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La deconstrucción en el proceso de enseñanza

Alegre, Verónica

Reflexión Académica en Diseño y Comunicación. Nº XLI

Reflexión Académica en Diseño y Comunicación. Nº XLI

ISSN: 1668-1673

XXVIII Jornadas de Reflexión Académica en Diseño y Comunicación

Año XXI. Vol. 41, Febrero 2020, Buenos Aires, Argentina | 284 páginas

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Resumen: Dentro de las etapas del proceso de enseñanza analizaremos la posibilidad de la deconstrucción de lo construido, para luego reconstruir y lograr la permanente reflexión del rol docente, entendiendo la didáctica como una ciencia social viva donde uno de los objetivos del docente teatral es lograr asentar un escenario didáctico adaptado al aquí y ahora, donde la dinámica grupal sea un punto de partida y encuentro para generar vínculos de disponibilidad para el trabajo en conjunto.

Palabras clave: Construcción – deconstrucción - escenario didáctico – reflexión



El docente plantea una estrategia de trabajo a priori donde realiza una planificación didáctica de la materia a desarrollar durante el año lectivo. Entendiendo que enseñar no es una actividad monolítica, no es unidireccional, sino que es intervenir en el proceso de aprendizaje del otro, es un proceso de comunicación, no como un instrumento rígido que encarpeta, sino como una hipótesis de trabajo. Lo que proponemos es permitirnos como docentes la reconstrucción de lo construido, demolerlo y volver a reconstruirlo. ¿Para qué reiterar el trabajo de construcción? ¿Quién realiza esa reconstrucción el docente; los alumnos; o el docente y los alumnos? ¿En qué consiste esa reconstrucción? ¿Esta reconstrucción nos aleja del camino del contenido del programa?

En primera instancia debemos aclarar que este trabajo está vinculado a analizar el ejercicio de la docencia relacionada al ámbito teatral, o sea al arte. Según el filósofo italiano Dino Formaggio el arte es todo aquello que los hombres llaman Arte. Es algo que no se puede definir completamente y que no es un concepto binario. ¿Quién podría decir si algo o alguien es o no un artista? El arte es un concepto abierto que se modifica todo el tiempo. Y el arte teatral también. El docente de teatro debe estar abierto a permitirse deconstruir y no encasillarse en un solo estilo o poética, enseñar arte es estar abierto a la creatividad del alumno, encontrar la potencialidad de ese sujeto y que sea un actor autónomo. No generar actores que repitan como títeres la técnica adquirida, sino que sean creativos. Serrano (2004) sostiene que resulta una quimera andar en busca de una única técnica, que sea ella sola capaz de resolver los problemas artísticos imaginables y apta para cuanto estilo se nos ponga por delante. Ure (2003) afirma que lo que se llama estudiar un método de actuación está más vinculado a la zona de la literatura prestigiosa.

Pienso en esto último en relación a la elección del material bibliográfico para la materia, por un lado tenemos los textos dramáticos usados para la escena, y por otro lado tenemos los textos utilizados como referentes para el arte de actuar. ¿Quién puede determinar cuál es la literatura prestigiosa para el arte? Bartis sostiene desacralizar los textos formativos, que surgieron en contextos histéricos-sociales precisos. En cuanto a material formativo coincido en cierto punto con Bartis, aunque en mi recorrido como docente e investigadora teatral generalmente se repiten los conceptos ya clásicos agregándoles solamente alguna Poética. Obviamente que hay textos clásicos como Shakespeare, Chejov, Moliere y muchos más, pero también como docentes debemos estar abiertos a los nuevos textos dramatúrgicos que permiten relatar a una sociedad actual y que a los alumnos les genera más identificación, sobre todo en los primeros años de cursada. Textos nuevos que quiebran a veces la narrativa clásica y que generan otro formato de actuación, otra forma del decir, como por ejemplo Sarah Kane. Generalmente en la mayoría de los programas de estudios de actuación los textos clásicos se desarrollan en los últimos años del entrenamiento actoral para que el actor pueda encararlos con un background más consolidado.

