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La creación escénica en proceso

Rosa Chalkho

Reflexión Académica en Diseño y Comunicación Nº XXXVIII

Reflexión Académica en Diseño y Comunicación Nº XXXVIII

ISSN: ISSN 1668-1673

Quinta Edición del Congreso de Tendencias Escénicas

Año XX , Vol. 38, Mayo 2019, Buenos Aires, Argentina | 260 páginas

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Resumen: La comisión Procesos Creativos puso en foco el valor del proceso de gestación como materia fundante de la obra escénica resaltando su importancia, no solo como instancia creativa, sino también como cuerpo artístico en sí. A través del recorrido por las distintas ponencias presentadas se plantearon interrogantes, se debatieron procesos y se intercambiaron propuestas para el trabajo en progreso como un eslabón ineludible de las creaciones.

Palabras clave: Proceso creativo – escena – teatro – performance – emergente [Resúmenes en inglés y portugués en la página 58]

Algunas ideas emergentes de los intercambios fueron la construcción colectiva del proceso, la multiperspectividad de las propuestas, el rol del cuerpo en la escena, la crisis como oportunidad creativa, la gestión y producción como partes del proceso, la puesta en debate de los géneros, la combinación de otras artes (danza, video, diseño, etc.) y el uso de recursos y tecnologías entre otros tópicos.

El proceso creativo emerge en las estéticas contemporáneas como un factor privilegiado. Esta revalorización de los modos de hacer obra ha resurgido tal vez, en respuesta a las premisas de la obra de arte absoluta y acabada, fruto de un artista creador y demiurgo, acuñadas por los coletazos decimonónicos de la Modernidad. Es así que aquello que se está creando se vuelve materia artística, tanto para los públicos como para los realizadores, para quienes es habitual someter a debate, producir intercambios y nutrirse de los aportes de artistas, críticos y amigos.

Bastante pasados de moda quedaron los celos y los secretos hasta el estreno, el interés de una obra no reside únicamente en proporcionar una diégesis consumada, sino que también el work in progress se sube a la escena mediante un sin número de recursos: la improvisación, la escenografía que se arma frente a los ojos del espectador o la ruptura de la cuarta pared, entre tantos otros recursos.

Develar el artificio, descubrir huellas y dejar rastros del proceso creativo, lejos de mostrar algo no terminado, es dar cuenta de la profundidad del desarrollo y de la riqueza de los materiales amasados.

Es así que la comisión Procesos Creativos funcionó como un espacio de resonancia del hacer escénico, en donde se presentaron los proyectos en distintos grados de evolución y en todos los casos surgieron preguntas, aportes y debates que funcionaron como fermentadores de las ideas.

Antonella Ipekchian inició las exposiciones de la comisión con la presentación de su obra MYO en la que la inspiración budista fue el material creativo para la elección de tres conceptos: Abrir, Revivir y Estar perfectamente dotado. Antonella hizo énfasis en el proceso de creación basado en un laboratorio de experimentación de larga duración. Su obra se basa en la combinación de diversos lenguajes y soportes, como video danza, el teatro, la creación audiovisual y la música en la escena a cargo de un bandoneón. La propuesta escénica interpela a un espectador no estático y construye microhistorias de tres mujeres a través de un hilo conductor.

A continuación, presentó su ponencia Orlando Alfonzo, director de la obra Juicio final. Orlando presenta el concepto central de su propuesta basado en una pregunta existencial sobre el ser: ¿quién sos? A través de una dramaturgia que enfrenta a un personaje después de su muerte con un juez, la interacción intenta ir desnudando el discurso hasta llegar a la esencia. La obra propone una narrativa no lineal basada en la participación del público que elige entre los personajes posibles para jugar los roles de juez y de la persona juzgada. Esta situación arriesgada o, como lo define Alfonzo, el concepto de “incertidumbre” es el que motoriza la interpelación a los espectadores ya que el trasfondo de la obra sostiene que el peor juez es uno mismo. El diseño de arte y la música acompañan las ideas de la puesta.

Luego de estas dos exposiciones se abrió un breve debate en el que los participantes de la comisión realizan aportes al proceso de las obras en el que surgen tanto aspectos creativos como ideas de producción y difusión.

