcan estas técnicas para un holístico conocimiento fotográfico e histórico y para la práctica de formación de imágenes mediante otros sistemas no contemporáneos.

Virginia Inés Stadius Maldonado 
Reivindicación del Documentalismo Fotográfico. Festividades Religiosas Correntinas 
Licenciatura en Fotografía. Categoría: Creación y Expresión. Línea temática: Diseño y producción de objetos, espacios e imágenes

El Proyecto de Graduación se inscribe en la categoría Creación y Expresión y en la línea temática Diseño y producción de objetos, espacios e imágenes. El tema elegido es la fotografía documental como material para construir historia cultural. Este tema tratará una gran problemática, que refiere a desentrañar la cuestión de lo empírico (los hechos reales experimentados, lo cognoscible) en los documentales. Desde ya podemos establecer la siguiente afirmación: la fotografía documental representa la realidad selectiva de la mirada del fotógrafo, pero también implica una mirada subjetiva, con intención de mostrar lo que se ve, de informar, de hacer historia, en sumas, de modificar un pensamiento o generar una reacción con dicho material. 
El fin del Proyecto de Graduación es establecer una serie de fotografía documental demostrando una realidad que necesita ser contada, en Corrientes, ciudad situada al nordeste del país, donde se vive con mucho entusiasmo y devoción las diferentes festividades religiosas, a pesar de que están siendo menos populares en comparación con otras épocas. Los jóvenes no se arraigaron mucho a la fe en esa ciudad, por lo cual se tomará como iniciativa revelar estas festividades, concluyendo con la confección de un libro documental que esté avalado por el gobierno provincial de la ciudad.


En busca del non finito fotográfico El dispositivo y su proceso fue publicado de la página 11 a página15 en Escritos en la Facultad Nº128

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