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Docente: Valeria Stefanini

[ver currículum del autor, docente de la Facultad de Diseño y Comunicación]

Creación y Producción en Diseño y Comunicación Nº78

Creación y Producción en Diseño y Comunicación Nº78

ISSN: 1668-5229

Ensayos sobre la Imagen. Edición XX Escritos de estudiantes. Segundo Cuatrimestre 2016 Ensayos Contemporáneos. Edición XVIII Escritos de estudiantes. Segundo Cuatrimestre 2016

Año XIII, Vol. 78, Julio 2017, Buenos Aires, Argentina | 262 páginas

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Abstract del docente 

El Taller de Reflexión Artística I es el primer nivel de estudios sobre historia del arte que los alumnos de la Facultad de Dise- ño y Comunicación van a cursar en sus carreras académicas. Esto implica que estudiantes de diversas especializaciones van a trabajar juntos sobre temas referidos al arte de los siglos XIX y XX. La materia debe tener en cuenta justamente un abordaje que la vincule con el Diseño y la Comunicación en todas sus especialidades (diseño gráfico, de interiores, de objetos, de joyas, de indumentaria, etc.) y con la Fotografía. Todas disciplinas que, sobre todo y justamente en el siglo XX, han tenido fuerte relación entre sí y con las artes plásticas. Al ser la primera materia sobre historia del arte y como requiere una reflexión (como lo indica el mismo nombre) sobre las obras, movimientos y escuelas, las primeras clases van a ser fundamentales para generar un marco desde el cual sea posible pensar el arte, comprenderlo, debatirlo y comunicarlo. Más allá de la sucesión interminable de nombres, fechas, movimientos, escuelas y vanguardias hay que encontrar algo que nos permita comenzar un proceso de pensamiento y por consiguiente iniciar la comprensión del hecho artístico. Cuando pensamos nuestra propia disciplina y cómo trabajarla en clase, la pregunta que se hace obligatoria es desde qué lugar se puede abordar una materia de artes orientada a alumnos de distintas especializaciones de diseño y cómo hacer que la cursada se transforme en un espacio de aprendizaje significativo para la comprensión de sus propias disciplinas. Vivimos en una sociedad que se comunica a través de la imagen pero no aprendemos a decodificarlas, y es por esto que los trabajos de cursada y el ensayo final de esta materia buscan que el alumno se encuentre con la obra de arte original, pueda pensar y hablar de ella y finalmente la vincule con sus propios diseños o con sus propios diseñadores de referencia. Se busca que los estudiantes visiten los museos de la ciudad, como son el Museo Nacional de Bellas Artes, el Museo de Arte Moderno y el Museo de Arte Latinoamericano, valorizando la experiencia directa frente a las obras y a las instituciones que las exhiben. En cada espacio elijen una obra de su interés para analizar y reflexionar sobre ella y luego pensar estas obras en relación a su propia disciplina.

Producción de los estudiantes

La persistencia de las vanguardias en el diseño contemporáneo  Nicole Ivone Chung y Delfina Alejandra Gómez García

María Freire es una artista uruguaya cuyas obras están inspiradas en el arte primitivo, por eso sus obras tienen un gran peso geométrico y bidimensional. En sus obras se puede observar formas geométricas interrumpidas por líneas orgánicas, gran contraste entre el fondo, que generalmente es blanco o negro, y los dibujos que se encuentran por encima tienen colores saturados; utiliza mucho la repetición, la división de las formas, y las mismas cambian de dirección y tamaño.

Al investigar las obras de Freire pudimos ver que existía una relación con el Diseño de Indumentaria, ya que en sus cuadros utiliza muchos fundamentos de diseño, como elementos conceptuales, elementos visuales, interrelación de formas, entre otras.

Y yendo a algo que se observa con más facilidad podemos relacionarlo con los estampados de las prendas. Ya sea en toda la prenda o en algún detalle de la misma. 

Hoy en día muchos diseñadores se basan en obras de arte o esculturas para lanzar una colección, por ejemplo Rodarte utilizó obras de Van Gogh en una colección lanzada en el 2012, Frankie Morello utilizó el David de Miguel Angel en el 2012, Chanel, Prada y Narciso utilizaron el Neoplasticismo en una colección lanzada en el 2011-2012 y otro ejemplo es Converse que utilizó a Lichtentein en el 2010. 

Say  Pablo Mariano Cortés 

A partir del estudio de las vanguardias artísticas latinoamericanas del siglo XX es que comienza este ensayo. En el mismo se relacionarán conceptos de estas vanguardias para crear un estilo nuevo en indumentaria masculina. En este caso en particular se analizarán las técnicas del color en la obra de Xul Solar y sus influencias de parte del surrealismo europeo. Se utilizarán algunas de sus obras, como son: Pareja, Nido de Fénices, Ciudá Iagui, entre otras, para formar un nuevo estilo que se plasmará en la marca de trajes de baño para hombres Say. El nombre Say proviene del acrónimo Summer all year, por ende, es una marca que toma el verano como concepto y fuente de inspiración y de acción. La playa, el agua, las frutas, siempre fueron parte de los diseños de Say y es por ello que el arte que creó Xul Solar servirá para dar forma a una nueva colección. Este es uno de esos casos que demuestran que el arte del pasado siempre va a ser fuente del diseño del futuro.

Berni en el diseño contemporáneo  Agustina García Triano

Artista comprometido, político y controversial, Antonio Berni es considerado uno de los artistas argentinos más importantes del siglo XX. La obra elegida para el presente trabajo, Manifestación, es una obra imponente y sin dudas de las más famosas de este pintor, más allá de que tiene muchas otras producciones que también adquirieron gran reconocimiento a nivel mundial. Esta pintura fue realizada en óleo sobre arpillera, en el año 1934. 