Lucía García Puente presenta el proyecto Gala de ballet que gestiona y produce en Santa Fe como parte del Festival Danzar Santa Fe. El proyecto propone un espacio de confluencia de géneros y estilos de la danza, buscando acercar la danza contemporánea a nuevos públicos y convocar a los públicos del ballet tradicional a las nuevas estéticas. Su premisa es sostener la calidad artística prescindiendo de los acartonamientos y formalidades que las tradiciones han impuesto. Para esto Lucía considera central la fundamentación del proyecto en un marco teórico y contexto histórico que sustenta la convivencia de un abanico abierto de estilos y estéticas del movimiento.

Los disfraces del dramaturgo Ricardo Prieto es la obra que presentó Cristina Livigni en una adaptación propia a un formato de veinte minutos. Cristina se concentró en dar cuenta de los detalles y complejidades del proceso de creación de la puesta y, asimismo, de la adaptación y actualización de algunas claves históricas que, mediante recursos escénicos, cobraron nuevos sentidos.

Es así como la tensión dialéctica del amo y el esclavo que plantea el texto de Prieto alcanza ribetes complejos al transitarse desde una perspectiva psicológica de las relaciones entre los personajes. Livigni comentó que la formación psicoanalítica de los actores contribuyó en los debates del proceso al espesor dramático de la performance.

Ayelén Menéndez presenta a debate un proceso de creación en sus comienzos que parte de la investigación y selección de los materiales para una obra que hace foco en el teatro físico. Los primeros interrogantes que Ayelén se plantea son justamente acerca de una teoría-cuerpo, es decir un marco de ideas que le permite avanzar en las relaciones entre el cuerpo, la escena y lo teórico.

Uno de los ejes que plantea, son los estadíos del proceso creativo y en especial aquellos puntos muertos o trabas frente a los que es difícil avanzar en la investigación escénica. A partir de este punto se abre un interesante debate en el que toda la comisión expone diversas herramientas y recursos creativos para franquear estos momentos de detención.

Ana Messina analiza el proceso de su obra TETRIS para la que propone una morfología deconstruida en núcleos temáticos que se van combinando como un rompecabezas dinámico. El tema de la obra ronda en torno a la pregunta por la feminidad, Ana se plantea ¿qué es esto de ser mujer?, y lo interesante de su exposición es que la respuesta no es unívoca ni acabada, sino que se construye de manera multiperspectiva mediante la propuesta escénica. Esta narración no lineal de unidades diferentes e intercambiables que entran en sistema le permite interpelar al espectador a partir de nuevas preguntas y visiones.

El planteo de la obra no se agota en la estructura (o desestructura), sino que también cobran particular importancia el diseño de arte y vestuario, para el que Messina da detalles del especial cuidado en su producción.

¿Quién mató al conde de Buenos Aires? Es la obra de Santiago Negri sobre otro Santiago que paradojalmente vivió a una cuadra de su casa, pero hace dos centenares de años: Santiago de Liniers. Estas coincidencias sirven como un material fascinante para el proceso creativo que emprende Negri, que enmarca su obra en el género de la comedia punk musical. El unipersonal tiene como público destinatario a los adolescentes de escuelas secundarias, y como teatro educacional, su propósito es movilizar el debate histórico, replantear aspectos invisibilizados por las historias oficiales y debatir modelos políticos como el populismo a través de una construcción hilarante y políticamente incorrecta de la figura de Liniers. El unipersonal ¿Quién mató al Conde de Buenos Ayres? echa mano de las técnicas del teatro de objetos para construir escénicamente el relato histórico.

Nicolás Salvo avanza en la manera en que una crisis personal puede convertirse en material para la creación.

Qué difícil es decir adiós es su obra inspirada en una ruptura real de su vida y lo que resulta interesante es el proceso mediante el cual la crisis transmuta en creación.

¿Se puede encontrar un método para la creación? La literatura suma vastas discusiones acerca de la existencia o ausencia de algún tipo de método o sistema para la creación, y si bien el tema nunca queda saldado, Nicolás propone la auto observación de este proceso creativo en el que una crisis es el motor que activa la producción.

A continuación, Shoni Shed plantea las particularidades de un proceso creativo dimensionado en una larga o mediana duración, es decir, cómo atravesar el desafío creativo, hacer crecer y evitar el estancamiento en un espectáculo que lleva diez años y más de 400 funciones.

Su obra Club silencio se enmarca en el teatro de los sentidos, con centralidad en la música y con un planteo acusmático, en donde los espectadores tienen los ojos vendados para disponerse a recibir ese mundo de sensaciones que la obra ofrece. La movilización de las emociones ocupa el punto central de la propuesta de Shoni, para la que maneja el misterio, la expectativa, los detalles y las intensidades.

