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La hipermodernidad y la moda. La paradoja del sujeto actual y su relación con la indumentaria

Curcio, Agostina [ver currículum del autor, docente de la Facultad de Diseño y Comunicación]

Escritos en la Facultad Nº133

Escritos en la Facultad Nº133

ISSN: 1669-2306

Proyecto de Graduación Edición XXXIX: 14 de Septiembre de 2017 Trabajos Finales de Grado presentados y aprobados [Resúmenes] de todas las carreras de grado de la Facultad y de los ciclos de Licenciatura en Diseño y de Licenciatura en Negocios de

Año XIII, Vol. 133, Septiembre 2017, Buenos Aires, Argentina | 130 páginas

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Introducción 

En el siguiente texto, realizado en el marco del programa de Equipo de Evaluación de los Proyectos de Graduación de la Universidad de Palermo, tiene como objetivo dar a conocer los Proyectos de Grado aprobados en el presente ciclo, pertenecientes a la carrera de Diseño Textil y de Indumentaria. Si bien se encuentran temáticas y recortes diversos en cada uno de los Proyectos corregidos, es posible encontrar una constante entre ellos que radica en el contexto en el que cada uno se desarrolla: el vínculo que todos los autores realizan con aquellas características específicas de las sociedad en la que emplazan el trabajo, lo cual resulta imposible separar del concepto de hipermodernidad. 
Postulado por Lipovetsky (2014) por primera vez, el término hipermodernidad denota una profundización de aquellos rasgos que caracterizaban el posmodernismo: “Hipercapitalismo, hiperclase, hiperpotencia, hiperterrorismo, hiperindividualismo, hipermercado, hipertexto, ¿habrá algo que no sea hiper? ¿Habrá algo que no revele una modernidad elevada a la enésima potencia?” (p. 55). 
Es en este marco de frenesí y extremismo paradójico, en el que el sujeto exacerba su narcisisimo y satisfacción personal y a la vez busca un comportamiento ético y responsable, en el que los autores de los Proyectos de Grado se encuentran. Con una mirada optimista, que también caracteriza la época, cada Proyecto pretende, más allá de su objetivo particular, brindar desde el diseño de indumentaria soluciones para un individuo insatisfecho, inseguro y en búsqueda de una identidad que le permita sentirse que pertenece. 