El uso de la arpillera, contribuye a darle mayor realismo al tema central de las dos obras: el trabajador, la pobreza, la carencia, lo elemental, lo barato. El uso de materiales ya utilizados o reciclados por Berni en sus obras, tiene una directa relación con la marca FromSomewhere, dedicada al reciclaje y upcycling, y creada por Orsolo de Castro y Filippo Ricci.

Bajo el eslogan reclaim, re-use-re-adore, esta marca invita a rescatar el lujo que puede encontrarse en piezas de desecho de la industria de la moda, como las muestras de género, los cortes de telas sobrantes y otros insumos que suelen ir a parar a la basura. Con estos materiales crean prendas nuevas. Y, de paso, envían el mensaje de que lo que se tira a la basura es aún usable. 

Alejandro Kuropatwa hoy  Noelia Marchetto

Elinor Carucci y Alejandro Kuropatwa, artistas de distintas nacionalidades pero del mismo siglo. Ambos suelen trabajar con autorretratos, representando temas muy personales, que abordan temáticas fuertes, en las que no existe el pudor a la hora de fotografiar.

Kuropatwa en su trabajo Coctel morn/noon, muestra la dura realidad que atraviesa un enfermo de sida y la lucha diaria que eso conlleva, día a día con un cocktail de pastillas con la esperanza de poder combatir la enfermedad.

Elinor, al igual que Kuropatwa, busca reflejar sus temas personales en el autorretrato, en trabajos como Crisis y Pain. El primero muestra la crisis que atravesó con su pareja, en la que ella creía que él le había sido infiel y lo muestra en fotografías como en la que él está pintándole sus uñas, ella decía que lo hacía por culpa. Y en Pain, cuenta con cada fotografía, su dolor cuando tuvo un problema de columna.

Diferentes miradas, distintas nacionalidades, pero un punto de encuentro: el dolor y la necesidad de mostrarlo al mundo a través de un autorretrato.

La actualidad de la obra. Marcia Schvarzt  María Nuñez

Del arte contemporáneo se va a tomar como referente al diseñador estadounidense Jeremy Scott, actualmente director creativo de la reconocida marca Moschino. Con impronta extravagante, fantástica y estrafalaria comparada con la obra Batato de Marcia Schvarzt, ambos artistas juegan mucho con la paleta de colores fuertes, llenando de vida sus creaciones, y tanto las obras como los diseños se destacan por cierta genialidad fuera de lo común. Son dos artistas que a pesar de seguir distintas profesiones poseen algo en común: la provocación y la transgresión. Ambos buscan continuamente experimentar con nuevas técnicas y materiales, al igual que trabajan con relieves y texturas en sus obras. En la última presentación de Schvartz en Fortabat llamada Ojo, la artista pone en evidencia lo mencionado anteriormente, distintas técnicas y materiales en una colección de más de 100 piezas entre pinturas, collage, cerámicas, etc. Mismo así, el diseñador en su última colección AW16/17 demostró su rigor en materialidad y técnica de las prendas.

Artes visuales en el cine  Luciano Prieto

En el presente ensayo se analiza la obra del artista Antonio Berni La pesadilla de los injustos (La conspiración del mundo de Juanito Laguna trastorna el sueño de los injustos) del año 1961. Luego se hará una comparación con el filme The Purge (2013) realizada por el director James DeMonaco. También se harán menciones a las secuelas ya que tratan del mismo tema pero desde diferentes puntos de vistas. The Purge: La Noche de las Bestias (2013) plantea el punto de vista de una familia con un gran poder económico obtenido gracias a la venta de sistemas de seguridad usados el día de la purga anual (la purga es el día en que las leyes no rigen por 12 horas y por este motivo puede realizarse cualquier crimen), la secuela: The Purge: Anarquía (2014) plantea el punto de vista desde las personas de menores recursos en el país y The Purge: Día de Elecciones (2016) lo plantea desde el punto en que lo ven los políticos. Luego se hará un análisis en el cual se le encontrará la significación a ambas partes y su relación para llevar adelante una idea en común. Ambas obras hacen hincapié en la sociedad del país en que se encuentran y critican el funcionamiento del sistema establecido por los que tienen un mayor poder económico. También se establecerá una relación entre ellos, por último, se hará una conclusión general sobre la propuesta y una reflexión final sobre el ensayo.

La influencia cubista en el diseño contemporáneo  Laura Cassagne y Solange Norali Joseph

El presente es un ensayo que contrapone los conceptos del modernismo y contemporaneidad planteados por Danto, a partir de la comparación entre artistas de vanguardia y un diseñador e ilustrador de la actualidad. Comenzando con un breve repaso de los principios y exponentes del cubismo, atravesamos la transición entre siglos y el arte que los define. Tomamos un artista argentino y una de sus obras fechada en 1937, y a partir de su estudio y análisis efectuamos la comparación con Pablo Lobato, un diseñador argentino contemporá- neo. El ensayo hace énfasis en el uso de la tecnología para la creación de piezas de diseño, y cómo esto se transforma en el eje central que diferencia ambos siglos y sus expresiones artísticas, culminando en la brecha entre la materialidad predominante de cada época. Por último, arribamos a una conclusión en la cual comprobamos la influencia vanguardista en el diseño, pero inevitablemente encontramos una separación no sólo temporal, sino ideológica. (Ver ensayo completo en p. 184)


Docente: Valeria Stefanini fue publicado de la página 56 a página57 en Creación y Producción en Diseño y Comunicación Nº78

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