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La escenografía, un espacio en movimiento

Andrea Verónica Mardikian Giase

Reflexión Académica en Diseño y Comunicación Nº XXXVIII

Reflexión Académica en Diseño y Comunicación Nº XXXVIII

ISSN: ISSN 1668-1673

Quinta Edición del Congreso de Tendencias Escénicas

Año XX , Vol. 38, Mayo 2019, Buenos Aires, Argentina | 260 páginas

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Resumen: De lo compartido en la jornada, se puede pensar que en la representación/ acontecimiento artístico existe una primera instancia donde se ponen en relación el director y/o los intérpretes, el tema de la representación y el escenógrafo.

Palabras clave: Escenografía – iluminación – diseño – espacio – tiempo [Resúmenes en inglés y portugués en la página 71]

En este encuentro la escenografía, a lo largo de los ensayos, va evolucionando al mismo tiempo que se va afinando el trabajo de articulación entre los intérpretes y/o el director y el tema de la obra / acontecimiento artístico.

Meschini y Bender abordan las maneras de pensar y diseñar una escenografía teatral en un espacio no convencional (una instalación) y en el espacio cinematográfico con el fin de reflexionar sobre las diferencias y similitudes de los procedimientos escenográficos en cada uno en particular. Subrayan la importancia de atender a la estética del diseño y los climas para comprender que el proceso creativo enriquece la imaginación e invita a probar colores, luces, utilería, conceptos y todo lo que configura los procedimientos escenográficos distanciándose de lo ya conocido. Las experiencias compartidas por ambas conferencistas son producto de los Trabajos Prácticos de sus asignaturas en dónde cruzan los conceptos teóricos articulados en la cursada con la aplicación práctica al ejercicio de la profesión.

Bechara entiende que la iluminación, la escenografía, entre otras prácticas escénicas son, hasta hace poco, entendidas como oficios. La generación de Carreras Formales (Universidades, terciarias, etc) de estos oficios lo lleva al autor a reformular los recursos pedagógicos utilizados en su espacio áulico. En principio resalta la premisa de que “se aprende en el oficio” y marca una diferencia importante señalando las ventajas y las desventajas de la práctica en la Pasantía y en un T.P. Final. En relación a las Pasantías explica que ese ejercicio de gran importancia para el estudiante en el campo profesional. Sin embargo advierte, en dicha práctica, temas implícitos que presentan controversia, como por ejemplo: convenios laborales, seguros, roles no específicos, limitación creativa, entre otros. Para Bechara, el Trabajo Práctico Final es una simulación de la práctica profesional donde se entrecruzan una carga teórica, la generación del proyecto, la ejecución del proyecto, el espacio de la maqueta, el diseño de la plantas finales, el trabajo en grupo, la división de roles, el trabajo con el otro y la intención de sacarlos del lugar de “comodidad”, pero, además, propicia una reflexión posterior a la muestra, dentro de la cursada.

Bechara subraya el beneficio de un espacio de auto observación, de reflexión crítica del proceso creativo, y manifiesta que esto es imposible de experimentar en la actividad profesional por falta de tiempo.

Schamun Maximiliano, Cardell Daniel, Bermúdez Hernán forman un equipo de trabajo que aborda la problemática del diseño escenográfico para escenarios de gran escala, donde las visuales del público son modificadas por la distancia de observación. Se dedican a la escenografía de estadios, sobre todo de recitales y arenas señalando que estos espacios modifican el diseño de la escenografía, piden nuevas resoluciones y necesitan espacios de realización de los proyectos que exceden espacios convencionales. Las actividades son realizadas por el equipo y quizás se suma algún profesional para cubrir tareas como: pintura de grandes telones con contrastes cromáticos acordes, diseño de animaciones para ser proyectadas en escenografías animadas, diseño, realización y uso de escenografías inflables, etc. Se observa en la exposición una serie de imágenes del proceso creativo de este grupo de artistas donde se pone en relieve la resolución de problemas técnicos y de tiempo apostando a recursos de fácil adaptación y a un diseño de gran escala que necesitan las puestas escenográficas de estos espacios.

Brudny, Valeria retoma el asunto del tiempo ya identificado en todas las anteriores exposiciones y el debate sobre los modos de producción escenográfica en la realidad teatral argentina y lo contrasta con los modos de producción de otros países. Brudny comparte la experiencia de su proceso de trabajo junto al Cirque du Soleil para el espectáculo Séptimo día – no descansaré del cual formó parte como coordinadora de producción escenográfica. En su exposición manifiesta cómo se llevó a cabo el proceso creativo bajo una organización minuciosa del cronograma de planificación en donde se observan detalladamente la articulación entre el tiempo y espacio, es decir: tiempos, horarios, planificaciones, espacios, recursos, presupuestos, secuencias de movimientos y ensayos, que paulatinamente, acercan el dispositivo al escenario.

Cabanes Pellicer, Nieves su exposición se centra en el diseño, trabajo y construcción del espacio en el encuadre para la dirección de arte. Pensar en el arte y la dirección de arte coopera a contar y armar la historia haciendo hincapié en las tendencias acerca de los métodos de trabajo.

El diseño de publicidad está intervenido por la agencia y por el cliente, por ende, el arte y la dirección de arte también estarán condicionados por dicha mirada.