El docente brinda herramientas para que el alumno logre obtener una mirada teatral, pero el cómo llegar a ese lugar, es algo muy personal e íntimo, que el propio alumno debe encontrar su propio cómo, obviamente el docente estará detrás incentivando, alentando y empujándolo hacia ese camino, pero no es un camino rígido, y lo más bello, es que no hay un solo camino, sino que son varios caminos disponibles. Y dentro del grupo, habrá alumnos que se sentirán más cómodos con un camino que con otro. Gardner sostiene que podemos pensar en el conocimiento de un tema como en el de una habitación en la que se puede acceder desde diferentes puertas. Y agrega que un docente habilidoso puede abrir un número importante de diferentes entradas al concepto. Por lo que podemos ver hasta aquí, hay varios caminos o puertas para llegar al conocimiento, proponemos que como docentes estemos preparados y abiertos para dejar que los alumnos recorran estos caminos, poder mostrarles varios caminos, y ayudarlos para que sean independientes en la elección del camino que les permita desarrollar la creatividad. Si un docente se encapricha en mostrar un solo camino y criticar al resto genera una visión pequeña de la actuación, una visión que no podríamos llamar arte, porque en el arte no hay un solo camino, el arte es un devenir, un transitar, un estar y mucho más.

Proponemos estar flexibles si vemos que un ejercicio no está funcionando con el alumno o con el grupo, poder deconstruirlo y construirlo para que genere mayor fluidez artística. Proceso individual: hay que tomar en cuenta la doble función del actor, según Ubersfeld (2002) por un lado, es un elemento activo de un universo ficcional y por el otro es un teatrista que trabaja con su cuerpo y su voz. Lee Strasberg agrega que además de los medios técnicos (cuerpo, voz) el actor trabaja con los medios internos como la imaginación, la emoción y la inspiración. Como sostiene Stanislavsky los actores se sienten inseguros aunque aparezcan con gran aplomo ante el público, un director sin tacto puede destruirles con gran facilidad su fe en sí mismos. Debemos tener en cuenta que el docente de teatro se diferencia de los demás docentes, en que está trabajando con el alumno en toda su complejidad, con su parte externa e interna. Por lo tanto deberá tener la cintura suficiente como para realizar devoluciones que permitan dejar las resistencias y disfrutar de la escena. O sea que esta reconstrucción deberá ser a medida de lo que el alumno necesite, logrando que el alumno se apropie del proceso y sea protagonista de su aprendizaje.

Proceso grupal: El teatro es una actividad netamente social, por lo tanto, la dinámica grupal es fundamental a la hora de armar la clase. El grupo es sostén, continente y potencia el aprendizaje. Holovatuck y Astrosky sostienen que el diagnóstico es la primera evaluación que realizamos en conocimiento y contacto con el grupo. Es decir, ajustamos el plan de trabajo a la realidad de este grupo determinado. Observándolos y recabando información del grupo: cantidad, sexo, edades, experiencia, los grados de relación entre ellos, los grados de comprensión, y los grados de compromiso.

Si la docencia es un acto de comunicación donde enseñamos, escuchamos y acompañamos el proceso grupal, entonces proponemos deconstruir y reconstruir grupalmente, creando condiciones favorables para todos, ya que la construcción grupal es constante y permanente. Por ejemplo agregar contenido de movimientos como #metoo; #miracomonosponemos; y estar atentos a lo que la sociedad nos está pidiendo. Para que los alumnos puedan linkear el contenido de la materia con los temas sociales y eso les genere interés hacia la misma, en cualquier instancia de la carrera. Esto además generará un clima de compromiso grupal y también hacia la profesión elegida, pudiendo incorporar valores éticos que les servirá para el desarrollo de la profesión artística.

Peter Brook, un referente en el universo teatral, sostiene que aunque un día creas que has descubierto el personaje, esto no puede durar. Podes ese día dar lo mejor de vos, pero debes recordar que la auténtica forma aún no está ahí.

No es como la construcción de un edificio, donde cada acción es el paso lógico que sigue al paso previo. Sino por el contrario, el auténtico proceso de construcción implica al mismo tiempo una especie de demolición, crear ese espacio peligroso, permitirse soltar para llegar a algo creativo, único. Por ejemplo, comenzaríamos con construir la acción, luego la deconstruiríamos y por último la reconstruiríamos. Él está describiendo parte del proceso de la construcción del personaje, que el alumno debe lograr. Trasladando esto al rol docente, nosotros debemos realizar una reconstrucción o demolición de lo construido como forma de reivindicar el carácter espontáneo de la secuencia de la clase, sobre todo en las clases de teatro. La posibilidad de construir a partir de los emergentes que surgen. Donde en la balanza, pesa más lo vivido y experimentado con el cuerpo que lo discursivo.

El estudio de la actuación ha pasado históricamente por diversas etapas, anteriormente se hacía hincapié en el estudio de la voz con la declamación, un buen actor era aquel que tenía buena voz. Luego pasó por varias etapas acentuando en el entrenamiento corporal, en la no actuación, y otros procesos más. Todo este desarrollo fue gracias a docentes que se han deconstruido para aggiornarse a nuevas estéticas y poéticas y a una sociedad que quiere ficciones más identificatorias con el ser humano.