La variedad de propuestas 
En el siguiente apartado se presentará un resumen describiendo temáticas y aportes de los Proyectos de Grado presentados y aprobados para la carrera de Diseño Textil y de Indumentaria de la Universidad de Palermo, realizando un recorrido por los conceptos explicados y las conclusiones a las que se arribaron. En primer lugar Gaing, Ana presentó el Proyecto de Grado titulado Identidad que conquista. Re-significación del Ñandutí en vestidos de novia perteneciente a la categoría de Creación y Expresión y a la línea temática Diseño y Producción de Espacio, Objetos e Imágenes. La autora propone la revalorización de técnicas y textiles de la comunidad guaraní a partir de una propuesta indumentaria nupcial que incorpore ñandutí. En primera instancia, la autora comienza por definir el concepto de posmodernidad, explicando de qué manera éste afecta diferentes aristas de la sociedad, generando la concepción de un nuevo lujo, estimulando una tendencia hacia procesos artesanales y rescatando la función social del diseño. Luego, recorre la historia y características del ñandutí, describiendo el proceso de tejeduría, técnicas y procesos de producción, para más adelante profundizar acerca de la revalorización de técnicas artesanales y el valor agregado que éstas pueden significar para nuevos diseñadores. Asimismo, realiza un recorrido histórico acerca de la evolución del traje de novia, ahondando en siluetas, textiles y colores más utilizados, según el rubro y la ocasión de uso. Por último, la autora presenta la propuesta de diseño, presentando muestras físicas de tejido ñandutí a utilizar y fichas técnicas de las prendas, a la vez que incluye una justificación teórica de las elecciones de diseño realizadas. 
Experimentación textil. El diseño como manifiesto de identidad es el título del Proyecto de Grado presentado por Martínez, Munay y enmarcado en la categoría de Creación y Expresión y la línea temática de Diseño y Producción de Espacio, Objetos e Imágenes. El objetivo principal del trabajo es la creación de una línea de diseño textil, en línea con la creciente tendencia hacia la revalorización de técnicas y procesos artesanales en pos de productos con mayor exclusividad e identidad. Para sentar las bases teóricas del Proyecto de Grado, la autora establece las características y problemáticas propias del diseño y el diseño textil en específico, como comunicador de un mensaje, para lo cual realiza una analogía entre el lenguaje visual y el textil, profundiza en el concepto de código y establece el rol del diseñador. Adicionalmente, se enfoca en los géneros y las intervenciones textiles, realizando las clasificaciones correspondientes, explicando procesos y haciendo hincapié en la importancia de la experimentación. A continuación, profundiza acerca de la identidad argentina, explicando a su vez el concepto de identidad nacional y dividiendo el país en las regiones, división que será posteriormente utilizada en la propuesta de diseño. Por otro lado, en el Capítulo 4 la autora realiza un análisis de casos de 5 marcas o diseñadores que se destacan por la intervención textil en pos de reflejar una identidad Argentina. Finalmente, la autora presenta la propuesta de diseño textil con identidad argentina justificando elecciones desde los conceptos teóricos explicados y presentando, a la vez, fichas técnicas y fotografías de las intervenciones inspiradas en las 4 regiones del país. Por su parte, el Proyecto de Grado Más allá del pensamiento. Tocados nupciales como objetos de arte, escrito por Migliano, Magaly, plantea la incorporación de moldería experimental en pos de la construcción de tocados nupciales. El trabajo, perteneciente a la categoría de Creación y Expresión y a la línea temática Diseño y Producción de Espacio, Objetos e Imágenes, comienza por realizar un recorrido histórico y estético acerca del tocado y el rol que dicho accesorio cumplía en cada contexto. Asimismo, explica lo artístico del oficio de la sombrerería, analizando el caso de Philip Treacy y referentes locales. Por otro lado, analiza a la mujer y su rol en la sociedad, profundizando en cómo éste se fue reflejando en la indumentaria y la relación con las tendencias. Más adelante, se enfoca en la novia, su relación con el tocado y la simbología del color en los trajes y accesorios nupciales, para luego adentrarse en el concepto moldería y su evolución, estableciendo las diferencias entre la moldería tradicional y la experimental y analizando las creaciones y procesos de Shingo Sato y Tomoko Nakamichi. Finalmente, la autora presenta la propuesta de tocados nupciales con intervenciones experimentales de moldería, incluyendo fichas técnicas, piezas de moldería, libro de autor e inspiraciones y producción fotográfica.
Finalmente, el Proyecto de Grado de Mullally, Micaela Araceli titulado Kalopsia. Creación de una colección cápsula, inspirada en trabajadores explotados en la industria textil se enmarca en la categoría de Creación y Expresión y a la línea temática Diseño y Producción de Espacio, Objetos e Imágenes. El trabajo tiene como objetivo la creación de una colección de indumentaria que exponga la problemática de la explotación laboral en la industria de la moda a través de comercio justo, estrategias de marketing y estampas que lo ilustren. Luego de describir la Revolución Industrial, haciendo hincapié en la industria algodonera y en el impacto que la inclusión de maquinaria en las fábricas tuvo en la sociedad, principalmente como causa de la explotación de trabajadores, la autora se centra en la industria textil actual, analizando las condiciones de trabajo en el país y la problemática de los talleres clandestinos. Por otro lado, realiza un recorrido a través de las consecuencias sociales y médicas de la explotación en la industria textil, resaltando el rol de la mujer en dicha industria. Asimismo, se centra en la mirada de los diseñadores frente a la explotación laboral, analizando las aristas de la problemática y postulando casos en los que se la haya afrontado. Para concluir, la autora presenta la colección diseñada justificando elecciones de diseño e incluyendo figurines y fichas técnicas. 