A continuación, Eloísa Tarruella expone un trabajo próximo estrenarse que se caracteriza por una especial atención en todos los elementos constitutivos de la escena. La iluminación, los objetos, las proyecciones audiovisuales, la construcción del espacio, la música o el vestuario funcionan como la madelaine de Proust evocando recuerdos. Como comenta Eloísa: “el recuerdo data de la última vez que lo evocamos” y su obra Lao tus labios propone una narración no lineal que va y viene en el tiempo, entre el hoy y el recuerdo. Uno de los aportes de la presentación al proceso creativo es la manera en que la autora, directora y actriz piensa el teatro desde una perspectiva cinematográfica heredada de su formación audiovisual, y en donde el concepto de montaje interviene en la puesta en escena.

Para finalizar, presenta su trabajo Mariana Valci que relata que asumió el proceso creativo de dos obras teatrales simultáneas con estéticas bien marcadas y totalmente distintas y al mismo tiempo atravesadas las dos por los mismos temas: la identidad, el género y los roles familiares y sociales.

Una de las obras es minimalista tanto en la elección de los objetos como en la reducción del espacio escénico y la otra obra tiene una estética pop y expansiva, en sus colores, materiales y dimensiones. Esta propuesta lleva a reflexionar sobre las obras como parte de un proceso creativo más largo, en donde las distintas expresiones pueden ser consideradas como parte de un verdadero sistema creativo. La manera y el proceso de creación mediante el que llevó adelante la producción simultánea de estas obras fue motivo de preguntas e intercambios entre los asistentes y ponentes.

Finalizando las exposiciones de la comisión se abre un debate en el que se ponen en cuestión los géneros escénicos, y frente a la pregunta ¿es la innovación escénica necesariamente una transgresión a los géneros? A esto, diversas voces aportan que las transgresiones, innovaciones y experimentaciones pueden adquirir diversos estados, por ejemplo, se puede ser fiel a un género e innovar en algún otro elemento de la obra. Una conclusión también interesante fue la constatación de las narraciones no lineales o multiperspectivas en varias obras, lo que nos permite interrogarnos sobre la deconstrucción de los relatos como un signo de las tendencias estéticas actuales.

Expositores: - Ipekchian, Antonella Paola. MYO - Alfonzo, Orlando. Juicio Final. 4 actores x 2 personajes x 1 obra - García Puente, Lucía. Creaciones Escénicas: Coexistencia de estilos para una nueva resultante - Livigni, Cristina. Proceso creativo: Puesta en escena de un texto dramático - Menéndez, Ayelén Maite. Investigación creativa y lineamientos para la conformación de una obra de teatro físico - Messina, Ana. La Multiplicidad del Relato - Negri, Santiago. ¿Quién mató al Conde de Buenos-Ayres? - Salvo, Nicolás. La Crisis como eje central para la creación y puesta escénica - Shed, Shoni. Club Silencio - Tarruella, Eloisa. Leo tus labios - Valci, Mariana. Del minimalismo a la opulencia pop __________________________________________________ Abstract: The Creative Process commission focused on the value of the gestation process as the founding material of the scenic work highlighting its importance, not only as a creative instance, but also as an artistic body in itself. Through the tour of the various papers presented questions were raised, processes were discussed and proposals for work in progress were exchanged as an inescapable link in the creations.

Keywords: Creative process - scene - theater - performance – emerging Resumo: A comissão Processos Criativos pôs em foco o valor do processo de gestação como matéria fundante da obra cênica realçando sua importância, não só como instância criativa, mas também como corpo artístico em si. Através do percurso pelas diferentes conferências apresentadas propuseram-se interrogantes, debateram-se processos e trocaram-se propostas para o trabalho em progresso como uma eslabão inevitável das criações.

Palavras chave: Processo criativo - cena - teatro - performance - emergente (*) Rosa Chalkho: Magister en Diseño (UP). Profesora de Artes con Mención en Música (IUNA, 1993). Es Música e Investigadora en temáticas vinculadas al sonido en el campo audiovisual.

Forma parte del Cuerpo Académico del Doctorado en Diseño.

Miembro del Plenario de la Comisión de Posgrado DC.


La creación escénica en proceso fue publicado de la página 56 a página58 en Reflexión Académica en Diseño y Comunicación Nº XXXVIII

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