Gilles Ferry sostiene que el proceso de formación docente requiere pensar la formación como un trabajo de sí mismo sobre sí mismo. Es un repensar la tarea docente constantemente. Permitir e incentivar a los alumnos a las preguntas.

Robert Young considera que las preguntas son una parte muy importante del discurso en la clase. Generando la capacidad de dialogar, cuestionar y auto cuestionarse. No tener miedo a las preguntas de los alumnos, porque surgen de una sed de conocimiento.

La enseñanza es un proceso de construcción cooperativa entre el docente y los alumnos.

Proponemos favorecer el desarrollo reflexivo, compartir y negociar significados entre maestros y alumnos, para favorecer el proceso de comprensión por parte del alumno. Es una actividad en conjunto que nos permite como docente revisar nuestras propias matrices de formación, indagar sobre la multiplicidad de enfoques teóricos, no casarnos con una sola teoría como verdadera. Permitirnos cuestionarnos todo y escuchar las necesidades de las nuevas generaciones que también tienen su derecho a proponer nuevas teorías y estéticas.

También repensar nuestro material seleccionado para la clase, dado que enseñar es aprender con el otro, escuchar propuestas bibliográficas de alumnos y nuevas tendencias en el arte de actuar.

La verdadera escucha al alumno permite generar un alumno autónomo que se le brindan herramientas, pero que tiene la capacidad de elegir entre esas herramientas cual es la mejor para utilizar en su expresión artística. Es un trabajo por un lado individual con cada alumno y por otro lado grupal, generando una dinámica grupal que avance hacia los objetivos pero por sobre todo que disfrute de la cursada. Y que logre encontrarle sentido a su vocación en el contexto histórico social en el que le toca vivir.

Lograr que el alumno comprenda que el objetivo no es el resultado, sino el proceso y que aprenda a transitarlo comprometido con la cursada y animándose a cuestionar saberes, es la mejor forma de aprender. Y enseñar con el ejemplo, permitirnos como docentes deconstruirnos y reconstruirnos, con la convicción de buscar siempre la mejor alternativa de enseñanza. Porque en el arte no hay una sola verdad, sino mil contradicciones.

Referencias Bibliográficas

Bartis Ricardo (2003). Cancha con niebla, Buenos Aires. Atuel.

Brook Peter, (1994). La puerta abierta, Barcelona. Editorial A Literaria.

Holovatuck y Astrosky, (2009), Manuel de juegos y ejercicios teatrales, Buenos Aires. Atuel.

Ubersfeld Anne, (2002).Diccionario de términos claves del análisis teatral. Editorial Galerna.

Serrano Raúl, (2004). Nuevas tesis sobre Stanislavsky. Buenos Aires. Atuel.

Stanislavsky Constantin (1953). Un actor se prepara, México. Editorial Constancia S.A.

Strasberg Lee (1997). Un sueño de pasión, Buenos Aires. Editorial Emece.

Ure Alberto (2003). Sácate la careta. Buenos Aires. Grupo Editorial Norma.

(1997). Corrientes didácticas contemporáneas. Editorial Paidós

Nota: Este trabajo fue desarrollado en la asignatura Introducción a la Didáctica a cargo de la profesora Silvia Meza en el marco del Programa de Reflexión e Innovación Pedagógica.



Abstract: Within the stages of the teaching process we will analyze the possibility of the deconstruction of the constructed, to then reconstruct and achieve the permanent reflection of the teaching role, understanding didactics as a living social science where one of the goals of the theatrical teacher is to establish a didactic scenario adapted to the here and now, where the group dynamic is a starting point and meeting to generate availability links for the work together.

Keywords: Construction - deconstruction - didactic scenario - reflection

Resumo: Dentro das etapas do processo de ensino analisaremos a possibilidade da deconstrução do construído, para depois reconstruir e conseguir a permanente reflexão do papel docente, entendendo a didática como uma ciência social viva onde um dos objetivos do docente teatral é conseguir assentar um cenário didático adaptado ao aqui e agora, onde a dinâmica de grupo seja um ponto de partida e encontro para gerar vínculos de disponibilidade para o trabalho em conjunto.

Palavras chave: Construção - desconstrução - cenário didático - reflexão


Verónica Alegre. Actriz, docente y bailarina de tango - Universidad de Palermo).


La deconstrucción en el proceso de enseñanza fue publicado de la página 70 a página72 en Reflexión Académica en Diseño y Comunicación. Nº XLI

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