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Presente - Pasado - Futuro = Diseño escénico

Acha, Magalí [ver currículum del autor, docente de la Facultad de Diseño y Comunicación]

Reflexión Académica en Diseño y Comunicación NºXXXVI

Reflexión Académica en Diseño y Comunicación NºXXXVI

ISSN: 1668-1673

Cuarta Edición Congreso Tendencias Escénicas [Presente y futuro del Espectáculo]

Año XIX , Vol. 36, Noviembre 2018, Buenos Aires, Argentina | 240 páginas

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Resumen: Hay un momento para diseñar y un momento para producir. Hay un pasado y hay un futuro. Hay un sistema de trabajo posible de romperse todo el tiempo. Hay tecnologías nuevas. 

El diseño visual de un espectáculo se trabaja en diversos momentos del proceso creativo, llegando a su resultado el día del estreno. En ese proceso creativo se ponen en juego diversas cuestiones: miradas diferentes sobre un mismo material, cuestiones técnicas, visión del público, intereses económicos de empresarios o grupos teatrales e influencia de empresas que fabrican materiales para el espectáculo. 

¿Es posible generar una educación visual? ¿Es posible pensar como queremos trabajar en el futuro? ¿Es posible resistirnos a los cambios tecnológicos desfavorables para nuestro campo de acción pero impuestos por el mercado? 

En este mar de preguntas nos sentamos a debatir sobre el pasado y el presente del concepto y del trabajo visual de un espectáculo

Palabras clave: diseño de espectáculos - iluminación - nuevas tecnologías - escenografía


El Diseño hoy y mañana 

El diseño escenográfico y lumínico en el ámbito teatral se ve influenciado por las novedades tecnológicas que aparecen continuamente invadiendo nuestra era. En el teatro éstas son las áreas que más requieren adaptarse a esas nuevas tecnologías como, pantallas, proyectores, luces LED, motores, mecanización, efectos especiales, entre otras. Entonces, cómo adaptarnos sin que nuestro trabajo pierda el sentido dramático que requiere. 

Así comienza Ernesto Bechara, diseñador de iluminación, contándonos como evolucionó la luz teatral a través de la historia. Una historia larga si la tomamos desde antes de la luz eléctrica o breve si contamos desde su aparición. Las luminarias teatrales que utilizamos actualmente se encuentran en proceso de extinción. Las empresas fabricantes de lámparas nos imponen nuevas tecnologías como las luces LED, pronostican que en unos años dejarán de fabricar lámparas incandescentes, esas lámparas que usan nuestros “faroles” actuales como las PAR, los FRESNEL, los PC, los ELIPSOIDALES. Nos dicen que deberemos “adaptarnos” a utilizar un sistema de iluminación que funciona muy bien en los hogares y vía pública y en algunas luminarias teatrales, pero no en todo ni para todo. Entonces la pregunta es cómo desde nuestro lugar, desde nuestro espacio, podemos generar una postura que sea viable y escuchada por las empresas fabricantes de lámparas para que no se olviden de las necesidades teatrales. ¿Podremos reusarnos a los cambios tecnológicos? ¿Podemos no priorizar la eficacia sobre la estética? ¿Es igual una lámpara que la otra? ¿Puede una tecnología reemplazar a la otra? 

Por su parte Silvana de la Torre, quién se desempeña como directora de arte, nos expone conceptos sobre la psicología del color y de la forma basándose en estudios de Goethe, Aristóteles y Héller. ¿Los colores necesitan tener un contexto para adquirir sentido, en cada contexto adquieren una entidad única produciendo un efecto de empatía o rechazo en el espectador, entonces nos preguntamos si existe un significado psicológico del color? Los colores tienen un efecto en el que especta que está delineado por el mandato social y cultural. 

Las temáticas planteadas por María Guglielmelli y Gabriel Mosconi, se tocan con la idea de buscar lo dramático a través del objeto escénico expuesto por Ana María Cubeiro Rodríguez. Entonces comprendemos que un objeto es un elemento que se encuentra en escena que es posible de ser manipulado por el actor, podríamos ejemplificarlo como una extensión del cuerpo en una espada generando así una fusión o mimesis entre el objeto y lo humano. Cada objeto encierra una acción en potencia. Los objetos cotidianos se re-contextualizan en escena generando nuevas imágenes y usos. Un objeto nos permite generar nuevas poéticas, y siendo multifuncional podemos darle funcionalidad con la acción dramática. Las posibilidades de un objeto multifuncional son variadas, desde facilidad de transporte, posibilidades sígnicas y dramatúrgicas. 

