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Música y Creación Sonora

Keselman, Rony

Reflexión Académica en Diseño y Comunicación Nº XXXVIII

Reflexión Académica en Diseño y Comunicación Nº XXXVIII

ISSN: ISSN 1668-1673

Quinta Edición del Congreso de Tendencias Escénicas

Año XX , Vol. 38, Mayo 2019, Buenos Aires, Argentina | 260 páginas

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Resumen: El sonido en general y la música en particular ocupan un lugar destacado en la puesta en escena. Músicos, directores y actores trabajan mancomunadamente sobre los aspectos sonoros para que los mismos se inserten orgánicamente en el espectáculo convocante.

Palabras clave: Música – sonido – diseño – creación sonora [Resúmenes en inglés y portugués en la página 69]

El entramado sonoro se convierte así en una expresión que invita a la reflexión analítica y abre múltiples zonas de debate.

Los aspectos emocionales, técnicos, la subjetividad y objetividad de los creadores se convierten en valores esenciales, en herramientas fundamentales que permiten un abordaje eficaz y una confluencia precisa dentro del texto espectacular.

Qué suena, cómo suena y por qué suena, son algunas de las preguntas básicas que nos hacemos a la hora de diseñar las sonoridades poéticas que sobrevolarán – a veces en primer plano y otras veces de manera imperceptible- la obra teatral.

En líneas generales, la mayoría de los participantes se focalizaron en la problemática de la creación sonora específica del área artística que nos compete.

Fueron expuestos y analizados aspectos formales y estructurales del sonido y la música. Recorridos históricos de nuestro quehacer artístico, nuevas tendencias, vanguardias, ruptura y continuidad de la tradición musical en la puesta en escena.

La actividad se desplegó naturalmente en un clima ameno, cálido y distendido y la buena predisposición de los expositores contagió al público participante.

Luis Arguello, inspirado por la lectura de La última cinta de Krapp de Samuel Beckett, se pregunta: “¿Y si pienso dónde no quiero que haya música?” Esta pregunta disparó en el compositor una búsqueda analítica que abarca los espacios convencionales y no convenciones de producción escénica, la música como sistema significante y el periplo sonoro de Mozart a Schoenberg.

A partir de dichas premisas analizó y revalorizó la banda sonora del film Medea dirigido por Lars von Trier focalizándose en la moderna resolución musical de la tragedia. Y concluyó su ponencia poniendo énfasis en el animarse a probar subrayando la búsqueda de la experimentación como motor creativo.

Pablo Fargó, resumió las estructuras tradicionales de la música para teatro, haciendo una clara distinción entre Marco externo musical al relato y música interna del espectáculo, en el cual incluyó también la generación de efectos sonoros.

Tomó al guion como fuente de inspiración emocional, espacial y temporal y desarrolló en profundidad asociaciones cinestésicas, libres y metafóricas como también las aproximaciones lineales, no lineales y fantásticas de la composición musical.

Finalizó su exposición hablando sobre el sentido de desapego, al “no enamorarse de la música que uno propone” ya que la misma puede ser inmediatamente descartada por el director de la obra.

María Lucía Gaviria Uribe fue la encargada de descontracturar la mesa con una exposición que lindaba la performance rapera y que incluyó, entre otras formas originales de presentación, el canto a capella, invitando a todos los concurrentes a cerrar los ojos para centrarse en los estímulos emocionales de su bella voz.

Reveló aspectos concretos sobre la producción musical independiente. La música contemporánea como mestizaje cultural. Las ideas viejas que conducen a nuevas y originales creaciones. La posibilidad a partir de los avances tecnológicos de difundir la propia producción musical a toda velocidad.

Luego se centró en un análisis pormenorizado del Rock como materia rebelde y el Pop como consumo masivo, invitando a la audiencia a pensar la música como una escena urbana subrayando su dinamismo y su carácter no estático.

Puso de manifiesto su lema. “soy autodidacta y puedo hacerlo yo sola” un pensamiento que incluye un procedimiento generacional significativo.

Fernando Martins de Castro Chaib enriqueció el intercambio con una serie de videos basados en la perfomance de acciones dramáticas acompañadas por percusión.

Centró su quehacer musical en la música de percusión escénica. Desplegó ejemplos visuales del Grupo Fluxus, el Body Art y partituras coreográficas para manos.

Subrayó una interesante diferencia entre música para escena y música escénica aclarando que “sin la obra de teatro la música escénica no existe” ya que la misma forma parte de su estructura global.