Gaitán, Matías Javier se pregunta cómo hacer cuando las ciudades han perdido sus espacios de expresión, en principio manifiesta un deseo y una necesidad de un espacio cultural en la ciudad de Alta Gracia, en Córdoba.

Comparte su experiencia de Solares Espacio Cultural, un salón dónde antes funcionaba un supermercado que fue recuperado y transformado en un espacio artístico y una sala de espectáculo. El hilo conductor de este proyecto fue la necesidad de propiciar un espacio de encuentro entre los grupos artísticos locales como así también de otras regiones y un público respetuoso y deseoso de esta actividad. Señala que la producción técnica fue fundamental para el montaje de diversos espectáculos y para optimizar los recursos de Solares Espacio Cultural.

Gómez, Diego ahonda en las tecnologías disponibles aplicables a la creación de escenografías digitales, entre ellas el video mappings, pisos interactivos, video inmersivo y captura de movimiento. Su exposición fue muy didáctica desplegando las posibilidades tecnológicas actuales que cooperan en la configuración de un espacio escenográfico digital y sirvió de actualización a ciertas tecnologías que muchos de los participantes desconocíamos.

Guglielmelli, María plantea el proceso de producción de ideas, cómo generar y articular una idea a través de una expresión estética, cómo trasladar el boceto a una realidad concreta. En su exposición despliega y analiza el proceso creativo de dos obras Jamás me levantó la mano de Marcos Casanova 2016 y Isla Negra de Osvaldo Canis 2017, dos propuestas completamente diferentes desde la experiencia y la producción creativa como así también de la materialización de la escenografía.

A modo de síntesis de lo compartido en la jornada, se puede pensar que en la representación/ acontecimiento artístico existe una primera instancia donde se ponen en relación el director y/o los interpretes, el tema de la representación y el escenógrafo. En este encuentro la escenografía, a lo largo de los ensayos, va evolucionando al mismo tiempo que se va afinando el trabajo de articulación entre los intérpretes y/o el director y el tema de la obra / acontecimiento artístico. De esta manera se logra ahondar en una comprensión más particular sobre la obra teatral o cinematográfica, concepto, recital, lugar artístico cultural y/o dispositivo concreto o digital permitiendo la evolución de los espacios, es decir, de la escenografía y la iluminación, en su distintas calidades de forma, textura, colores, dimensiones, etc, en sincronización con el crecimiento del director y/o interpretes.

En primer lugar, desde dicha perspectiva, colapsa la situación de que el escenógrafo llega demasiado rápido a la resolución de la construcción del espacio. Por el contrario, ese boceto incompleto ofrecido por el escenógrafo va a ir evolucionando con el mismo ritmo que se va transitando el proceso creativo, es decir, retrocediendo, cambiando, afinando, desechando, probando, aceptando, apelando a diseños abiertos, perceptivos, en movimiento y en relación con un todo. Por lo tanto, resulta imposible presentar la creación del espacio sin incluir la configuración del tiempo, es decir, un espacio en movimiento.

El tiempo y el espacio enraíza al interprete y/o director, hace que su presencia esté viva mientras se somete a continuas modificaciones y transformaciones que dan vida al acontecimiento artístico en el aquí y ahora. Un espectáculo comienza el primer día en el que el equipo de trabajo se encuentra, luego en los ensayos, continúa durante el intercambio con el público, las giras, hasta la última representación porque durante todo ese tiempo ocurren diferentes cosas que hacen que el espectáculo evolucione y se modifique en su espacio – tiempo. La escenografía es el punto de encuentro intrínseco, íntimo entre el tiempo - espacio dentro del marco de un acontecimiento artístico.

Referencias bibliográficas Brook, Peter (1997). El espacio vacío. Barcelona: Ediciones Península Expositores: - Meschini Sofía Belén y Bender Natacha. Diferencias y similitudes de los procedimientos escenográficos - Bechara, Ernesto. La práctica escenotécnica y la enseñanza - Schamun Maximiliano, Cardell Daniel, Bermúdez Hernán.

El diseño escenográfico para estadios y arenas - Brudny Valeria. Del render al escenario: Investigación como método para optimizar resultados - Cabanes Pellicer Nieves. Espacio y Encuadre

- Gaitán, Matías Javier. Resignificar el espacio, un desafío diario - Gómez, Diego. Escenografía Digital - Guglielmelli, María. Del boceto a la materialización __________________________________________________ Abstract: From what is shared in the day, it can be thought that in the representation / artistic event there is a first instance where the director and / or the performers are put in relation, the theme of the representation and the set designer.

Keywords: Set design - lighting - design - space – time Resumo: Do compartilhado na jornada, pode-se pensar que na representação/ acontecimento artístico existe uma primeira instância onde se põem em relação o diretor e/ou os intérpretes, o tema da representação e o cenógrafo.

Palavras chave: cenografia - iluminação - design - espaço - tempo (*) Andrea Verónica Mardikian Giase. Licenciada en Artes Combinadas (Universidad de Buenos Aires). Profesora de Enseñanza Media y Superior en Artes (Universidad de Buenos Aires). Profesora de la Universidad de Palermo. Actriz.


La escenografía, un espacio en movimiento fue publicado de la página 69 a página71 en Reflexión Académica en Diseño y Comunicación Nº XXXVIII

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