El análisis del corpus 
Según el Diccionario de la Real Academia Española, el término moda significa:

1. f. Uso, modo o costumbre que está en boga durante algún tiempo, o en determinado país. 2. f. Gusto colectivo y cambiante en lo relativo a prendas de vestir y complementos. 3. f. Conjunto de la vestimenta y los adornos de moda.4. f. Estad. Valor que aparece con mayor frecuencia en una serie de medidas. (RAE, 2014)

Si bien es posible señalar a la moda como un fenómeno que refleja hábitos de consumo y cultura, resulta imposible separar su concepción de la vida en sociedad. En otras palabras, la moda se encuentra determinada por el lugar geográfico y el momento histórico en el que se sitúe. La idiosincrasia, rasgos, miedos así como objetivos y características propias de una sociedad determinan la manera en que se relacionan con el sistema de la moda. 
Refiriéndonos a sociedad como a la población mundial en su conjunto, y concentrándonos específicamente en períodos cronológicos, Lipovetsky (2014) brinda un recorte histórico en tres períodos: la modernidad, la posmodernidad y la hipermodernidad, siendo ésta última en la que nos encontramos inmersos actualmente. Sin embargo, y para comprender la presente relación de la sociedad con la moda y el consumo de indumentos, resulta necesario abordar en principio sus antecesoras y los inicios de dicho sistema. 
El sistema de la moda como lo conocemos en la actualidad surge, tal como señala Gaing (2017), de la mano del inglés Charles Frederick Worth quién, valiéndose de los cambios socio-políticos que implicó la Revolución Francesa y los avances tecnológicos que trajo aparejada la Revolución Industrial, crea la Alta Costura en el 1857. Es a partir de dicha fecha que los diseñadores comienzan a firmar sus creaciones, abandonando la confección de vestidos completamente a pedido, sino presentando diseños terminados. A su vez, Worth instaura las presentaciones de colección a las clientas, lo que hoy se conoce como desfiles, y finalmente plantea las colecciones por temporada, sistema que en la actualidad sigue vigente. (Lipovetsky, 1990). 
Si bien y claramente la Alta Costura era el modo que los burgueses encontraron, luego de abolir las Leyes Suntuarias, de diferenciar su vestimenta de clases con menos poder adquisitivo, este rubro planteaba recursos, colores, formas, siluetas que luego serían reproducidas, a menor costo, por fábricas a nivel industrial. Es en este punto a partir del cual es posible vincular el sistema de la moda con la era moderna, caracterizada por la razón como pilar principal del hombre, en parte impulsado por la búsqueda del orden social a partir de la Revolución Francesa.

Subproducto de la secularización, el orden no sólo se explica por la voluntad sino por la razón. El hombre podía conocer el mundo y organizarlo. El acceso a la nueva verdad que plantea la modernidad es la ciencia y, especialmente, la ciencia positiva. La racionalidad instrumental articula fines y medios para la búsqueda de la verdad. (Sexe, 2001, p.167)