Mirko Mescia impuso su cuota de humor en un análisis sumamente detallado sobre las diversas problemáticas en las que se encuentra atrapado el compositor de música para la escena. “La música para teatro no es un tema, es un problema”. Esta frase fue el disparador de su exposición.

Mediante un exquisito Power Point nos mostró como el problema de las definiciones de nuestro oficio no escapan ni siquiera a las búsquedas en Google. Nos interpeló preguntándonos cómo se define nuestra labor en los programas de mano. Y luego, qué significan algunos términos para la creación musical que nos solicitan los directores de escena, tales como: colchón, clima, fondo, musiquita.

“¿Es posible registrar una partitura compuesta por ruidos en SADAIC?” se preguntó. Y posteriormente remató la pregunta con la respuesta que le brindó la Sociedad Argentina de autores y compositores de música: “los ruidos no tienen derecho de autor, no son de nadie”.

Seguidamente su exposición irrumpió en el campo histórico de los instrumentos musicales, haciendo un recorrido, apoyado con imágenes, de los instrumentos ejecutados desde los sumerios a la actualidad, basando dicho recorrido en el eje de fricción entre lo Apolíneo y lo Dionisíaco. Las citas de pensadores y filósofos de la Grecia Antigua enriquecieron y ampliaron su viaje conceptual.

Natacha Muñiz nos habló sobre la relación de la música con el lenguaje y la implicación entre texto y música.

Comenzó su recorrido por el origen musical del lenguaje.

Desarrolló mediante ejemplos muy interesantes el llamado (HDB) habla dirigida a bebés. Un lenguaje performático intuitivo y común en toda nuestra sociedad.

Luego se adentró en el lenguaje como sonido altamente codificado enriqueciendo su discurso con citas del compositor, educador y pedagogo musical Murray Schafer (Sonido y Significado) y también de poetas Dadaístas tales como Hugo Ball.

Recalcó la diferencia entre “materia sonora y materia sonante” y finalizó su exposición con una hermosa frase: “que el material sonoro, lo que se dice, mueva al cuerpo”.

Luis Lugo, compartió con nosotros diversos disparadores reflexivos. Entre ellos: El antagonismo musical a lo largo de la historia (Mozart/ Salieri, Chopin /Liszt).

La paradoja entre músicas antiguas y contemporáneas, el lugar que ocupa la genialidad de la música, ética y moral del compositor frente a su obra y el lugar de los ídolos populares.

Finalmente, mi ponencia se basó en aspectos puntuales y técnicos referidos a la creación de efectos de sonido en y para la escena. La distinción entre construcción de efectos para Cine y Teatro. Formas y contenidos, la ejecución de dichos efectos mediante fuentes grabadas o articuladas en el espacio vivo. La sincronización, el espacio acústico, localización del sonido en la mezcla y en el espacio escénico. Subjetividad y objetividad en el diseño sonoro.

Una vez finalizadas las exposiciones se abrió una zona de debate y reflexión sobre la subjetividad y objetividad emocional de los componentes sonoros, el pulso como elemento común entre sonido y escena y la pulsión del personaje. Temas que fueron sugeridos como disparadores para próximos encuentros.

Expositores: - Faragó, Pablo: Música para teatro – Del guion a la inspiración.

- Keselman, Rony: Efectos de sonido en Teatro.

- Gaviria Uribe, María Lucía: La batalla se gana con pasión.

La música independiente.

- Kesley dos Santos Kemuel-Martins de Castro Chaib, Fernando: Música escencia y música para percusión: conceptualizaciones y abordajes performativos.

- Mescia, Mirko: Puntos de oído: criterios sonoros para la escena.

- Muñiz, Natacha: la música como resultado de la función poética del lenguaje: el viejo problema formacontenido.

- Lugo, Luis: Piedra analítica del pensamiento escénico: Hacia un posicionamiento en futuras décadas.

__________________________________________________ Abstract: Sound in general and the music in particular occupy a prominent place in the staging. Musicians, directors and actors work together on the sound aspects so that they are inserted organically into the convening show.

Keywords: Music - sound - design - sound creation Resumo: O som em geral e a música em particular ocupam um lugar destacado na posta em cena. Músicos, diretores e actores trabalham conjuntamente sobre os aspectos sonoros para que os mesmos se insiram organicamente no espectáculo convocante.

Palavras chave: Música - som - design - criação de som (*) Rony Keselman: Director de teatro, autor, guionista de TV y músico. Profesor de la Universidad de Palermo en el Área Audiovisual y el de Investigación y Producción de la Facultad de Diseño y Comunicación.


Música y Creación Sonora fue publicado de la página 67 a página69 en Reflexión Académica en Diseño y Comunicación Nº XXXVIII

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