Finalmente, Magali Acha, Diseñadora de escenografía, expuso la contradicción constante entre las artes y la técnica, contrapuntos entre los cuales el teatro se encuentra cada vez más marcado debido a las influencias tecnológicas. Dichas dificultades plantean debates sobre sistemas de trabajo, debemos seguir siendo hacedores teatrales que hacen “de todo” o debemos especializarnos, trabajando y ampliando los equipos. La necesidad de un director técnico que coordine y unifique la producción de los elementos y trabajadores de la técnica teatral se hace cada vez más evidente en las producciones. ¿Podemos ser artistas que dominen la técnica pero que no dependan de ella para crear? Muchos técnicos devienen en artistas sin formación, ¿qué o quién es lo que les da entidad? ¿Es un técnico un gran artista? Ser un buen manejador y conocedor de la técnica hoy nos hace artistas, eso hace que cada vez más perdamos esa posibilidad que tiene el artista de vanguardia de investigar, probar, de no necesitar saber hacer para pensar. El equipo formado entre director técnico con experiencia y conocimiento y artistas escénicos es el que da mejores resultados, es por eso que cada vez más las grandes producciones necesitan de esta posición, pero en contrapunto en el teatro independiente cada vez se hace más evidente la aparición de un diseñador escénico que además es técnico. ¿Que pasará en el futuro? ¿Podrán estos diseñadores enfrentarse a grandes producciones?

Conclusión 

Las discusiones sobre los sistemas de producción son moneda corriente. Los tiempos que corren parece que nos obligaran a todos a hacer todo, a ahorrar dinero, a adaptarnos a las nuevas tecnologías, a respetar el mandato empresarial, y nos olvidamos de lo importante que es ser artistas. 

Ser artistas escénicos es un trabajo cotidiano, una escalera en ascenso o descenso… Una escalera en la que todos los escalones son un aprendizaje y un recorrido… 

Cada ser artista transita esa escalera desde diversos ángulos, algunos desde la improvisación, desde estar en ensayos, desde probar materiales o elementos, hasta el trabajo de mesa, compuesto por bocetos, maquetas, planos. 

El trabajo en el teatro, específicamente el trabajo del diseñador escénico (escenógrafo, vestuarista, iluminador) cada vez requiere de más conocimientos, de más motivación y de más vínculo con la tecnología. Esto no debe hacernos perder el concepto de ser artistas. 

Por otro lado, se observa que a pesar de que muchos diseñadores escénicos cumplen varios roles, ya que el teatro independiente así lo demanda por cuestiones económicas y de producción, en el teatro oficial o comercial esto se hace cada vez menos efectivo. Es indispensable en éstos círculos la división de roles, ya que como dice el refrán “el que mucho abarca poco aprieta”. Entonces volvemos a la pregunta de a dónde se dirige el diseño escénico, cuál será el paradigma que nos depara el futuro como artistas. 

La conclusión se plantea como pregunta, ¿es la división de roles o la unificación de roles el futuro de los diseñadores escénicos? ¿Podemos resistirnos a las nuevas tecnologías? ¿Puede un fabricante decirnos con que materiales trabajar? 

Mesa de Debate: Escenografía e Iluminación 

- Ernesto Bechara, Larga vida al Tungsteno 

- María Guglielmelli y Gabriel Mosconi: El objeto escénico-multifuncional 

- Silvana de la Torre: La Psicología del Color 

- Ana María Cubeiro Rodríguez: La búsqueda a través del objeto escénico 

- Magali Acha: La técnica al servicio del diseño… viceversa


Abstract: There is a time to design and a time to produce. There is a past and there is a future. There is a working system that can be broken all the time. There are new technologies. 

The visual design of a show is worked in various moments of the creative process, reaching its result on the day of the premiere. In this creative process several issues are put into play: different views on the same material, technical issues, public views, economic interests of entrepreneurs or theater groups and influence of companies that manufacture materials for the show. Is it possible to generate a visual education? Is it possible to think how we want to work in the future? Is it possible to resist the technological changes unfavorable to our field of action but imposed by the market? 

In so many questions we sit down to discuss the past and the present concept and visual work of a show.

Keywords: Show design - lighting - new technologies - scenography

Resumo: Há um tempo para projetar e um tempo para produzir. Há um passado e há um futuro. Existe um sistema de trabalho possível de quebrar o tempo todo. Existem novas tecnologias. O design visual de um show é trabalhado em vários momentos do processo criativo, atingindo seu resultado no dia da estréia. Neste processo criativo, várias questões são postas em prática: diferentes visões sobre o mesmo material, questões técnicas, visões públicas, interesses econômicos de empresários ou grupos de teatro e influência de empresas que fabricam materiais para o show. É possível gerar uma educação visual? É possível pensar como queremos trabalhar no futuro? É possível resistir às mudanças tecnológicas desfavoráveis ao nosso campo de ação, mas impostas pelo mercado? Neste mar de perguntas, nos sentamos para discutir o passado e o conceito atual e o trabalho visual de um show.

Palavras chave: Design de show - Iluminação - Novas tecnologias - Cenografia 


Magalí Acha. Licenciada en Artes del Teatro (USAL). Profesora universitaria (UP). Diseñadora de Escenografía e Iluminación en espectáculos teatrales, danza y comedia musical.


Presente - Pasado - Futuro = Diseño escénico fue publicado de la página 38 a página40 en Reflexión Académica en Diseño y Comunicación NºXXXVI

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