La Revolución Industrial, que tuvo su germen inicial en la industria textil, y comenzó con la “utilización de máquinas pasó de la producción inicial de hilaza y de tejidos a su utilización en las minas de carbón y de hierro para continuar, ya en el Siglo XIX, con su aplicación a los buques de vapor y el ferrocarril” (Mullally, 2017, p. 13). Vinculando dicha cita con lo mencionado anteriormente por Sexe (2001), la Revolución impulsó una industria con producciones seriadas, ordenadas, eficientes y masivas, homogeneizando y democratizando el acceso a las prendas. Este fenómeno provocó, a su vez, la desaparición de ornamentaciones innecesarias así como también de trajes folklóricos y tradicionales 
Lipovetsky (1990) realiza un paralelismo entre el vínculo de la moda con la era moderna y el fenómeno al que el bautiza moda centenaria: cien años que abarcan desde el nacimiento del sistema de la moda como tal, 1857 hasta la masificación del prêt-à-porter en la década de 1950. Esta etapa está caracterizada por “los valores del capitalismo y la sociedad industrial: la producción en exceso, el consumo desmedido, las diferencias sociales” (Gaing, 2017, p. 14). 
Hacia 1960 la cultura joven y su afán de diferenciación respecto de las generaciones mayores generan anti-modas y abren un abanico de estilos que surgen de diferentes agrupaciones y subculturas urbanas. Pero es recién en la década del 70 que se introduce el concepto de posmodernidad, término que encuentra su origen en el discurso arquitectónico como oposición del estilo internacional, para señalar el panorama social y cultural de la época. La posmodernidad arriba a partir de una puesta en conflicto de la razón como verdad absoluta, profundizando el valor de una sociedad más heterogénea e individualizada y con menos expectativas acerca del futuro. El sujeto posmoderno tiende a enfocarse en horizontes más inmediatos, otorgándole poder al aquí y ahora. (Lipovetsky, 2014). 
Este cambio de paradigma, encuentra su raíz entre otros hechos históricos en las bombas atómicas de Hiroshima y Nagaski, en agosto de 1945, acontecimiento que comienza a poner de manifiesto la cualidad perecedera de la vida, la posibilidad de la extinción de la raza humana (Sexe, 2008). La posmodernidad, en consecuencia, es un culto al presente, a lo efímero, a una necesidad urgente por el placer inmediato. El culto al cuerpo, que nos mantiene sanos y nos aleja de la muerte, a la vez que la búsqueda incesante por la individualidad y el destaque, se contrapone a un narcisismo que a su vez, requiere de ser compartido con los pares, en algo que el autor llama narcisismo colectivo: “nos juntamos porque nos parecemos, porque estamos directamente sensibilizados por los mismos objetivos existenciales. El narcisismo no sólo se caracteriza por la autoabsorción hedonista sino también por la necesidad de reagruparse con seres idénticos” (Lipovetsky, 1986, p. 14). Asimismo, Lipovetsky (2014) señala la dualidad existente en el sujeto posmoderno. Éste es responsable a la vez que desenfrenado, libre en sus elecciones así como también dependiente de mecanismos de control menos directos. Es en dicha paradoja que, a la vez que el ciudadano moderno se transforma en el consumidor posmoderno, incentivado por la neofilia y la necesidad de novedad constante, aparecen también subculturas con valores de responsabilidad más grandes. El miedo a perecer se traduce en un cuidado por las materias primas y una mejor relación con la naturaleza, el medioambiente, y las raíces, comenzando una desarticulación del sistema de la moda que se verá reflejado con mayor profundidad en la hipermodernidad. 
Respecto a la etapa actual, que se considera comienza a gestarse luego de la caída del muro de Berlín, como símbolo del fin de las ideologías separatistas, sumado a la magnificación de la globalización y el auge de las nuevas tecnologías, Charles sintetiza sus principales valores en una colaboración Lipovetsky (2014) de la siguiente manera:

Una sociedad liberal, caracterizada por el movimiento, la fluidez, la flexibilidad, más desligada que nunca de los grandes principios estructuradores de la modernidad, que han tenido que adaptarse al ritmo hipermoderno para no desaparecer. E hipernarcicismo, época de un Narciso que se tiene por maduro, responsable, organizado y eficaz, adaptable, y que rompe así con el Narciso de los años posmodernos, amante del placer y las libertades. (p. 27)

En otras palabras, el sujeto hipermoderno tiende, al menos en su intención, a decisiones que, si bien libres, se alineen con una ética y responsabilidad. Sin embargo, la paradoja presentada en la posmodernidad se agudiza, siendo ahora individuos “más informados pero a la vez más desestructurados, (…) más abiertos y más influenciables, más críticos y más superficiales” (p. 29) y es en este punto donde denota la verdadera raíz de su responsabilidad, un miedo más profundo por lo que desconoce que supera su búsqueda de placer. Aquellos discursos que solían tranquilizar al sujeto posmoderno, entraron en la lógica del consumo y sistema de la moda, convirtiéndose así en objetos de consumo y, por lo tanto, vaciándose de sentido. (Lipovetsky, 2014)
Es en este punto que aquello que el consumidor hipermoderno pretende son productos que le den certezas, no busca productos en sí mismos, sino que necesita artículos que, al menos comunicacionalmente lo hagan sentirse comprendido y en un contexto seguro, familiar. En palabras de Bauman (2003):

Desean, por una vez, estar libres del temor a equivocarse, a ser desatentos o desprolijos. Por una vez quieren estar seguros, confiados, confirmados, y la virtud que encuentran en los objetos cuando salen de compras es que en ellos (o así parece, al menos por un tiempo) hallan una promesa de certeza. (Bauman, 2003, p. 87)

Es así como Lipovetsky (2014), señala dos tipos de consumo protagonista en la era actual: por un lado el consumo irresponsable que tiene como arista principal los medios digitales y por otro el consumo consiente. El primero se vincula a una compra inmediata que, al no manejar dinero tangible, se encuentra disociado de la consecuencia real que puede efectuar dicha compra, es decir, el sujeto compra objetos que no se alinean con intención ética y sustentable, pero que al efectuarse de manera remota, resulta tan intangible que no le genera culpa. En segunda instancia, el consumo consciente se relaciona con una vuelta a las raíces, lo que se sabe conocido y familiar y que de alguna manera le brinda al sujeto un lugar de pertenencia. No sólo cuida los recursos, aportando la construcción de un futuro menos oscuro, sino que además lo ubica dentro de un grupo en el que pueda resguardarse, tomando los valores de dicha subcultura para sentirse acompañado. Al respecto, Martínez señala la importancia de los atributos propios y la cosmovisión de un determinado grupo para generar la pertenencia:

Serán entonces los atributos particulares de un individuo o un colectivo los que hagan a éste quien es y no otro, igualándose a sí mismos y diferenciándose así de un otro que no posee esas mismas cualidades personales. El tener una identidad y ser consciente de ello mostraría una mirada determinada, un enfoque específico que sólo sería capaz de concebir ese individuo con esa identidad modelada y no otro. (2017, p. 43)

Es en este punto donde comienza a revalorizarse tanto materiales como técnicas originarias, convirtiéndose en una herramienta para enfrentar el oscuro presente y el incierto futuro. Las técnicas artesanales y los trajes tradicionales o con reminiscencias folclóricas se imponen sobre el indumento seriado a partir de los valores que traen aparejados: 

Una prenda con alto nivel artesanal tiene un valor que no puede compararse con una prenda producida en serie. La dedicación, el tiempo, y la habilidad volcada en una prenda de este tipo, hacen que esta adquiera una dimensión especial, ya que cada prenda es única. Una prenda artesanal da la sensación de estar elaborada con amor, de estar pensada para una persona en especial, y esto es lo que busca una sociedad cibernética que se siente cada vez más alejada del contacto personal. (Gaing, 2017, p. 23)

Conclusión 
En conclusión, el sistema de la moda fue mutando en relación a la sociedad, su comportamiento, idiosincrasia y hábitos de consumo. Cada una de las épocas mencionadas a lo largo del presente ensayo posee sus características propias y el modo en el que éstas repercutían en la industria de la indumentaria. En la actualidad, es la paradoja hipermoderna la que caracteriza la relación de los sujetos con el sistema de la moda.

El reinado del presente hipermoderno es sin duda el de la satisfacción inmediata de las necesidades, pero es también el de una exigencia moral de reconocimiento que abarcas las identidades basadas en el género, la inclinación sexual y la memoria histórica. (Lipovetsky, 2014, p. 101)

En otras palabras, el individuo hipermoderno busca en la moda el placer efímero, la satisfacción inmediata de necesidades consolidada por el auge de los dispositivos móviles y las compras online. Sin embargo, también pretende que la indumentaria le permita encontrar su grupo de pertenencia, construir una identidad basada en sus raíces y tradiciones. El universo hipermoderno es caótico y está repleto de inquietudes que resultan en un individuo inseguro y atormentado por la incertidumbre, es en este contexto en el que la moda le resulta un refugio. Ésta genera unidad y sentido de comunidad y que, al revalorizar tanto historia e identidad como técnicas y materiales, no sólo le permite encontrarse sino también aportar a un futuro menos oscuro.

Referencias bibliográficas 
Bauman, Z. (2003). Modernidad Líquida. Buenos Aires: Fondo de cultura económica. 
Gaing, A. (2017). Identidad que conquista. Re-significación del Ñandutí en vestidos de novia. Proyecto de Graduación. Buenos Aires: Universidad de Palermo, Facultad de Diseño y Comunicación. 
Lipovetsky, G. (1986). La era del vacío: Ensayos sobre el Individualismo Contemporáneo. Barcelona: Anagrama. 
Lipovetsky, G. (1990). El imperio de lo efímero. La moda y su destino en las sociedades modernas. Barcelona: Anagrama. Lipovetsky, G. (2014). Los tiempos hipermodernos. (Traductor: Prometeo Moya, A.) Barcelona: Anagrama. 
Martínez, M. (2017). Id Experimentación textil. El diseño como manifiesto de identidad. Proyecto de Graduación. Buenos Aires: Universidad de Palermo, Facultad de Diseño y Comunicación. 
Migliano, M. (2017). Más allá del pensamiento. Tocados nupciales como objetos de arte. Proyecto de Graduación. Buenos Aires: Universidad de Palermo, Facultad de Diseño y Comunicación. 
Mullally, M. A. (2017). Kalopsia. Creación de una colección cápsula, inspirada en trabajadores explotados en la industria textil. Proyecto de Graduación. Buenos Aires: Universidad de Palermo, Facultad de Diseño y Comunicación. 
Real Academia Española (2014). Diccionario de la lengua española (23.a ed.). Disponible en: http://www.rae.es/ rae.html 
Sexe, N. (2001). Diseño.com. Buenos Aires: Paidós.

(*) Diseñadora Textil y de Indumentaria (UP). Miembro del Equipo de Evaluación de Proyecto de Graduación, Universidad de Palermo. Facultad de Diseño y Comunicación.

Resúmenes de Trabajos Finales de Grado aprobados 
Organizados alfabéticamente por apellido del autor 

Ana Gaing 
Identidad que conquista. Re-significación del Ñandutí en vestidos de novia 
Diseño Textil y de Indumentaria. Categoría: Creación y Expresión. Línea temática: Diseño y producción de objetos, espacios e imágenes

El Proyecto de Graduación, inscripto en la categoría Creación y Expresión y en la línea temática Diseño y producción de objetos, espacios e imágenes, toma la re significación del ñanduti como eje, logrando la misma a través de una colección de novias, con una mirada personal creativa. 
La historia del ñanduti, es el relato de una aculturación, con la cual los primeros artesanos y aborígenes guaraníes encuentran caracterizada su identidad. 
Dicho tejido, sigue siendo muy utilizado como ornamento del hogar y escasamente aparece en indumentaria que no sea típico del folklore. Se han creado marcas que lo aplican, pero no son numerosos los diseñadores que han hecho uso de este tejido o se inspiren en él, salvo en carteras y bolsos, haciéndolos más vistosos. Es mayormente comercializado en circuitos y ferias donde asisten turistas interesados en llevarse un recuerdo artesanal de esa cultura. Del mismo modo, es que con el correr de los años debido a la industrialización, se fueron dejando de lado las técnicas artesanales de tejeduría, reemplazándolas por otras de mayor rendimiento y rapidez. Existe poca relación entre diseñadores y artesanos. Al mismo tiempo, la forma de tejeduría del ñanduti al ser transmitida oralmente, se encuentra en vías de extinción. 
Teniendo en cuenta lo mencionado anteriormente, la autora del presente PG se focalizará en re-significar el tejido artesanal mediante una colección de novias del rubro demicouture, combinando el tejido del ñandutí con otros textiles actuales, potenciando su uso y comercialización, adaptándose a los gustos y necesidades de un mundo globalizado. 
Dado que, la boda, ancestralmente es la celebración de mayor relevancia a la que acude una mujer, será el vestido de novia y su elección el que selle esa ilusión. 
Por este motivo, es que se deja reflejado que mediante la propuesta en la elección del tejido del ñanduti combinado con materiales de excelente calidad, se arribará a la confección y realización artesanal de esta prenda y su significación tan particular. 
 Para lograr el objetivo se investigará en profundidad su historia y desarrollo desde la época Colonial, la técnica para tejerlos y los antecedentes a lo largo del tiempo. Específicamente en el área de diseño de moda, se plantea la re-significación propuesta, considerando el análisis de otros diseñadores que utilizan las técnicas del ñandutí. 
Asimismo se pondrá de manifiesto la tendencia hacia las prácticas manuales ancestrales, y la obtención de un producto novedoso y diferenciador, con el agregado en cuanto a sus aspectos sustentables y ecológicos, con la utilización de fibras y tinturas naturales que conducen al cuidado del medio ambiente, lo que está asociado a la fuerte tendencia que persigue la sociedad emergente. 
La artesanía aliada con la moda, conferirá al diseño un exotismo particular de invaluable riqueza, siendo este un factor importante a la hora de dar a conocer este tejido, su uso y difusión para así incrementar su valor comercial y a mejorar la calidad de vida de los aborígenes que trabajan con dicha artesanía.

Munay Martínez 
Experimentación textil. El diseño como manifiesto de identidad 
Diseño textil y de Indumentaria. Categoría: Creación y expresión. Línea Temática: Diseño y producción de objetos, espacios e imágenes

El Proyecto de Graduación se inscribe en la categoría Creación y Expresión y en la línea temática Diseño y producción de objetos, espacios e imágenes. Sienta sus bases en los ejes de la comunicación, el diseño textil y la búsqueda de identidad a través del mismo. Bajo el análisis y la contemplación de dichos pilares, el objetivo del PG sería la creación de una colección textil que refleje identidad argentina. A partir de una analogía generada desde el diseño textil como posible disciplina comunicadora y valiéndose de un análisis de formación e importancia del lenguaje visual, las herramientas del mismo y la importancia del diseñador textil en dicho proceso, la autora buscaría establecer el inicio del camino que conduciría a la creación de una colección textil que refleje identidad argentina. 
Luego de entender al diseño textil como viable comunicador, el análisis de los géneros textiles será inminente, buscando comprender las posibilidades de acción tanto en elección de fibras, métodos de construcción y finalmente opciones de experimentación e intervención, abriendo de ese modo una intención de diseño a partir del conocimiento real de los elementos con los que sería viable trabajar y combinar a la hora de crear una colección textil. 
A continuación surgiría la necesidad de investigar acerca de la construcción de una identidad como tal, para así buscar la representación y el reconocimiento de un manifiesto local a lo largo del despliegue de la colección. Para ahondar en características específicas y datos culturales precisos, la autora decidirá regionalizar el territorio argentino en cuatro, sin buscar una división exhaustiva en la cantidad de regiones, sino en la profundidad de cada una de ellas. El noroeste, la región chaqueña, el litoral y la región patagónica serían las elegidas para ser analizadas desde los aspectos físicos como la fauna y la flora características, el suelo y el clima, así como también desde los rasgos culturales y de tradición de los pueblos originarios de cada una, entendiendo cada uno de los puntos anteriormente mencionados como las bases para la construcción de una identidad visualmente perceptible para luego ser traducida en colección textil. 
Como condición en el camino de armado del PG, otorgando la importancia que merece a los antecedentes, aparecería el acercamiento a casos reales de estudio con inquietudes y bases similares a las trazadas anteriormente: diseño textil como comunicador de identidad argentina. La actualidad de los casos seleccionados sería una de las claves para la autora, haciendo hincapié en la necesidad del anclaje tanto tradicional e histórico como contemporáneo y moderno. 
El recorrido finalizaría en la selección de las herramientas y los elementos a representar a partir de las regiones seleccionadas, con los métodos e intervenciones que puedan responder a las mismas, buscando así la generación de un mensaje decodificable a lo largo de la colección textil que represente la identidad de cada región, y de esa forma una identidad argentina.

Magaly Migliano 
Más allá del pensamiento. Tocados nupciales como objetos de arte 
Diseño Textil y de Indumentaria. Categoría: Creación y expresión. Línea Temática: Diseño y producción de objetos, espacios e imágenes.

El Proyecto de Graduación, se enmarca dentro de la categoría Creación y expresión, ya que se centra en plasmar una propuesta de realización de tocados nupciales con una variable diferencial en el diseño de moldería experimental de Tomoko Nakamichi y Shingo Sato, basada en las técnicas artísticas de Philip Tracy. Lo que se busca con dicho Proyecto, es la introspección personal con la creatividad y la fluidez de la misma, llevando a cabo la experimentación de técnicas de patronaje contemporáneo y materiales provenientes del oficio de la sombrerería para obtener un producto final que muestre de manera eficaz la coherencia y coexistencia del tocado nupcial respetando los conceptos y simbologías que el objeto como pieza única y artística debe mostrar. 
Por consiguiente la línea temática es Diseño y producción de objetos, espacios e imágenes, ya que el objetivo que plantea es plasmar nuevas ideas sobre el diseño fusionándolo con el oficio del milliner creando piezas en base a la experimentación y la creatividad. 
El problema que se plantea, es ¿de qué manera se puede recrear un tocado desde la mirada de un artista? 
Por decantación, se puede decir que el objetivo principal del mismo es realizar tocados nupciales como objetos de arte. Con los cuales se les otorgarán a las novias diferentes opciones de tocados para cubrir las necesidades actuales y la realización de los mismos se constituye de la metodología del diseñador, de las técnicas del oficio y la innovación y reinterpretación de la moldería contemporánea como piezas de arte. 
Para poder abordar el proyecto, desde un punto de vista profesional y confiable, se recurrió a la utilización de bibliografía que corresponda a cada uno de los tópicos que el mismo desarrolla, para poder así hacer un desglose de los puntos fundamentales de cada tema con una mirada académica y formal acompañada de la visión de tres profesionales en el mundo de la sombrerería.
Dicho Proyecto de Graduación, está dirigido a todos aquellos estudiantes de Diseño textil y de indumentaria, que se interesen y quieran experimentar en una rama vecina a la disciplina como lo es la sombrerería.

Micaela Araceli Mullally 
Kalopsia. Creación de una colección cápsula, inspirada en trabajadores explotados de la industria textil. 
Diseño Textil y de Indumentaria. Categoría: Creación y Expresión. Línea temática: Diseño y producción de objetos, espacios e imágenes

El Proyecto de Graduación se inscribe en la categoría Creación y Expresión y en la línea temática Diseño y producción de objetos, espacios e imágenes. Pretende visibilizar la explotación de trabajadores en la industria textil Argentina y, las consecuencias en el plano social y familiar. Se pondrá énfasis en la incidencia que esta situación tiene sobre la niñez y los talleres clandestinos que en la actualidad, desnudan inseguridad, incertidumbre y falta de garantía de condiciones socio-económicas mínimas y suficientes para una supervivencia digna. 
Para lograr contextualizar y comprender de mejor manera el funcionamiento actual de la Industria textil en la Argentina, se comenzará a mostrar ciertas características propias, desde su surgimiento a partir de la Revolución Industrial. 
Se hace una reseña histórica, mencionando los sucesos más relevantes ocurridos en la industria textil en el contexto de la Revolución Industrial. 
Luego se trabajará sobre las condiciones actuales en la Argentina haciendo referencia al análisis de las condiciones en cuanto al trabajo en la industria citada. 
También se hará referencia a las condiciones de explotación propiamente dichas, entendidas como las variables de discriminación, precarización y malas condiciones de trabajo. Específicamente, se analizará el segmento integrado por el sexo femenino y de qué manera repercute en sus hijos, quienes comparten ese ámbito de explotación laboral. 
Se destacará el surgimiento de prácticas implementadas por distintos diseñadores actuales, que ponen en tensión y cuestionan el mal de la explotación laboral textil. Estos emergentes parten de entender al diseño como la herramienta fundamental para afrontar las problemáticas sociales. 
Finalmente, como parte de este surgimiento de diseñadores con miradas críticas en cuanto a esta problemática, se presentará a Kalopsia, una colección cuyo mensaje intentará generar una vinculación más directa con el consumidor, basada en una colección cápsula que ofrezca soluciones prácticas a fines de ampliar la difusión de esta temática. Su intervención pretende ser una herramienta para generar una serie de beneficios a los niños afectados por esta situación. Como cierre se destacará lo importante que resulta entender las ventajas que se generan en el mundo del trabajo cuando se respetan las integridades, tanto físicas como mentales del trabajador. Que se sienta complementado, entendido, fortalecido al momento de trabajar, con sus derechos garantizados, hará brindar al máximo sus capacidades creadoras y a su vez contribuir eficazmente a las metas organizacionales propuestas.


La hipermodernidad y la moda. La paradoja del sujeto actual y su relación con la indumentaria fue publicado de la página 15 a página20 en Escritos en la Facultad Nº133

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